Soledad González del Cerro (Pintura, Entrevista / Painting, Interview)

Nueva entrevista de Shirley Rebuffo, en esta oportunidad a la artista plástica argentina Soledad González del Cerro. Una colorida paleta trabajada con óleos y espátula, y ocasionales incursiones en la acuarela, son las herramientas pictóricas con las que Soledad desarrolla su temática inspirada en vivencias, anécdotas y emociones, ofreciéndonos una luminosa colección de retratos, paisajes y momentos cotidianos de sus personajes.

Texto en inglés al final del post.

New interview by Shirley Rebuffo, this time with the Argentinean visual artist Soledad González del Cerro. A colorful palette worked with oils and palette knife, and occasional incursions into watercolor, are the pictorial tools with which Soledad develops her subject matter inspired by experiences, anecdotes and emotions, offering us a luminous collection of portraits, landscapes and everyday moments of her characters.

Text in English at the end of the post.

_____________________________________________________

Soledad González del Cerro

(Rosario, Santa Fe, Argentina, 1961-)

Soledad con su obra "Rodando" / with her work "Rolling". Foto / Photo: Andrés Preumayr

Soledad González del Cerro es una artista plástica argentina nacida en Rosario, Santa Fe, en 1961. Realizó sus primeros estudios en la Escuela Provincial de Artes Visuales. Entre sus profesores estuvieron Eduardo Serón, Melé Bruniard, Mita Rosi, Julián Usandizaga, Nelly Giménez Vallana, y en forma particular Ambrosio Gatti y Héctor López. 

En 1990 abrió su propio taller de arte. Actualmente, adaptándose a la nueva realidad marcada por la pandemia, dicta clases online.

Es integrante del grupo Grapa, Artistas Plásticos de Rosario, Artistas visuales Gecult y Cuadrilátero. Con este último realizó el proyecto llamado "4x4" donde se ha propuesto el intercambio artístico entre provincias.

Ha participado en numerosas muestras individuales y colectivas. Sus obras son un ir y venir entre lo abstracto y lo figurativo. "Creo personajes en situaciones libres y alegres. Con mis producciones trato de transmitir sentimientos y vivencias propias captando lo bueno de la vida".

"Rodando / Rolling"

Técnica mixta con espátula / mixed media with palette knife, 100 x 100 cm.

"El Raval", óleo con espátula / oil with palette knife, 100 x 100 cm.

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cómo fue su primer acercamiento al arte?

Soledad González del Cerro:  Desde niña pasaba el tiempo pintando o dibujando. Una vez un pintor argentino muy reconocido, Carlos Uriarte, me regaló unas láminas de sus obras con una dedicatoria: "Para Soledad, una futura artista". Waww!!!! ¡Quedé impactada!

Siempre supe que quería dedicarme al arte. Terminado el colegio, estudié en La Escuela de Artes Visuales de Rosario, donde tuve excelentes profesores, tales como los artistas Eduardo Serón, Mele Bruniard y Julián Usandizaga, entre otros. Luego abrí mi taller de arte para niños con una amiga, hasta que me casé y comenzó mi trabajo como madre full-time de cinco niños, todos seguiditos. En 1990 comencé mi taller para adultos, con mi papá y mi hermana como socios. Después de cuatro lindísimos años lo cerramos y continué sola. Aún sigo trabajando. Este 2020 no pude dar clases presenciales debido a la pandemia, pero enseguida me organicé para darlas en forma virtual.

Aproveché este tiempo para pintar mucho, crear y experimentar nuevas técnicas. Fue un año muy fructífero. Este 2021, si Dios y la pandemia lo permiten, comienzo nuevamente con las clases de grupos reducidos sin dejar la virtualidad.

"De a dos / In Pairs", óleo / oil, 2016

"Camino a Hontanas / The Road to Hontanas"

Oleo con espátula / oil with palette knife, 60 x 120 cm.

