Miguel Scaltritti desarrolla su práctica artística en un amplio abanico de disciplinas: pintura, dibujo, grabado, libros de artista, pero esta nueva entrevista que nos ofrece Shirley Rebuffo va acompañada de una selección de su obra en madera. Se trata de una serie de composiciones, muchas de ellas con forma de cuadro y planteamiento escultórico en las que el artista elabora, recicla, trata y enmarca jugando con las formas, geometrías y colores de la madera para construir armoniosas piezas artísticas.
Miguel Scaltritti develops his artistic practice in a wide range of disciplines: painting, drawing, engraving, artist's books, but this new interview offered by Shirley Rebuffo is accompanied by a selection of his work in wood. It is a series of compositions, many of them in the form of paintings and sculptural approach in which the artist elaborates, recycles, treats and frames playing with the shapes, geometries and colors of wood to build harmonious artistic pieces.
_____________________________________________________________________
Hacer un viaje en ómnibus y con personas con un fin común puede ser una excelente oportunidad de compartir experiencias únicas. En una de esas circunstancias, hacia la Bienal de San Pablo, conocí a Miguel que viajaba junto a su esposa Stella. Los encuentros fortuitos y las conexiones humanas son aspectos fascinantes de los viajes y pueden dejar recuerdos duraderos.
Miguel trabaja en grabado, diseño en papel y últimamente se ha destacado con sus obras realizadas en maderas. Esto le brinda la oportunidad de dar rienda suelta a su creatividad y expresión artística. Combina diferentes formas, tamaños y texturas realizando composiciones únicas y originales, interpretando formas y ángulos, con una actitud de apertura a lo nuevo.
Como él mismo dice: "en lugar de desecharlas, es una forma creativa de reciclaje, contribuyendo así a la sostenibilidad ambiental".
Las diferentes texturas de las maderas tienen una belleza natural que aprovecha en su arte, dando profundidad y riqueza visual a sus obras, ya se corta, lija, pinta, tiñe e incluso graba sobre ella. Esa versatilidad permite la concepción de cuadros-collages, confrontando su esencia racional y objetiva con su parte emocional y creativa.
En su reciente exposición en la sala Sáez se pueden observar sus obras y sentir que, al ser la madera un material orgánico, nos transportan, de una forma artística, hacia una conexión especial con la naturaleza. Shirley Rebuffo
Traveling by bus and with people with a common purpose can be an excellent opportunity to share unique experiences. In one such circumstance, on the way to the São Paulo Biennial, I met Miguel who was traveling with his wife Stella. Chance encounters and human connections are fascinating aspects of travel and can leave lasting memories.
Miguel works in printmaking, paper design and lately he has excelled with his works in wood. This gives him the opportunity to unleash his creativity and artistic expression. He combines different shapes, sizes and textures making unique and original compositions, interpreting shapes and angles, with an attitude of openness to the new.
As he himself says: "instead of throwing them away, it is a creative way of recycling, thus contributing to environmental sustainability".
The different textures of wood have a natural beauty that he takes advantage of in his art, giving depth and visual richness to his works, whether he cuts, sands, paints, dyes and even engraves on it. This versatility allows the conception of collage-paintings, confronting his rational and objective essence with his emotional and creative part.
In his recent exhibition at the Sala Sáez, one can observe his works and feel that, since wood is an organic material, they transport us, in an artistic way, to a special connection with nature. Shirley Rebuffo
_____________________________________________________________________
Miguel Scaltritti
(Montevideo, Uruguay, 1957-)
Miguel Scaltritti, a quien ya presentamos en el blog dentro de la serie dedicada a los libros de artista (ver enlace más abajo), nació en Montevideo, Uruguay, en 1957.
En el 2004 ingresó al CEA, Centro de Expresión Artística del Maestro Nelson Ramos, participando en el 2005 de una muestra colectiva en el Centro Cultural Lapido. También ese año obtuvo mención de Honor en el Salón Anual de Pintura Marítima del Club Naval.
En el año 2006 participó de varias exposiciones colectivas: en el Centro Cultural La Paloma, Rocha; "De menos a más", realizada en la Galería Arteviaja, y otra por los 35 años del CEA, en Galería del Paseo. Exposición individual en la Galería La Puerta de San Juan. Ese mismo año ingresó al taller de grabado de Pedro Peralta, y también fue seleccionado para el III Salón Nacional del Grabado Uruguayo, obteniendo una Mención Especial.
