viernes, 31 de enero de 2020

Asonancias / Assonances (XXII) - Lo Spinario

El Niño de la espina, Spinario o Il Fedele, es una estatua de bronce helenística, datada alrededor del siglo I a. C., que se exhibe en los Museos Capitolinos de Roma, y representa a un muchacho sentado mientras se quita una espina de la planta del pie. Hay innumerables versiones y reinterpretaciones de esta pieza. Les dejo una selección de algunas de ellas. Información sobre los artistas aún no tratados en el blog (marcados con "*") al final del post.

The Boy with Thorn, Spinario or Il Fedele, is a Hellenistic bronze statue, dated around the 1st century BC, on display in the Capitoline Museums in Rome, and depicts a boy sitting down while a thorn is removed from the sole of his foot. There are countless versions and reinterpretations of this piece. Here you have a selection of some of them. Information about the artists not yet treated in the blog - marked with "*" - at the end of the post.
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Lo Spinario

"Lo Spinario / El niño de la espina o Espinario / The thorn-puller or The Spinario"
Escultura romana copia de un original helenístico / Roman copy of an Hellenistic Sculpture
Bronce / bronze, 73 x 45 cm., s.I A.C./ 1st Century B.C.
Museos Capitolinos, Ciudad del Vaticano, Roma, Italia / Capitoline Museums, Vatican City, Rome, Italy

La estatua está documentada en Roma desde el siglo XII y fue donada a la ciudad por Sixto IV en 1471, permaneciendo en el palacio de Letrán. A lo largo del Renacimiento fue una de las estatuas antiguas más admiradas y copiadas. 
El antiguo nombre popular Il Fedele ("El fiel") derivaba de una anécdota inventada para dar a este estudio íntimo y naturalista un marco cívico más heroico: el mensajero fiel, un mero pastorcillo, había entregado su mensaje primero al Senado romano, para luego detenerse a quitarse una dolorosa espina del pie. el Senado romano conmemoró el acontecimiento. La historia ya fue desestimada en la "Raccolta di statue antiche e moderni..." de Paolo Alessandro Maffei (1704).
Teniendo en cuenta las variantes de mármol helenístico que se han descubierto, de las cuales la mejor es el Niño de la espina de la colección Castellani, que ahora se encuentra en el Museo Británico, ninguna de las cuales tiene las cualidades arcaizantes del bronce Spinario, la erudición reciente ha tendido a atribuirle el mérito de ser un bronce romano del siglo I d.C., con una cabeza adaptada de un prototipo arcaico.
Se han realizado innumerables copias y reinterpretaciones de esta pieza a lo largo del tiempo. Les dejo una selección de obras de diferentes disciplinas artísticas que han tratado el tema del Espinario.

"Lo Spinario" (detalle / detail). Wikimedia Commons

The statue is documented in Rome since the 12th century and was donated to the city by Sixtus IV in 1471, remaining in the Lateran Palace. Throughout the Renaissance it was one of the most admired and copied ancient statues. 
The formerly popular title Il Fedele ("The faithful") derived from an anecdote invented to give this intimate and naturalistic study a more heroic civic setting: the faithful messenger, a mere shepherd boy, had delivered his message to the Roman Senate first, only then stopping to remove a painful thorn from his foot: the Roman Senate commemorated the event. Such a story was already deflated in Paolo Alessandro Maffei's Raccolta di statue antiche e moderni... of 1704
Taking into account Hellenistic marble variants that have been discovered, of which the best is the Thorn-Puller from the Castellani collection now in the British Museum, none of which have the archaizing qualities of the bronze Spinario, recent scholarship has tended to credit this as a Roman bronze of the first century CE, with a head adapted from an archaic prototype.
Countless copies and reinterpretations of this piece have been made over time. Here you have a selection of works from different artistic disciplines that have dealt with the theme of The Spinario.