«Hace unos años hicimos con mi marido El Camino de Santiago en bici, una experiencia única. De Pamplona hasta Santiago, subidas, bajadas, viento, frío, lluvia y sol. Siempre salía el sol. Pueblitos con historia, de pocos pobladores, sándwiches y sopas compartidas con peregrinos de todo el mundo, caminantes, mochila a la espalda y bastón para ellos, alforjas en las bicis para nosotros. "¡Buen Camino!" Saludo obligado entre peregrinos, oraciones al cielo en cada capillita que se nos cruzaba en el camino. Hontanas es uno de los lugares que ha quedado grabado para siempre en mi corazón.»

«A few years ago my husband and I did the Camino a Santiago (The Way to St. James) by bike, a unique experience. From Pamplona to Santiago, uphill, downhill, wind, cold, rain and sun. The sun always came out. Small towns with history, few people, sandwiches and soups shared with pilgrims from all over the world, walkers, backpacks on their backs and walking sticks for them, saddlebags on the bikes for us. "Good Walk!" Obligatory greetings among pilgrims, prayers to heaven in every little chapel that crossed our path. Hontanas is one of the places that has remained forever engraved in my heart.»

"San Gimignano", óleo con espátula / oil with palette knife, 100 x 100 cm.

SR: Cuéntame sobre tu proceso creativo.

SGC: En un principio me volqué a la pintura figurativa con óleo y pincel; por muchos años fue así. Me sentí en un momento algo estancada, pretendía salir de ese estado y me puse a trabajar en ello. Tomé clases por un tiempo con un artista muy bueno, Ambrosio Gatti; su pincelada era más suelta, al estilo impresionista. Aprendí muchísimo con él. Luego descubrí la espátula. Quedé fascinada, nunca más la abandoné. Fui probando nuevas maneras de expresarme, siempre intentando mostrar mis emociones, más libre, más suelta, más descontracturada, y así fui pasando de lo figurativo a lo abstracto sin dejarlo del todo. Es un ir y venir, pero mucho más relajado.

Algo que ayudó mucho a mi proceso creativo fue el haber formado parte de un grupo de cuatro artistas amigas. Ese grupo, del que aún formo parte, denominado "Cuadrilátero", también lo integran Lia D’Ottavio, Analía Gattone y Vale Renard. Fue muy enriquecedor para las cuatro. Nos ayudamos, nos damos ánimo, consejos, hicimos y hacemos muestras juntas. Crecimos mucho a nivel artístico y personal. Nos conectamos y conocimos en este camino. Son artistas increíbles. Es sumamente importante estar relacionado con gente que esté en la misma sintonía.

Me gusta todo: el retrato, lo figurativo, lo abstracto, el dibujo, la acuarela, el collage, experimentar, jugar con los materiales y más, aunque, como dije, mi fuerte es el óleo con espátula, por lo menos por ahora. Me fascina.

"Don Raúl", óleo con espátula / oil with palette knife

"Asi de simple / As Simple As That", óleo con espátula / oil with palette knife, 40 x 160 cm.

SR: ¿Canalizas de forma intensa tus sentimientos en tus trabajos?

SGC: Si, es lo que más me interesa. Es como una necesidad. Todas mis obras tienen mucho de mí, de lo que he vivido, de lo que pienso, de lo que siento. Muchas veces pinto y necesito también escribir sobre lo pintado. Me gusta mucho escribir, lo tenía un poco abandonado, pero últimamente necesito expresarme a través de la escritura. Nunca estudié ni tomé cursos sobre el tema, es como que alguien me va soplando al oído las palabras y las tengo que plasmar en un papel, sin tanto análisis. Hay veces que escribo sobre una obra determinada, en la que estoy trabajando, y otras veces funciona al revés, lo que escribo me inspira para pintar.

SR: ¿Eres metódica para trabajar?

SGC: Creo que sí. Organizo mi taller, mi atril con mesita de apoyo al lado, donde pongo mis pinturas, las espátulas seleccionadas adentro de un tarrito, el trapo y papel para limpiar, y la música no puede faltar. Creo que soy bastante metódica para trabajar.

"#veintipico / #twenty-something", óleo con espátula / oil with palette knife, 100 x 60 cm.

"Vinci", óleo con espátula / oil with palette knife, 100 x 100 cm.

SR: ¿Con que materiales prefieres trabajar?

SGC: Con lo que me siento más cómoda es con el óleo y la espátula. Me gusta su plasticidad y la textura que se puede lograr en esos movimientos de espátula. El trabajar capa sobre capa, raspar, quitar, hacer chorreaduras.