En el 2007 se incorporó al taller de grabado dirigido por Gabriel Lema. Obtuvo una Mención de Honor en el Salón Anual de Pintura Marítima del Club Naval y fue seleccionado en el certamen "Convivencia de los Pueblos", organizado por la Filial Monte Scopus de B’nai B’rith. Participó con Gabriel Lema en la creación de 12 grabados para los premios del Rally de la 8ª Semana Internacional del Automóvil Sport y Clásico de Punta del Este.
Miguel Scaltritti trabajando en su estudio / at work in his Studio
En 2008 ingresó al taller de Expresión por la Plástica de Pilar González, y obtuvo Mención de Honor en el Salón Anual de Pintura Marítima del Club Naval.
En 2010 y 2011, respectivamente, participó del primero y segundo Taller de técnica Hayter dirigido por Rimer Cardillo y Claudia Anselmi. En el 2010 ingresó al taller de grabado de Claudia Anselmi. Participó en la XIV Bienal de Miniaturas Gráficas Luisa Palacios, Venezuela, y en un trabajo colectivo del taller de Pilar González para la celebración del Día del Patrimonio en recuerdo de Florencio Sánchez.
En el 2011 participó en trabajo colectivo del taller de Claudia Anselmi para realizar intervención de la Fundación Nancy Bacelo. Realiza una exposición individual en el Museo de Arte Contemporáneo de El País.
Más adelante presentó exposiciones individuales en el Centro Cultural de La Paloma, Rocha; Casa de la Cultura de Minas, Lavalleja; en la Sala Carlos Federico Sáez (2017 y 2023); en la embajada de Uruguay en Buenos Aires, Argentina. Expuso en ArteUyEnPerspectiva de Radiomundo 1170 AM en dos ocasiones, y también obra gráfica en Galería Quarentena (galería virtual, 2021).
En 2022 expuso obras en madera bidimensionales y esculturas en Aguada Park y recibió mención especial en el concurso de caricaturas y viñetas de Bodega Bouza, trabajo exhibido en sus viñedos, en la ruta a Punta del Este.
Ha publicado trabajo en la Revista Cultura Amsterdam Sur (Amsterdam).
Fue premiado en el 5to. Concurso Isusa.
Sus obras forman parte de colecciones privadas en Argentina, Brasil, España, Estados Unidos, Canadá y Uruguay.
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Cuál es tu primer recuerdo vinculado al arte? ¿En qué momento de tu vida descubres que el arte es tu camino?
Miguel Scaltritti: Recuerdos hay muchos, pero uno en especial fue dibujar en el hule de la mesa de la cocina a la hora de la siesta una persecución de indios y soldados que empezó en un lado, continuó en la cabecera y terminó con un enorme regaño a la mitad del otro lado. Descubrí que bolígrafo negro sobre hule es un soporte placentero.
SR: ¿Qué experiencias han determinado tu carrera?
MS: En esta incursión por las artes visuales, al finalizar el primer año en el taller del maestro Nelson Ramos, tuve que hacer una pausa por motivos familiares. Tuve una conversación con él explicándole y fue en ese diálogo, aclarándole mis razones, que me quedó claro que este era mi camino, el cual recorro desde hace ya veinte años.
SR: ¿Hubo alguien en la familia que te inspirara hacia lo que hoy creas?
MS: Directamente no. Generacionalmente esto de incursionar en el camino de las artes generaba de manera automática la pregunta: ¿y cómo te vas a ganar la vida? Era una educación que se ceñía estrictamente a los dictámenes familiares, y se puede observar en infinidad de casos que, por suerte, en estos tiempos las cosas parecen haber cambiado. En mi caso el esposo de mi madrina, persona sensible y allegada al arte, siempre me alentó a no dejar que esa llama se apagara y puedo decir que fue el mi primer mentor.
SR: ¿Planificas tus ideas antes de ponerte manos a la obra? ¿O la inspiración te surge conforme vas trabajando?