"Lo Spinario / El niño de la espina o Espinario / The thorn-puller or The Spinario"
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"El niño de la espina o Espinario / The thorn-puller or The Spinario"
Bronce / bronze, 73 x 45 cm., c.1652. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)
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"El niño de la espina o Espinario (Castellani) / The thorn-puller or The Spinario (Castellani)"
Copia romana / Roman copy, mármol / marble, 69 x 40,5 x 35 cm., s.I / 1st Century
British Museum (Londres, Reino Unido / London, UK)

"El niño de la espina o Espinario / The thorn-puller or The Spinario"
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"El niño de la espina o Espinario / The thorn-puller or The Spinario"
Mármol / marble, s.XVI / 16th CenturyGalleria Borghese (Roma, Italia / Rome, Italy)

"El niño de la espina o Espinario / The thorn-puller or The Spinario"
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Antonello Gagini (*)
(Palermo, Sicilia, Italia / Italy, 1478 - 1536)

Atribuido / Attributed
"Lo Spinario / Chico quitándose una espina del pie / Boy Pulling a Thorn from His Foot"
Bronce, rastros de dorado / bronze, traces of gilding, 87 × 50,8 × 55,2 cm., 1507-09
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
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"El Espinario de Priene / The 'Spinario' from Priene"
Arcilla / clay, altura / height: 16,8 cm., c.150-135 AC./ BC.
Altes Museum, Staatliche Museen zu Berlin (Berlín, Alemania / Germany). Google Arts & Culture
Foto / Photo © b p k

Esta pequeña figurita de arcilla de la ciudad jónica de Priene, la "Pompeya de Asia Menor", no sólo es uno de los más famosos hallazgos de las excavaciones dirigidas por Carl Humann y Theodor Wiegand en 1895-1899, sino una de las más famosas terracotas antiguas jamás encontradas. Su fama se debe a que reproduce una escultura de gran tamaño tan popular en la antigüedad como en la época moderna, el llamado Espinario. Y lejos de ser una simple copia del ilustre modelo a menor escala, esta estatuilla en realidad lo parodia.
Fechada con seguridad por el contexto en el periodo anterior al 135 a.C., esta pieza es la versión más antigua conocida de la estatua original perdida.

This small clay figurine from the Ionian city of Priene, the “Pompeii of Asia Minor,” is not only one of the most renowned finds from the excavations led by Carl Humann and Theodor Wiegand in 1895–1899: it is one of the most famous ancient terracottas ever found. Its fame is due to the fact that it reproduces a large-scale sculpture as popular in antiquity as in the modern period, the so-called Spinario. And beyond simply copying the illustrious model on a smaller scale, this statuette actually parodies it.
Securely dated by context to the period before 135 BC, this piece is the oldest known version of the lost original statue.
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Freek Weidema (*)
(Holanda / Netherlands)

"Lo spinario", bronce / bronze, 23 x 11 x 10 cm. Link
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Gustav Heinrich Eberlein
(Spiekershausen, Staufenberg, Alemania / Germany, 1947 - Berlín, 1926)

"Chico quitándose una espina / Boy Removing a Thorn", 1879-1885
Alte Nationalgalerie (Berlin, Alemania / Germany). Foto / Photo: Javier Fuentes, 8/2016

Alte Nationalgalerie (Berlin, Alemania / Germany). Foto / Photo: Esther Frías, 8/2016

Alte Nationalgalerie (Berlin, Alemania / Germany). Foto / Photo: Javier Fuentes, 8/2016

Gustav Eberlein en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XXV)]
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Guglielmo della Porta (*)
(Porlezza, Italia / Italy, c.1500 - Roma / Rome, 1577)

"Chico quitándose una espina, El espinario / Boy Pulling out a Thorn, The Spinario"
Bronce, imitación de pátina marrón oscura /
bronze, imitation of deep-brown patina, altura / height: 71,5 cm., 1560s
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia)

"Fuente del Espinario o Fuente de las Harpías / Spinario Fountain or Harpy Fountain"
Mármol / marble, 1617. Jardín de la Isla (Aranjuez, España / Spain). Wikimedia Commons

La fuente, obra de los arquitectos toledanos Juan Fernández y Pedro Garay, fue realizada por orden de Felipe III entre 1615 y 1617. La escultura del niño se encuentra en el centro, y en las esquinas hay cuatro columnas, con una harpía cada una, que disparan agua hacia el centro.