El acrílico también me gusta para determinados trabajos, cuando necesito un secado más rápido y no preciso mucho la fusión de los colores. La acuarela me resulta sorprendente, mágica, sobre todo cuando la dejo jugar y fundirse con el agua; cuando pinto por medio de manchas voy descubriendo formas interesantísimas. Muchas veces la termino con dibujos en microfibra o tinta de colores.

"Con los pies sobre la tierra / Down to Earth"

Óleo con espátula / oil with palette knife, 80 x 100 cm.

«Creo que así estamos, como esta señora, a la espera, mirando para el lado que ya fue tratando de encontrar el tiempo que vendrá. ¿Donde està? No lo veo. ¡Aparecé por Dios! Queremos saber cómo serás, que podremos hacer y que nunca más. Así, en la espera ya no queremos estar. Por lo menos yo. Quiero ver a mis nietos, jugar con ellos, darles muchos besos y revolcarnos por el pasto. Quiero abrazar a mis hijos, si, ¡¡mis hijos!! ¿Que loco, no? Eso no se puede. Tomar un café con mis amigas, juntarme con mis hermanos y volver a abrazar. Quiero ver sonreír a la gente, verla trabajar con la tranquilidad que sus hijos pueden comer y educarse. No debe ser tan difícil. ¡¡Vida misma volvé por favor, te quiero vivir!! ¡¡¡¡Te extraño tanto!!!!»

Sole.

Pandemia 2020

«I think that's how we are, like this lady, waiting, looking to the side that has already gone, trying to find the time that will come. Where is it? I can't see it. Show up for God's sake! We want to know how you'll be, what we'll be able to do and never again. So, in the waiting we don't want to be anymore. At least I do. I want to see my grandchildren, play with them, give them lots of kisses and roll in the grass. I want to hug my children, yes, my children!!! Crazy, isn't it? You can't do that. I want to have a coffee with my friends, join my brothers and sisters and hug again. I want to see people smile, see them work with the peace of mind that their children can eat and be educated. It shouldn't be that hard. Life itself come back please, I want to live you!!! I miss you so much!!!!»

Sole.

Pandemic 2020

"In Chianti", óleo con pincel y espátula / oil with brush and palette knife, 120 x 100 cm.

Soledad González del Cerro con su obra "La del tapado verde" / with her work "The One With the Green Coat"

Foto / Photo: Andrés Preumayr

SR: ¿Cuánto te preocupa la mirada de los demás en tu obra?

SGC: En un principio mucho, y eso no está bueno. Es una presión trabajar pensando que dirán los demás, si les gustará, si será vendible o no. Ahora desde hace ya un tiempo trabajo mucho más segura y relajada, me desprendo un poco más del público. Pinto porque me gusta, porque es mi trabajo y lo amo, porque me hace bien. Olvidándome que tiene que ser perfecto a los ojos de los demás, aprendí que no tiene que ser perfecto. Tiene que ser bueno para mí, y eso hace que sea bueno para el resto.

"La del tapado verde / The One With The Green Coat" (obra en proceso / work in progress)

Serie Bicicletas, "La del tapado verde" / Bicycles Series. "The One With The Green Coat"

Óleo con espátula / oil with palette knife, 100 x 80 cm.

SR: ¿Cuánto hay de pensado y cuánto de espontáneo en tus obras?

SGC: Depende con qué material trabaje. Si es con óleo o con acrílico, te diría que un 50% pensado, con una idea clara de lo que quiero hacer y expresar, y un 50% espontáneo que va cambiando a medida que voy pintando. Dejo jugar a la espátula y a los colores dando lugar a la improvisación. La misma obra me va diciendo por dónde ir.

Es maravilloso dejarse llevar y pintar sin ataduras ni reglas impuestas, el resultado es siempre mejor.

Si pinto con acuarelas es poco de pensado previo y mucho de improvisación. Dejo que la mancha me vaya guiando y juego después con el dibujo. La acuarela en ese sentido es mágica.

"Cinque Terre 2", óleo con espátula / oil with palette knife, 100 x 100 cm.