MS: La planificación existe siempre, pero creo que las ideas están primero. Mi maestra, Pilar González, obsequió a sus alumnos con un manifiesto sobre hacer y pensar arte del cual rescato un detalle importantísimo: los ojos atentos a lo que nos rodea porque estamos rodeados de estímulos que luego se transforman en ideas, que más tarde se transforman en trabajos. Esos estímulos, algunos conscientes y otros inconscientes son, por lo menos en mi caso, los generadores que alimentan y motivan mis trabajos. Con [Nelson] Ramos hablamos mucho sobre lo que la obra pide y ese ejercicio es fascinante, el diálogo entre el hacedor y lo que va naciendo, donde la improvisación juega un papel importantísimo y a su vez, en mi caso, fundamental.
SR: ¿Estás satisfecho con lo que quieres transmitir a través del arte?
MS: Absolutamente. Considero que el mundo y la vida no son buenos ni malos, es el camino que nos toca recorrer y así debemos aceptarlos. Entre esos límites, a través del arte, me permito crear ese mundo que me gusta, el que me imagino, en donde el equilibrio que recreo me hace sentir a bien y se manifiesta sin otra pretensión.
SR: ¿Qué referentes marcaron tu formación?
MS: Referentes hay muchos según la etapa de mi vida. Comenzando con los dibujantes de historietas, como por ejemplo Harold Foster, los argentinos Lucho Olivera o Salinas, y Hergé, creador de Tin Tin, a quienes seguía con mucho interés. También el dibujo publicitario estadounidense de las décadas del 50, 60 y 70. En lo clásico: Rembrandt, Goya, Leonardo y Miguel Ángel. Ya inserto en el mundo del taller formal, el cual me abrió un portal inabarcable, comprendí poco a poco la diferencia entre el virtuosismo y el arte propiamente dicho, a interesarme y conocer diferentes corrientes, sintiéndome inspirado por la necesidad de trascender el plano como por ejemplo [Nelson] Ramos, [Washington] Barcala y [Gonzalo] Fonseca.
SR: ¿Identificas distintas etapas artísticas en tu evolución artística?
MS: Obvio que sí. La evolución en los trabajos y el recorrido que se transita van marcando diferentes etapas, y podría decir que el factor común entre ellas es la permanente búsqueda de mi huella de identidad. Todo en este mundo está inventado y apenas podemos darles a nuestros trabajos esa impronta personal que los diferencia de otros. Llegar a esta conclusión requiere oir constantemente esa voz interior de honestidad, de valor para animarse a salir de la zona de confort, experimentar en un ejercicio pleno de libertades y es en ese recorrido en que transitan las diferentes etapas de un artista. En mi caso fue el paso por el dibujo, el grabado, las pequeñas formas con maderas, los collages y la intención de que se entremezclen en un futuro.
SR: Trabajas sobre papel y fibra, además del grabado digital, pero últimamente te has dedicado a la madera. ¿Cómo has encontrado este lenguaje?
MS: La fascinación por la madera proviene primeramente por los sentidos: el tacto, el olor, la vista y hasta diría por el calor. Con todo ese cúmulo de sensaciones me resulta imposible no convivir y trabajar con ella. Como diría el maestro Díaz Valdéz, "la madera nos proporciona la oportunidad de someterla o aceptarla según el caso". Es a partir de una bolsa de recortes, destinados a ser leña de estufa, que comencé a seleccionar maderas que, por su condición, no merecían ser quemadas. Es a partir de ahí que empecé a combinarlas en formas y tamaños, surgiendo así composiciones en material natural. Con el tiempo comencé a darles color e incluir en las composiciones trabajos en los fondos. Me empeño en que sean maderas de descarte, trozos destinados a desecho y esa condición permite darles nuevos destinos, que en este caso pretenden ser trabajos artísticos.
SR: ¿Sueles tratar mucho las maderas para que formen parte de tu obra, o tratas de modificarlas lo menos posible, tal cual llegan a tus manos?
MS: Las dos cosas. En esa recolección de materiales encuentro algunos que no necesitan intervención alguna. Algunos apenas merecen algún ajuste a las medidas que el trabajo necesita y otros sí, los cuales trabajo meticulosamente, de manera casi obsesiva.
SR: ¿Qué emociones fluyen dentro de ti al darle vida los trozos de madera?