The fountain, designed by Toledo architects Juan Fernández and Pedro Garay, was built by order of Philip III between 1615 and 1617. The sculpture of the child is in the centre, and at the corners there are four columns, each with a harpy, which shoot water towards the centre.
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Elie Nadelman
(Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland, 1882 -
Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1946)

"Mujer sentada como El espinario / Seated Woman as 'Spinario'"
Papel maché / papier-mâché, altura / height: 37 cm. Sotheby's

"Mujer sentada como El espinario / Seated Woman as 'Spinario'" (vista trasera / back view)

Elie Nadelman en "El Hurgador" / in this blog:
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Jan Gossaert (Mabuse)
(Maubeuge [hoy Francia / today France], c.1478 -
Amberes, Bélgica / Antwerpen, Belgium, 1532)

"Folio con estudio según el Espinario y otras esculturas /
Sheet With Study After The Spinario and Other Sculptures", 26,3 x 20,5 cm., 1509. WikiArt
https://es.wikipedia.org/wiki/Mabuse

"Folio con estudio según el Espinario... / Sheet With Study After The Spinario..." (detalle / detail)

Jan Gossaert en "El Hurgador" / in this blog[Sucesiones (I)]
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Diana Scultori (Mantuana, Ghisi) (*)
(Mantua, Italia / Italy, 1547 - Roma / Rome, 1612)

"Spinario / El Espinario / The Thorn-Puller"
Grabado sobre papel / engraving on paper, 30,5 x 20,9 cm., 1581
National Galeries of Scotland (Edimburgo, Esocia / Edinburgh, Scotland)
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Lucas Cranach el Viejo / The Elder
(Kronach, Alemania / Germany, 1472 - Weimar, 1553)

"Apolo y Diana / Apollo & Diana", óleo sobre tabla / oil on wood, 45 x 31 cm., c.1530
Koninklijke Musea voor Schone Kunsten / Reales Museos de Bellas Artes (Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium). Wikiart

Lucas Cranach el Viejo en "El Hurgador" / The Elder in this blog[Todos los enlaces / All Links]
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Pieter Claesz. (Claessen.) (*)
(Berchem [cerca de Amberes / near Antwerpen], Bélgica / Belgium, c.1597 -
Haarlem, Holanda / Netherlands, 1660)

"Vanitasstilleven met de Doornuittrekker / Naturaleza muerta Vanitas con el Espinario /
Vanitas Still Life with the Spinario"
Óleo sobre panel / oil on panel, 71,5 × 80,5 cm., 1628
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

"Vanitasstilleven met de Doornuittrekker / Naturaleza muerta Vanitas con el Espinario /
Vanitas Still Life with the Spinario" (detalle / detail)

Pieter Claesz. en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CXLVIII-1)]
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Christophe Thomas Degeorge (*)
(Blanzat, Puy-de-Dôme, Francia / France, 1786 - 1854)

"Le Tireur d’épine / Quitándose una espina / The Thorn Puller"
Musée d’Art René Quilliot (Clermont-Ferrand, Francia / France). FKK Museum
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Gustav Klimt
(Baumgarten, Austria, 1862 - Alsergrund, 1918)

"Allegorie der Skulptur / Alegoría de la escultura / Allegory of Sculpture"
Grafito, acuarela y adornos de oro / graphite pencil, watercolor, gold embellishments, 43,5 x 30 cm., 1889
Museum für angewandte Kunst / Museo de Artes Aplicadas (Wien / Viena / Vienna, Austria). Google Arts & Culture

"Allegorie der Skulptur / Alegoría de la escultura / Allegory of Sculpture" (detalle / detail)

Gustav Klimt en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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William-Adolphe Bouguereau
(La Rochelle, Francia / France, 1825 - 1905)