"Ojos claros / Light-colored Eyes", acuarela / watercolor, 22 x 17,5 cm.

SR: Tus obras son muy luminosas. A la vista del observador cumple varios objetivos, tanto plásticos como estéticos. ¿Buscas algún tipo de carga emocional en la elección de tu paleta?

SGC: Si, totalmente. La vida es color, la naturaleza es color, las emociones tienen color. Mi paleta es colorida; trato que sea armónica para la vista, y que un verde o un turquesa puedan transmitir serenidad, que recuerden la calma e imaginar el sonido del agua. Que un naranja o amarillo ilumine y dé alegría, que un rojo te dé calor...

Pocas veces utilizo el negro como tono de mi paleta. Si lo uso es como fondo, para luego pintar sobre él y dejarlo limitando las formas.

¿Sabes que los nombres de las personas tienen color para mí? Un José es marrón, un Tomás es azul, un María es marfil, y así. ¿Enloquecí? En mi familia jugamos a asociar nombres con colores.

[Por curiosidad le he consultado cuál sería el color de mi nombre, Shirley. Me ha dicho que amarillo, lo que coincide con mi color favorito].

SR: ¿En qué movimiento artístico encuadrarías tus obras?

SGC: No me gusta mucho ponerle una etiqueta, te diría que es un ir y venir entre lo figurativo y lo abstracto y a veces una combinación.

"Torres del rio, Camino de Santiago / in the Way to St. James"

Óleo con espátula, telas y papeles pintados / oil with palette knife, fabric, painted paper, 80 x 100 cm.

"¡Upa la la! / Upsy-daisy!", óleo con espátula / oil with palette knife, 100 x 80 cm.

SR: ¿Qué inspira tu imaginario pictórico?

SGC: Me inspiro en la vida misma. Por lo general pinto lo que he vivido o lo que me gustaría vivir. Trato de comunicar las emociones, que mis obras sean esperanzadoras, positivas y que transmitan buenos sentimientos.

Tengo varios hijos artistas, diseñadoras gráficas, ilustradoras, animadora, arquitecta y uno es fotógrafo, Andrés Preumayr, y sus fotos me inspiran mucho porque veo esas emociones captadas por su lente, entonces le pido permiso y uso su foto como punto de partida para alguna obra. También me inspiro en viajes que hemos hecho con mi marido o en familia, no solo de paisajes sino también de personas o situaciones. Hemos viajado mucho en bicicleta. Me gusta revivir esos momentos.

"Puerto color / Colour Port", óleo con espátula / oil with palette knife, 60 x 140 cm.

«Comencé a pintar este cuadro sin saber muy bien a donde estaba yendo. Mi espátula cargada de óleo tenía el timón, deambulamos por distintas formas hasta que amarramos en este puerto de color. A mi me gustó hacer este recorrido; cada obra que empiezo es un nuevo desafío.»

«I began to paint this picture without really knowing where I was going. My palette knife loaded with oil had the rudder, we wandered through different forms until we moored in this port of color. I enjoyed this journey; each work I start is a new challenge.»

"Poca venta / Low Sales", óleo sobre bastidor / oil on panel, 100 x 120 cm.

SR: Respecto a tu labor docente, ¿cuáles son tus premisas, las bases conceptuales que la sustentan?

SGC: La idea primera es que mis alumnos puedan descubrir su yo creativo, que se saquen el miedo, que sepan que pueden ir a más y disfruten del arte. Después que el taller sea un lugar de distensión, de buenas vibraciones, donde puedan olvidarse de los problemas, que sepan que serán escuchadas y nunca juzgadas (lo digo en femenino porque solamente dos veces tuve alumnos varones y no estuvieron mucho tiempo; creo que se espantan de ver tantas mujeres juntas).

Me gusta que ellas sepan que su trabajo vale tanto como cualquier otro, porque lo hicieron desde el alma. Que descubran gente maravillosa y aprendamos todos de todos. Tengo alumnas que vienen desde hace treinta años, ya no necesitan de mí, pero siguen viniendo porque les hace bien y eso es lo lindo.

Estoy para enseñar y que, por supuesto, aprendan a pintar, dibujar y organizarse.