MS: Diría que la primera emoción que surge es la alegría. Trato de que sean musicales y armónicas, porque la mayor parte de ellas están acompañadas en su factoría por temas de jazz, baladas y algún que otro tango. Cuando llega el momento del punto final –difícil momento– pasamos a la etapa de contemplación, luego del juicio, y si este es aprobatorio aparece la satisfacción y el sentir que valió la pena lo realizado.
SR: ¿Cómo suele ser tu método de trabajo? ¿Eres ordenado o reina el caos en tu estudio? ¿Te consideras un artista con reglas?
MS: De atrás hacia adelante, más que reglas me considero una persona metódica. Mi día empieza muy temprano, antes del amanecer, según la estación del año en plena oscuridad o con los albores cerca de las cinco de la mañana. Disfruto recibiendo el día y es a partir de esa hora que dedico la mañana a desarrollar los trabajos creativos dejando para la tarde los rutinarios y artesanales. Con respecto al orden puedo decir que trabajo en un desorden ordenado, sobre todo cuando me ocupo de las maderas, seleccionándolas, intercambiándola o descartándolas, pero cuando llego al punto en que ya la mesa de trabajo comienza a ser caótica, necesito limpiar y ordenar para luego retomar la labor. Es un constante ir y venir en la búsqueda del equilibrio interno que pretendo se refleje en las obras.
SR: ¿Cuánto tiempo te insume realizar las piezas más grandes?
MS: El tiempo es relativo. Hay piezas que llevan meses y otras salen a la luz en poco tiempo. Los dibujos, al ser más espontáneos, salen varios en una mañana. Diferente es con las maderas, pues ensamblarlas, encolarlas y llegado el caso colorearlas, requiere tiempo. Estos son trabajos que a veces los hago en simultáneo, por lo que una obra de mediano porte puede llevar una semana o semana y media. Aunque en realidad el tiempo que insume poco me preocupa.
SR: ¿Cómo decides poner el punto final a un proyecto?
MS: Cuando el mismo me lo pide. A veces finalizar un trabajo es simple y obvio. Hay otros casos en que no soy capaz de ver con claridad ese final y es ahí cuando prefiero dejar descansar una obra y retomarla al tiempo para así sentir si precisa algo más o ya está pronta. Los seres humanos tenemos la capacidad natural de enmarañar las cosas y es ahí donde se comete el error de hacer un movimiento de más. Practico el aforismo "lo bueno, si breve, dos veces bueno".
SR: ¿En qué focalizas tus proyectos? ¿Qué desafíos te has impuesto?
MS: El mundo es muy grande y hay lugar para todos. Creo que la principal función de un artista es sensibilizar al prójimo que, en este caso, es el espectador y para ello existen infinidad de modos y temáticas. En lo que a mí refiere, solo pretendo recrear esos mundos que, sin mayores explicaciones, surgen desde la gráfica o desde la composición bidimensional, tratando de que el caos y el orden estén en ellos, que el desafío tenga como resultado siempre un equilibrio. Esta en mi esencia como persona en la vida y por ende pretendo que se vea reflejado en mis obras.
SR: ¿Tienes alguna anécdota para compartir que nos enriquezca con relación al arte?
MS: No se me ocurre nada que decirle a quien quiera oír; recorran los caminos sensibles de las artes, practicándolas o contemplándolas. Un espíritu satisfecho poca cosa más necesita.
***
"Jugar es hacer algo con alegría, con el fin de entretenerse, divertirse o desarrollar determinadas capacidades. Me atrevo a sugerir que, el hacerlo en esta, mi etapa adulta de la vida, resulta algo serio y desafiante. Serio porque este hacer lleva consigo honestidad, respeto y dedicación. Desafiante porque cuando el trabajo realizado es puesto a consideración del espectador, nos desnudamos frente a ellos.
Hay quienes se desvelan por la técnica y los materiales utilizados, haciendo de ellos un fin en sí mismo, olvidando lo más importante, algo que decir, capturar la atención de quien la observa.
El propósito de estos trabajos en madera es reflejar el gusto por el material, modelarlo, ensamblarlo y disfrutar lo que va surgiendo sin mayores planes previos.