"La bañista / The Bather", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64,1 x 41,2 cm., 1879
Colección privada / Private Collection. Arte XIX

William-Adolphe Bouguereau en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Lucian Țidorescu (*)
(Arad, Romania / Rumania, 1969-)

"Espinario Converse / Converse Spinario"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 150 x 90 cm., 2009. Link
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Baltasar Lobo Casquero
(Cerecinos del Campo, Zamora, España / Spain, 1910 -
París, Francia / France, 1993)

"Étude de sculpture / Estudio de escultura / Study of Sculpture", tinta / ink, 1946
Estudio de "El espinario" / Study of "The thorn-puller". Hacer camino

Baltasar Lobo en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (III)]
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Ivy Haldeman (*)
(Aurora, Colorado, EE.UU./ CO, USA, 1985-)

"Espinario / Spinario", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 16,5". Link
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Vojtěch Kovařík (*)
(Valašské Meziříčí, República checa / Czech Republic, 1993-)

"Chico con espina (Espinario) / Boy with Thorn (Spinario)"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 200 x 200 cm., 2018. Link
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Vadim Karasyov (Karaska)
Вадим Карасёв

"Lo Spinario / El espinario / The Spinario", collage digital / digital collage, 59,4 x 84,1 cm. Tumblr
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Información sobre los artistas / Information about artists

Antonello Gagini fue un escultor italiano del Renacimiento, nacido en 1478 en Palermo, activo principalmente en Sicilia y Calabria.
Pertenecía a una familia de escultores y artesanos, originarios del norte de Italia, pero activos en toda Italia, incluyendo Génova, Florencia y Roma. La familia incluía a su padre, Domenico (1449-1492), también escultor. Antonello tuvo cinco hijos que fueron también escultores: Antonio (o Antonino; 1510s-1574), Fazio (1520s-1567), Giacomo (1517-1598), Giandomenico (1503-1560s), y Vicenzo (1527-1595).
Se dice que Antonello ayudó a Miguel Ángel en el trabajo escultórico de la enorme tumba del Papa Julio II en San Pietro in Vincoli, un proyecto ahora conocido por la estatua de Moisés.
Una de las obras más notables de Gagini es el arco decorado de la Capella della Madonna en el Santuario dell'Annunziata in Trapani que completó en 1537. También completó la escultura eclesiástica decorativa en el área de Messina. Una gran colección de sus obras, incluyendo una Anunciación, la Virgen con el Niño, la Virgen de las Nieves y la Aparición de la Cruz a Constantino se encuentran ahora en el Palacio Abatellis de Palermo. También trabajó en la Catedral de Palermo. Otras obras fueron destruidas durante los terremotos.
Murió en 1536.

Antonello Gagini was an Italian sculptor of the Renaissance, born in 1478 in Palermo, mainly active in Sicily and Calabria.
Antonello belonged to a family of sculptors and artisans, originally from Northern Italy, but active throughout Italy, including Genoa, Florence, and Rome. The family included his father, Domenico (1449–1492), also a sculptor. Antonello had five sons who were also sculptors: Antonio (or Antonino; 1510s-1574),[1] Fazio (1520s-1567), Giacomo (1517–1598), Giandomenico (1503-1560s), and Vicenzo (1527–1595).
Antonello is said to have aided Michelangelo in the sculptural work on the massive tomb of Pope Julius II in San Pietro in Vincoli, a project now known for the statue of Moses.
One of Antonio Gagini's most notable works is the decorated arch in the Capella della Madonna in the Santuario dell'Annunziata in Trapani which he completed in 1537. Antonello also completed decorative ecclesiastical sculpture in the area of Messina. A large collection of his works including an Annunciation, Madonna with Child, Madonna of the Snow and the Appearance of the Cross to Constantine are now in the Palazzo Abatellis in Palermo. He worked also at the Cathedral of Palermo. Other works were destroyed during earthquakes.
He died in 1536.