"A la pesca / To Fishing", acrílico con espátula / acrylic with palette knife, 60 x 60 cm.

SR: ¿Tienes alguna anécdota que quieras compartir con respecto a tu carrera artística u otro quehacer colindante?

SGC: Vivo en las afueras de la ciudad de Rosario, en un barrio llamado Fisherton. Al principio mi taller quedaba en el centro de la ciudad, muy accesible. Cuando lo cerré, lo reabrí en mi casa y muchas alumnas me siguieron, y para venir a clase contrataron un transporte escolar. Era muy gracioso verlas bajar con su valijita de materiales cuál niño de jardín de infantes. Con mis alumnas tengo varias anécdotas, como que más de una se ha sentado arriba de la paleta llena de óleo por haberla dejado sobre la silla, o que en alguna clase se haya pintado poco o nada porque una de ellas tenía necesidad de hablar y ser escuchada, entonces armaban una ronda, café por medio, y se disponían a disfrutar de la charla.

En cuanto a mí como artista, no sé si son anécdotas, pero te puedo decir que fui aprendiendo y creciendo mucho durante mi carrera. Cómo que me costó mucho aceptar el término de "artista". Siempre me pareció grande para mí. Sentía que no lo merecía. Hace poco que me amigué con ese término casi innombrable. Después varias muestras, concursos, clínicas de arte e interactuar con distintos artistas de Rosario y de otras ciudades, me hice amiga, me dejé llamar artista. "Cuadrilátero" también ayudó mucho. Mi nombre y el de las otras tres empezó a escucharse, a hacer ruido, no te digo que famosa ni mucho menos, pero al menos en este mundito Rosarino y un poquito más allá empezó a sonar. Con esto quiero decir que es importante aceptarse una como persona creadora primero para después admitirse como artista y conectarse e interactuar con otros.

"¿Que ves? / What Do You See?", óleo con espátula / oil with palette knife, 100 x 80 cm.

"Peregrinos / Pilgrims", óleo sobre lienzo / oil on canvas

SR: ¿Que viene en tu futuro artístico? ¿Tienes pensada alguna serie?

SGC: En mi futuro artístico quiero concretar una muestra que ya tenía lista el año pasado para hacerla en Berlín, donde vive actualmente la menor de mis hijas, que por la pandemia no se pudo hacer. Espero en este 2021 poder exponer allí en Alemania.

Quiero seguir creciendo artísticamente, seguir exponiendo. Ahora en abril tenemos programada una en Venado Tuerto, una ciudad de Santa Fe con el grupo Cuadrilátero, y estoy trabajando en una serie "bicicleta" para otra muestra individual en mayo, con mucho color, movimiento y poder transmitir esa linda sensación que da andar en dos ruedas.

"Tejado / Roof", acrílico con espátula / acrylic with palette knife, 100 x 100 cm.

Más sobre / More about Soledad González: Tumblr, Instagram, facebook

¡Muchas gracias por la entrevista y las imágenes, Soledad!

Thanks a lot for the interview and images, Soledad!

______________________________________________________

Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

______________________________________________________

Texto en inglés / Text in English

Soledad González del Cerro is an Argentine visual artist born in Rosario, Santa Fe, in 1961. She studied at the Escuela Provincial de Artes Visuales (Provincial School of Visual Arts). Among her teachers were Eduardo Serón, Melé Bruniard, Mita Rosi, Julián Usandizaga, Nelly Giménez Vallana, and privately Ambrosio Gatti and Héctor López. 

In 1990 she opened his own art studio. Currently, adapting to the new reality marked by the pandemic, she teaches online classes.

She is a member of the group Grapa; Plastic Artists of Rosario, Gecult Visual Artists, and Quadrilateral. With the latter, she carried out the project called "4x4" where she has proposed the artistic exchange between provinces.

She has participated in numerous solo and group exhibitions. Her works are a back and forth between the abstract and the figurative. "I create characters in free and joyful situations. With my productions I try to transmit my own feelings and experiences, capturing the good things in life".

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: How was your first approach to art?

Soledad González del Cerro: Since I was a child I spent my time painting or drawing. Once a very renowned Argentinean painter, Carlos Uriarte, gave me some sheets of his work with a dedication: "For Soledad, a future artist". Uau!!!! I was shocked!