Algunas composiciones son simples, otras más complejas, algunas en blanco, otras en negro, algunas al natural, otras coloreadas, intentando un mundo caótico y ordenado a la vez. Es mi mundo el que viaja entre estos extremos y, como dice un querido amigo, procurando mantener un fino equilibro. Sin más les invito, pasen y vean". Miguel Scaltritti
_______________________________________________________________________
Miguel Scaltritti, whom we have already presented in the blog in the series dedicated to artist's books (see link below) was born in Montevideo, Uruguay in 1957.
In 2004 he joined the CEA, Centro de Expresión Artística del Maestro Nelson Ramos, and in 2005 he participated in a group show at the Centro Cultural Lapido. Also that year he received an honorable mention in the Annual Maritime Painting Salon of the Naval Club.
In 2006 he participated in several group exhibitions: at the Centro Cultural La Paloma, Rocha; "From less to more", held at the Arteviaja Gallery, and another for the 35th anniversary of the CEA, at the Paseo Gallery. Solo exhibition at La Puerta de San Juan Gallery. That same year he joined Pedro Peralta's engraving workshop, and was also selected for the III National Salon of Uruguayan Engraving, obtaining a Special Mention.
In 2007 he joined the engraving workshop directed by Gabriel Lema. He obtained an Honorable Mention in the Annual Maritime Painting Salon of the Naval Club and was selected in the contest "Convivencia de los Pueblos", organized by the Monte Scopus Branch of B'nai B'rith. He participated with Gabriel Lema in the creation of 12 engravings for the awards of the Rally of the 8th International Week of the Sport and Classic Automobile of Punta del Este.
Miguel Scaltritti trabajando en su estudio / at work in his Studio
In 2008 he entered Pilar González's "Expresión por la Plástica" workshop, and obtained Honorable Mention in the Annual Maritime Painting Salon of the Naval Club.
In 2010 and 2011, respectively, he participated in the first and second Hayter technique workshop directed by Rimer Cardillo and Claudia Anselmi. In 2010 he joined Claudia Anselmi's engraving workshop. He participated in the XIV Biennial of Graphic Miniatures Luisa Palacios, Venezuela, and in a collective work of Pilar Gonzalez's workshop for the celebration of Heritage Day in memory of Florencio Sanchez.
In 2011 she participated in a collective work of Claudia Anselmi's workshop for the intervention of the Nancy Bacelo Foundation. He had a solo exhibition at the Museum of Contemporary Art of El País.
Later he presented solo exhibitions at the Cultural Center of La Paloma, Rocha; Casa de la Cultura de Minas, Lavalleja; at the Sala Carlos Federico Sáez (2017 and 2023); at the Embassy of Uruguay in Buenos Aires, Argentina. He exhibited in ArteUyEnPerspectiva of Radiomundo 1170 AM on two occasions, and also graphic work in Galería Quarentena (virtual gallery, 2021).
In 2022 he exhibited two-dimensional wooden works and sculptures in Aguada Park and received special mention in the contest of caricatures and vignettes of Bodega Bouza, work exhibited in their vineyards, on the road to Punta del Este.
He has published work in the magazine Cultura Amsterdam Sur (Amsterdam).
He was awarded in the 5th Isusa Contest.
His works are part of private collections in Argentina, Brazil, Spain, United States, Canada and Uruguay.
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: What is your first memory linked to art? At what point in your life did you discover that art was your path?
Miguel Scaltritti: There are many memories, but one in particular was drawing on the oilcloth of the kitchen table at nap time a chase of Indians and soldiers that started on one side, continued on the headboard and ended with a huge scolding in the middle of the other side. I discovered that black pen on oilcloth is a pleasurable medium.
SR: What experiences have shaped your career?
MS: In this foray into the visual arts, at the end of the first year in the workshop of Nelson Ramos, I had to take a break for family reasons. I had a conversation with him explaining and it was in that dialogue, clarifying my reasons, that it became clear to me that this was my path, which I have been following for twenty years now.
SR: Was there anyone in your family who inspired you towards what you create today?
MS: Not directly. Generationally, the idea of going into the arts automatically generated the question: "And how are you going to make a living?" It was an education that strictly adhered to family dictates, and it can be seen in countless cases that, fortunately, nowadays things seem to have changed. In my case, my godmother's husband, a sensitive person close to art, always encouraged me not to let that flame go out and I can say that he was my first mentor.
SR: Do you plan your ideas before getting down to work, or does inspiration come to you as you work?