Ferek Weidema es un pintor y escultor holandés.
Después de sus estudios en la Academia de Artes Visuales "Artibus" en Utrecht comenzó a trabajar como arquitecto de interiores. A principios de los 90 empezó a dedicarse al arte libre. Se especializa en desnudos masculinos tanto en bronce como en pintura. Ha expuesto en muchos lugares, incluyendo Berlín, y su obra se encuentra dispersa por todo el mundo.

Ferek Weidema is a Dutch painter and sculptor.
After his studies at the Academy of Visual Arts "Artibus" in Utrecht he started working as an interior architect. At the beginning of the 1990s he started to devote himself to free art. He specializes in male nudes in both bronze and painting. He has exhibited in many places, including Berlin, and his work is scattered all over the world.

Guglielmo della Porta fue un arquitecto y escultor italiano de finales del Renacimiento o Período manierista.
Nació en una prominente familia de albañiles, escultores y arquitectos del norte de Italia. Su padre Giovanni Battista della Porta era escultor. Se formó en el taller de su tío en Génova y se trasladó a Roma hacia 1537, donde fue muy influenciado por Miguel Ángel. Della Porta proporcionó las piernas del Hércules Farnese cuando fue excavado por primera vez; cuando las piernas originales fueron encontradas algunos años después, Miguel Ángel recomendó que las piernas de Della Porta se mantuvieran, ya que mostraban cómo los artistas modernos eran capaces de compararse directamente con los Antiguos. Fue nombrado para la casa de la moneda papal en 1547. Su prolífica producción es variada. Comenzó su formación artística bajo la guía de su tío Giovanni Giacomo, que lo llevó a su obra de la Catedral de Milán y le asignó la tarea de esculpir y reinterpretar las obras de Leonardo da Vinci hasta alrededor de 1530. Más tarde se trasladó con su tío a Génova donde perfeccionó su diseño bajo la guía del pintor Perin del Vaga en los trabajos para la Villa del Príncipe, Palazzo di Andrea Doria.
Murió en 1577.

Guglielmo della Porta was an Italian architect and sculptor of the late Renaissance or Mannerist period.
He was born to a prominent North Italian family of masons, sculptors and architects. His father Giovanni Battista della Porta was a sculptor. He trained in his uncle's workshop in Genoa and moved to Rome about 1537, where he was very much influenced by Michelangelo. Della Porta provided legs for the Farnese Hercules when it was first excavated; when the original legs were found some years later, Michelangelo recommended that Della Porta's legs be retained, as showing how modern artists were capable of direct comparison with the Ancients. He was appointed to the papal mint in 1547. His prolific output is varied. He began his artistic training under the guidance of his uncle Giovanni Giacomo, who takes him on his construction site of the Cathedral of Milan and assigned him the task of sculpturing and reinterpreting the works of Leonardo da Vinci until about 1530. Later he moved with his uncle in Genoa where he perfected his design under the guidance of the painter Perin del Vaga in the works for Villa del Principe, Palazzo di Andrea Doria.
He died in 1577.

Diana Scultori, Diana Mantuana o Diana Ghisi fue una grabadora italiana de Mantua, Italia. Es una de las primeras mujeres grabadoras conocidas.
Fue una de las cuatro hijas del escultor y grabador Giovanni Battista Ghisi. Diana aprendió el arte del grabado de su padre y del artista Giulio Romano. Recibió su primer reconocimiento público como grabadora en la segunda edición de los Vites de Giorgio Vasari (1568). En 1565 conoció a su primer marido, el arquitecto Francesco da Volterra (Capriani). La pareja se trasladó a Roma en 1575. Una vez allí, Diana usó sus conocimientos de negocios dentro del mundo del arte para progresar en la carrera de su marido. Poco después recibió un Privilegio Papal para hacer y comercializar su propio trabajo. Ella utilizó la importancia de la firma y la dedicación en su beneficio. Tres años más tarde (1578) dio a luz a su hijo Giovanni Battista Capriani. Tanto Diana como Francesco se convirtieron simbólicamente en miembros activos de la Cofradía de San Giuseppe durante sus carreras artísticas. El último grabado conocido de Diana data de 1588. Es poco probable que ella haya creado nuevos grabados más allá de este momento debido al fuerte énfasis que puso en firmar y fechar su trabajo a lo largo de su carrera. Después de la muerte de Francesco da Volterra en 1594, se casó con otro arquitecto llamado Giulio Pelosi.
Murió en 1612.