I always knew I wanted to dedicate myself to art. After high school, I studied at the School of Visual Arts of Rosario, where I had excellent teachers, such as the artists Eduardo Serón, Mele Bruniard, and Julián Usandizaga, among others. Then I opened my art workshop for children with a friend, until I got married and began my work as a full-time mother of five children, all in a row. In 1990 I started my workshop for adults, with my father and sister as partners. After four beautiful years we closed it and I continued on my own. I am still working. This 2020 I could not give classes in person due to the pandemic, but I immediately organized to give them virtually.

I took advantage of this time to paint a lot, create and experiment with new techniques. It was a very fruitful year. This 2021, if God and the pandemic allow it, I will start again with small group classes without leaving virtuality.

SR: Tell me about your creative process.

SGC: At first I turned to figurative painting with oil and brush; for many years it was like that. At one point I felt somewhat stagnant, I wanted to get out of that state and I started working on it. I took classes for a while with a very good artist, Ambrosio Gatti; his brushstroke was looser, impressionist style, I learned a lot with him. Then I discovered the palette knife. I was fascinated, I never abandoned it again. I tried new ways of expressing myself, always trying to show my emotions, freer, looser, more relaxed, and so I went from figurative to abstract without leaving it completely. It is a back and forth, but much more relaxed.

Something that helped a lot in my creative process was to have been part of a group of four artist friends. That group, of which I am still part, called "Cuadrilátero (Quadrilateral)", along with Lia D'Ottavio, Analía Gattone and Vale Renard. It was very enriching for the four of us. We help each other, give each other encouragement, advice, we did and do shows together. We grew a lot artistically and personally. We connected and got to know each other along the way. They are incredible artists. It's extremely important to be connected with people who are on the same wavelenght.

I like everything: portraiture, figurative, abstract, drawing, watercolor, collage, experimenting, playing with materials and more, although, as I said, my forte is oil painting with palette knife, at least for now. It fascinates me.

SR: Do you manage to channel your feelings intensely in your work?

SGC: Yes, that's what interests me the most. It's like a necessity. All my works have a lot of me, of what I have lived, what I think, what I feel. Many times I paint and I also need to write about what I have painted. I like writing very much, I had abandoned it a little bit, but lately I need to express myself through writing. I never studied or took courses on the subject, it's like someone is blowing in my ear the words and I have to capture them on paper, without much analysis. There are times when I write about a particular piece I'm working on, and other times it works the other way around, what I write inspires me to paint.

SR: Are you methodical in your work?

SGC: I think so. I organize my workshop, my lectern with a small table next to it, where I put my paints, the palette knives selected inside a small jar, the cloth and paper to clean, and the music can't be missing. I think I am quite methodical to work.

SR: How much do you worry about how others see your work?

SGC: At first a lot, and that's not good. It's a pressure to work thinking about what others will say, if they will like it, if it will be saleable or not. Now for some time I have been working much more confidently and relaxed, I detach myself a little more from the public. I paint because I like it, because it's my job and I love it, because it's good for me. Forgetting that it has to be perfect in the eyes of others, I learned that it doesn't have to be perfect. It has to be good for me, and that makes it good for the rest.

SR: What materials do you prefer to work with?

SGC: What I feel most comfortable with is oil and palette knife. I like its plasticity and the texture that can be achieved in those palette knife movements. Working layer upon layer, scraping, removing, dripping.

I also like acrylic for certain works, when I need a faster drying and I don't need much color fusion. I find watercolor surprising, magical, especially when I let it play and melt with water; when I paint with stains I discover very interesting forms. Many times I finish it with drawings in microfiber or colored ink.

SR: How much is thought and how much is spontaneous in your work?

SGC: It depends on the material I work with. If it is with oil or acrylic, I would say 50% thought, with a clear idea of what I want to do and express, and 50% spontaneous that changes as I paint. I let the palette knife and the colors play, giving way to improvisation. The work itself tells me where to go.

It is wonderful to let go and paint without ties or imposed rules, the result is always better.

If I paint with watercolors, there is little previous thought and a lot of improvisation. I let the stain guide me and then I play with the drawing. Watercolor in that sense is magic.