MS: Planning always exists, but I think ideas come first. My teacher, Pilar Gonzalez, gave her students a manifesto on making and thinking art, from which I'd like to highlight a very important detail: our eyes are attentive to what surrounds us because we are surrounded by stimuli that later become ideas, which later become works. Those stimuli, some conscious and others unconscious, are, at least in my case, the generators that feed and motivate my work. With [Nelson] Ramos we talk a lot about what the work asks for and that exercise is fascinating, the dialogue between the maker and what is born, where improvisation plays a very important role and at the same time, in my case, fundamental.
SR: Are you satisfied with what you want to transmit through art?
MS: Absolutely. I believe that the world and life are neither good nor bad, it's the path we have to take and that's the way we have to accept it. Between those limits, through art, I allow myself to create that world I like, the one I imagine, where the balance I recreate makes me feel good and manifests itself without any other pretension.
SR: What references marked your formation?
MS: There are many references depending on the stage of my life. Starting with the cartoonists, such as Harold Foster, the Argentines Lucho Olivera or Salinas, and Hergé, creator of Tin Tin, whom I followed with great interest. Also the American advertising drawings of the 50s, 60s and 70s. In the classics: Rembrandt, Goya, Leonardo and Michelangelo. Once I entered the world of the formal workshop, which opened an unfathomable portal for me, I understood little by little the difference between virtuosity and art itself, I became interested in and got to know different currents, feeling inspired by the need to transcend the plane, such as [Nelson] Ramos, [Washington] Barcala and [Gonzalo] Fonseca.
SR: Do you identify different artistic stages in your artistic evolution?
MS: Of course I do. The evolution of my work and the path I follow mark different stages, and I could say that the common factor among them is the permanent search for my identity. Everything in this world is invented and we can hardly give our works that personal stamp that differentiates them from others. Reaching this conclusion requires constantly listening to that inner voice of honesty, of courage to dare to leave the comfort zone, to experiment in a full exercise of freedom and it is in this journey that the different stages of an artist go through. In my case it was the passage through drawing, engraving, small forms with wood, collages and the intention of intermingling them in the future.
SR: You work on paper and fiber, as well as digital engraving, but lately you have been working on wood. How did you find this language?
MS: The fascination for wood comes primarily from the senses: touch, smell, sight and I would even say from the heat. With all these sensations it is impossible for me not to live and work with it. As the master Díaz Valdéz would say, "wood gives us the opportunity to submit it or accept it as the case may be". It is from a bag of offcuts, destined to be stove wood, that I began to select woods that, because of their condition, did not deserve to be burned. It is from there that I began to combine them in shapes and sizes, thus emerging compositions in natural material. Over time I began to give them color and include in the compositions works in the backgrounds. I make sure that they are discarded wood, pieces destined to be discarded, and that condition allows me to give them new uses, which in this case are intended to be artistic works.
SR: Do you usually treat the woods a lot so that they become part of your work, or do you try to modify them as little as possible, just as they come into your hands?
MS: Both. In that collection of materials I find some that don't need any intervention. Some barely deserve some adjustment to the measurements that the work needs and others do, which I work on meticulously, almost obsessively.
SR: What emotions flow within you as you bring the pieces of wood to life?
MS: I would say that the first emotion that arises is joy. I try to make them musical and harmonic, because most of them are accompanied in their factory by jazz tunes, ballads and the occasional tango. When the moment of the final point arrives -a difficult moment- we go to the stage of contemplation, after the judgment, and if this is approving, satisfaction appears and the feeling that what was done was worthwhile.
SR: How do you usually work? Are you orderly or does chaos reign in your studio? Do you consider yourself an artist with rules?
MS: From back to front, more than rules I consider myself a methodical person. My day starts very early, before dawn, depending on the season in the dark or with the dawn around five in the morning. I enjoy receiving the day and it is from that hour that I dedicate the morning to develop the creative works leaving for the afternoon the routine and handmade ones. With respect to order I can say that I work in an orderly disorder, especially when I take care of the wood, selecting, exchanging or discarding it, but when I get to the point where the work table starts to be chaotic, I need to clean and tidy up and then resume the work. It is a constant back and forth in the search for the internal balance that I intend to reflect in the works.
SR: How long does it take you to make the larger pieces?