Diana Scultori, Diana Mantuana, or Diana Ghisi was an Italian engraver from Mantua, Italy. She is one of the earliest known women printmakers.
She was one of four children of the sculptor and engraver Giovanni Battista Ghisi. Diana learned the art of engraving from her father and the artist Giulio Romano. She received her first public recognition as an engraver in Giorgio Vasari’s second edition of his Vites (1568). In 1565 she met her first husband, architect Francesco da Volterra (Capriani). The pair moved to Rome by 1575. Once in Rome, Diana used her knowledge of business within the art world to progress her husband's career. Soon after moving to Rome, on June 5, 1575, Diana received a Papal Privilege to make and market her own work. She used the importance of signature and dedication to her advantage. Three years later (1578) she gave birth to her son Giovanni Battista Capriani. Both Diana symbolically and Francesco actively became members of the Confraternity of San Giuseppe during their artistic careers. The last known print by Diana dates 1588. It is unlikely that she created new prints past this time due to the strong emphasis she put on signing and dating her work throughout her career. She married another architect named Giulio Pelosi after Francesco da Volterra's death in 1594.
She died in 1612.

Pieter Claesz fue un pintor holandés de bodegones de la Edad de Oro, nacido en Berchem, Bélgica, cerca de Amberes, c.1597.
Se convirtió en miembro del gremio de San Lucas en 1620. Ese mismo año se mudó a Haarlem donde nació su hijo, el pintor de paisajes Nicolaes Pieterszoon Berchem. Él y Willem Claeszoon Heda, que también trabajó en Haarlem, fueron los exponentes más importantes de la "ontbijt" o "pequeños desayunos". Pintaron con paletas tenues, virtualmente monocromáticas, siendo el manejo sutil de la luz y la textura el principal medio de expresión. Claesz generalmente elegía objetos de un tipo más hogareño que Heda, aunque su obra posterior se volvió más colorida y decorativa. Las naturalezas muertas de Claesz a menudo sugieren un propósito alegórico, con cráneos que sirven como recordatorios de la mortalidad humana. Ambos fundaron una distinguida tradición de pintura de naturaleza muerta en Haarlem.
Murió en 1660.

Pieter Claesz was a Dutch Golden Age painter of still lifes, born in Berchem, Belgium, near Antwerp, c.1597.
He became a member of the Guild of St. Luke in 1620. He moved to Haarlem in 1620, where his son, the landscape painter Nicolaes Pieterszoon Berchem was born. He and Willem Claeszoon Heda, who also worked in Haarlem, were the most important exponents of the "ontbijt" or dinner piece. They painted with subdued, virtually monochromatic palettes, the subtle handling of light and texture being the prime means of expression. Claesz generally chose objects of a more homely kind than Heda, although his later work became more colourful and decorative. Claesz's still lifes often suggest allegorical purpose, with skulls serving as reminders of human mortality. The two men founded a distinguished tradition of still life painting in Haarlem.
He died in 1660.