SR: Your works are very luminous. To the eye of the beholder it fulfills several objectives, both plastic and aesthetic. Do you look for some kind of emotional charge in the choice of your palette?

SGC: Yes, totally. Life is color, nature is color, emotions have color. My palette is colorful; I try to make it harmonious to the eye, and that a green or turquoise can transmit serenity, that they remind a sense of calm and imagine the sound of water. Let an orange or yellow illuminate and give joy, let a red give warmth....

I rarely use black as a tone in my palette. If I use it, it is as a background, and then I paint over it and leave it to limit the shapes.

Do you know that people's names have color for me? A Joseph is brown, a Thomas is blue, a Mary is ivory, and so on. Did I go crazy? In my family we play at associating names with colors.

[Out of curiosity I asked her what the color of my name (Shirley) would be. She told me yellow, which matches my favorite color].

SR: In what artistic movement would you place your work?

SGC: I don't really like to put a label on it, I would say it's a back and forth between figurative and abstract, and sometimes a combination.

SR: What inspires your pictorial imagery?

SGC: I get my inspiration from life itself. I usually paint what I have lived or what I would like to live. I try to communicate emotions, that my works are hopeful, positive and convey good feelings.

I have several children who are artists, graphic designers, illustrators, animators, architects and one of them is a photographer, Andrés Preumayr, and his photos inspire me a lot because I see those emotions captured by his lens, so I ask him for permission and use his photo as a starting point for some work. I am also inspired by trips we have made with my husband or with my family, not only of landscapes but also of people or situations. We have traveled a lot by bicycle. I like to relive those moments.

SR: Regarding your teaching work: What are your premises, the conceptual bases that support it?

SGC: The first idea is that my students can discover their creative selves, that they get rid of their fear, that they know they can go further and enjoy art. Then I want the workshop to be a place of relaxation, of good vibes, where they can forget about their problems, where they know they will be listened to and never judged.

I only had male students twice and they were not there for long; I think they are scared to see so many women together.

I like them to know that their work is worth as much as any other, because they did it from their soul. That they discover wonderful people and that we all learn from each other. I have students who have been coming for thirty years, they no longer need me, but they keep coming because it is good for them and that is the beauty of it.

I am here to teach and, of course, to help them learn to paint, draw and organize themselves.

SR: Do you have any anecdotes you would like to share regarding your artistic career or other related activities?

SGC: I live on the outskirts of the city of Rosario, in a neighborhood called Fisherton. At the beginning my studio was in the center of the city, very accessible. When I closed it, I reopened it in my house and many students followed me, and to come to class they hired a school bus. It was very funny to see them coming down with their little suitcase of materials like a kindergarten child. With my students I have several anecdotes, like the fact that more than one of them sat on top of the palette full of oils because she had left it on the chair, or that in some class they painted little or nothing because one of them needed to talk and be heard, then they would make a round, sharing coffee, and they would enjoy the chat.

As for me as an artist, I don't know if these are anecdotes, but I can tell you that I learned and grew a lot during my career. It was hard for me to accept the term "artist". It always seemed big to me. I felt I didn't deserve it. I only recently made friends with that almost unmentionable term. After several exhibitions, contests, art clinics and interacting with different artists from Rosario and other cities, I became a friend, I let myself be called an artist. "Quadrilateral" also helped a lot. My name and that of the other three began to be heard, to make noise, I do not say that famous or much less, but at least in this little world Rosarino and a little beyond began to sound. With this I want to say that it is important to accept oneself as a creative person first and then admit oneself as an artist and connect and interact with others.

SR: What's next in your artistic future? Do you have any series in mind?

SGC: In my artistic future, I would like to make an exhibition that I had ready last year to do in Berlin, where the youngest of my daughters currently lives, but because of the pandemic it couldn't be done. I hope in 2021 to be able to exhibit there in Germany.

I want to continue growing artistically, continue exhibiting. Now in April we have scheduled one in Venado Tuerto, a city in Santa Fe with the Quadrilateral group, and I am working on a "bicycle" series for another solo show in May, with lots of color, movement and to convey that nice feeling that comes from riding on two wheels.