MS: Time is relative. There are pieces that take months and others come out in a short time. The drawings, being more spontaneous, come out several in a morning. It's different with the wood, because assembling them, gluing them and, if necessary, coloring them, takes time. These are works that I sometimes do simultaneously, so a medium-sized work can take a week or a week and a half. Although I am not really concerned about the time it takes.
SR: How do you decide to bring a project to a close?
MS: When the project asks me to. Sometimes finishing a job is simple and obvious. There are other cases in which I am not able to see that end clearly and that's when I prefer to let a work rest and take it up again in time to feel if it needs something else or if it's ready. Human beings have the natural capacity to tangle things up and that is where we make the mistake of making one move too many. I practice the aphorism "the good thing, if brief, is twice as good".
SR: What are your projects focused on and what challenges have you set for yourself?
MS: The world is very big and there is room for everyone. I believe that the main function of an artist is to sensitize his fellow man who, in this case, is the spectator, and for that there are an infinite number of ways and themes. As far as I am concerned, I only intend to recreate those worlds that, without further explanation, emerge from the graphic or from the two-dimensional composition, trying that chaos and order are in them, that the challenge always results in a balance. This is in my essence as a person in life and therefore I intend to see it reflected in my work.
SR: Do you have any anecdote to share that would enrich us in relation to art?
MS: I can't think of anything to tell anyone who wants to listen; travel the sensitive paths of the arts, practicing or contemplating them. A satisfied spirit needs little else.
"To play is to do something with joy, in order to entertain oneself, have fun or develop certain skills. I dare to suggest that, doing so in this, my adult stage of life, is both serious and challenging. Serious because this doing carries with it honesty, respect and dedication. Challenging because when the work done is put to the consideration of the spectator, we undress in front of them.
There are those who are unveiled by the technique and the materials used, making them an end in itself, forgetting the most important thing, something to say, to capture the attention of the observer.
The purpose of these works in wood is to reflect the taste for the material, model it, assemble it and enjoy what emerges without previous plans.
Some compositions are simple, others more complex, some in white, others in black, some natural, others colored, trying to create a chaotic and ordered world at the same time. It is my world that travels between these extremes and, as a dear friend says, trying to maintain a fine balance. Without further ado, I invite you to come in and see". Miguel Scaltritti
___________________________________________________________________
Sobre los artistas mencionados / About mentioned artists:
Nelson Ramos: [Parques de esculturas (II)], [Recolección (LXXII)]
Pedro Peralta: [Uruguayos (XXIII)], [Uruguayos (XXIV)], [Rinocerontes (LVII)], [Uruguayos (XXVI)], [Asonancias (XXVII)]
Pilar González: [Uruguayos (XLV-1)], [Uruguayos (XLV-2)], [Uruguayos (XLV-3)], [Uruguayos (XLV-4)], [Libros de artista (VIII)]
Rimer Cardillo: [Libros de artista (VII)], [Libros de artista (XVI)]
Harold Foster: Wikipedia
Ricardo Luis "Lucho" Olivera: Wikipedia
Hergé (Georges Prosper Remi): Wikipedia
Rembrandt van Rijn: [Todos los enlaces / All links]
Francisco de Goya: [Todos los enlaces / All links]
Leonardo Da Vinci: [Todos los enlaces / All links]
Miguel Ángel / Michelangelo Buonarroti: [Todos los enlaces / All links]
Washington Barcala: [Recolección (CXLVI-2)]
Gonzalo Fonseca: [Uruguayos (IX)]
___________________________________________________________________
Miguel Scaltritti en "El Hurgador" / in this blog: [Libros de artista (V)]
Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Miguel!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Miguel)
___________________________________________________________________
Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR), Especializada en libros de artista (Facultad de Humanidades y Ciencias, Uruguay), Periodista cultural (España) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), Specialized in Artists' Books (Faculty of Humanities and Sciences, Uruguay), Cultural Journalist (Spain), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
Hoje dediquei meu tempo à visualização do blog. Os uruguaios surpreendem a todo momento.
ResponderEliminarIsto é maravilhoso. O tratamento que ele dá à madeira, as cores mínimas que acompanham com que trabalha, valorizando a madeira natural, são maravilhosos, fazendo um favor ao olhar.
Parabéns Sr. Miguel, parabéns aos responsáveis pelo blog e muito boa entrevista. Bruno Moab