Thomas Degeorge fue un pintor francés, nacido en 1786 en Blanzat (Puy-de-Dôme)
Desde la infancia mostró predisposición para el dibujo. A los ocho años, se le confió a un renombrado maestro de dibujo de Clermont, Gault de Saint-Germain. A los doce sabía hacer retratos meticulosamente ejecutados y con gran parecido con el modelo. A los dieciséis años se unió a la escuela de Jacques-Louis David.
Chabrol, entonces Prefecto del Sena, le confió la creación de varias pinturas para las iglesias de París. Hizo frescos de figuras alegóricas para la sala del Tribunal de Comercio de París, y asistió a Vinchon en la ejecución de los frescos de la Capilla de San Mauricio en la iglesia de San Sulpicio. Fracasó, quizás por enfermedad, en la competición del Gran Premio de Roma.
Algún tiempo antes de la Revolución de 1830, comenzó la Muerte de Bonchamps, cuya idea corresponde a una elección personal y no a un encargo, pero el tema, después de los acontecimientos de julio, ya no reflejaba el espíritu de la época e interrumpió su realización. No lo terminó hasta 1837 para presentarlo en la exposición del Louvre. Montalivet, por miedo a despertar pasiones políticas, lo rechazó, pero poco después compró la obra por cuenta del Estado, ya que la apreciaba artísticamente, y la ofreció a la ciudad de Clermont-Ferrand. Como compensación confió a Degeorge la realización de Cristo en el Huerto de los Olivos, para la iglesia de Sancerre.
Por esta época, Degeorge dejó París y se instaló en Clermont. Durante este período hizo muchos retratos de personalidades locales, y también pintó figuras de inspiración rural, como La Parca, y El Pequeño Espigador.
Fue caballero de la Legión de Honor y miembro de la Academia de Ciencias, Bellas Artes y Letras de Clermont-Ferrand.
Murió en 1854.

Thomas Degeorge was a French painter, born in 1786 in Blanzat (Puy-de-Dôme)
From childhood he showed a predisposition for drawing. At the age of eight, he was entrusted to a renowned drawing teacher from Clermont, Gault de Saint-Germain. At twelve he could make portraits that were meticulously executed and looked very much like the model. At sixteen he joined the school of Jacques-Louis David.
Chabrol, then Prefect of the Seine, entrusted him with the creation of several paintings for the churches of Paris. He made frescoes of allegorical figures for the hall of the Commercial Court in Paris, and assisted Vinchon in the execution of the frescoes of the Chapel of St. Maurice in the church of St. Sulpice. He failed, perhaps due to illness, in the competition for the Grand Prix in Rome.
Some time before the Revolution of 1830, the Death of Bonchamps began, the idea of which was a personal choice and not a commission, but the theme, after the events of July, no longer reflected the spirit of the time and interrupted its execution. He did not finish it until 1837 to present it at the Louvre exhibition. For fear of arousing political passions, Montalivet refused, but shortly afterwards he bought the work on behalf of the State, as he appreciated it artistically, and offered it to the town of Clermont-Ferrand. As compensation he entrusted Degeorge with the realization of Christ in the Garden of Olives, for the church of Sancerre.
Around this time, Degeorge left Paris and settled in Clermont. During this period he made many portraits of local personalities, and also painted figures of rural inspiration, such as The Grim Reaper, and The Little Gleaner.
He was a knight of the Legion of Honour and a member of the Academy of Sciences, Fine Arts and Letters of Clermont-Ferrand.
He died in 1854.

Lucian Țidorescu es un artista rumano nacido en 1969 en Arad.
En 1982 hizo el primer retrato. Era de su abuelo. Un año después empezó a tomar clases de dibujo con un profesor.
En 2001 estudió retrato y anatomía, y en 2006 vendió su primera obra, un cuadro de George Enescu.

Lucian Țidorescu is a Romanian artist born in 1969 in Arad.
In 1982 he made the first portrait. It was of his grandfather. A year after he started drawing lessons with a teacher.
In 2001 he studied portraiture and anatomy, and in 2006 he sold his first work, a picture of George Enescu.

Ivy Haldeman es una artista estadounidense nacida en 1985 en Aurora, Colorado.
Recibió su Licenciatura en Bellas Artes de la Cooper Union en 2008. Su obra ha sido expuesta en Capsule Shanghai (Shangai, China), Downs & Ross (Nueva York, EE.UU.), The Frans Hals Museum (Haarlem, Países Bajos), Gavin Brown's Enterprise (Nueva York, EE.UU.), Paul Kasmin Gallery (Nueva York, EE.UU.), entre muchos otros. Sus trabajos han sido presentados en Artforum, Artnet, The Brooklyn Rail, The New Yorker y The New York Times.

Ivy Haldeman is an American artist born in 1985 in Aurora, CO.
She received her BFA from the Cooper Union in 2008. Her work has been exhibited at Capsule Shanghai (Shanghai, China), Downs & Ross (New York, USA), The Frans Hals Museum (Haarlem, the Netherlands), Gavin Brown's Enterprise (New York, USA), Paul Kasmin Gallery (New York, USA), among numerous others. Her practice has been featured in Artforum, Artnet, The Brooklyn Rail, The New Yorker, and The New York Times.

Vojtěch Kovařík es un artista checo nacido en 1993 en Valašské Meziříčí, República Checa. Trabaja en Rožnov pod Radhoštěm.
Sus estudios: Escuela Secundaria de Artes Aplicadas en Uherské Hradiště (CZ), Departamento de Diseño de Cerámica (2009-13); Licenciatura en la Facultad de Artes de la Universidad de Ostrava(CZ), Estudio de Dibujo (2013-16); Academia de Bellas Artes en Varsovia (PL), Departamento de Pintura (estudio en el extranjero) (2017); Maestría en la Facultad de Artes de la Universidad de Ostrava(CZ), Estudio de Dibujo (2016-19)
«Los hombres musculosos como Hulk son una característica principal en el trabajo del artista checo Vojtěch Kovařík. Trabajando en enormes lienzos, las figuras de Vojtěch, de tamaño mayor que el natural, están representadas en combate y parecen tensarse contra los bordes de la composición mientras se pelean entre sí. Su carne veteada y sus cuerpos abultados, pintados en colores de tonos emotivos, destacan contra los colores planos o patrones del fondo. Vojtěch utiliza una técnica de pintura en aerosol y acrílico para lograr los tonos de piel moteada y las texturas que caracterizan su trabajo. Para él, el cuerpo y las grandes placas de carne y músculo ofrecen un interés artístico infinito, mientras que el rostro, las extremidades y todos los demás rasgos de sus figuras están representados en una taquigrafía estilizada a pincel. El contraste entre estos estilos crea una ingenuidad brutal, y un improbable encanto y sentido lúdico. El tono de su obra oscila ambiguamente entre la violencia y la estupidez. Estos hombres gigantescos, haciendo alarde de su masculinidad, son de hecho caricaturas, ridículas, objetos de curiosidad. Figuras de la mitología griega y animales imaginarios y reales también aparecen en las pinturas de Vojtěch, así como referencias a la cultura pop.» - Layla Leiman

Vojtěch Kovařík is a Czech artist born in 1993 in Valašské Meziříčí, Czech Republic. He works in Rožnov pod Radhoštěm.
His studies: Secondary school of Applied Arts in Uherské Hradiště (CZ), Department of Ceramic Design (2009-13); Bachelor's degree at the Faculty of Arts of the Ostrava University(CZ), Drawing Studio (2013-16); Academy of Fine Arts in Warsaw (PL), Department of Painting (study abroad) (2017); Master's degree at the Faculty of Arts of the Ostrava University(CZ), Drawing Studio (2016-19)
«Hulk-like muscle men are a main feature in Czech artist Vojtěch Kovařík's work. Working on huge canvases, Vojtěch's larger-than-life figures are depicted locked in combat and seem to strain against the edges of the composition while they tussle against each other. Their veined flesh and bulging bodies, paintied in shades of emotive colours stand out against the flat colours or patterns of the background. Vojtěch use a technique of spray paint and acrylic to achieve the mottled skin tones and textures that characterise his work. For him, the body and great slabs of flesh and muscle offer infinite artistic interest, whereas the face, limbs and all other features of his figures are rendered in a brusque stylised shorthand. The contrast between these styles creates a brutal naivety, and an unlikely charm and sense of playfulness. The tone of his work sways ambiguosly between violence and silliness. These giant men, fragrantly flauting their masculinity, are in fact caricatures, ridiculous, objects of curiosity. Figures from Greek mythology and imagined and real animals also appear in Vojtěch's paintings as well as pop culture references.» - Layla Leiman

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