Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo /
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Elimar Ulrich Bruno Piglhein
(Hamburg, Deutscher Bund / Hamburgo, Confederación Germánica /
German Confederation, 1848 -
München, Deutsches Reich / Múnich, Imperio Alemán /
Munich, German Empire, 1894)
"Jerusalem und die Kreuzigung Christi / Jerusalén y la Crucifixión de Cristo /
Jerusalem and the Crucifixion of Christ"
Los textos están tomados de Wikipedia y de un artículo que puede leerse completo (en inglés) aquí./
Texts from Wikipedia and an article you can fully read here.
Bruno Piglhein en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LVIII)]
Más información sobre el artista / More info about the artist:
Wikipedia (español), Wikipedia (English), Prof. Bruno Piglhein (Alemán / German)
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La esfera en su ubicación actual / The sphere in its current location
Fritz Koenig en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XXI)]
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Alexander Calder en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
Louise Nevelson en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (XVI)], [Asonancias (XVI, Anexo)]
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Romare Bearden en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XXXII)]
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Jerusalem and the Crucifixion of Christ"
Fotografía Nº 5, la Crucifixión / Photo # 5, The Crucifixion
Recientemente celebrábamos el aniversario de Bruno Piglheim, escultor y pintor alemán de la escuela de Múnich, creador de la obra que trataré a continuación.
El último tercio del s.XIX fue testigo de un gran interés mundial en panoramas que representaban temas de identidad nacional, en particular batallas.
Con la expectativa de lucrativos ingresos gracias a las entradas, se fundaron compañías de panoramas para financiar los edificios y la producción de gigantescas pinturas circulares que medían hasta 15 metros de altura y 120 de circunferencia. A finales del s.XIX, muchas grandes ciudades tenían una rotonda en la cual los panoramas eran exhibidos y cambiados por otros nuevos de tanto en tanto. Fue en este período que surgió la idea de representar el evento histórico de la crucifixión de Cristo en un panorama. [1]
Fotos Nº 1 y 2 / Photos # 1 and 2
Para representar un tema religioso, los centros de peregrinación proveían las ubicaciones ideales. El primer panorama representando la crucifixión de Cristo fue exhibido en el sitio de peregrinación belga de Montaigu en 1884. Fue pintado por el artista belga Juliaan de Vriendt (1842-1935). Un año más tarde, una compañía de panoramas de Múnich encomendó al renombrado pintor alemán Bruno Piglhein que pintara uno con el mismo tema. [2]
Fotos Nº 3 y 4 / Photos # 3 and 4
Fotos Nº 5 y 6 / Photos # 5 and 6
Piglhein, como Vriendt antes que él, viajó a Jerusalén para hacer los bocetos preparatorios del panorama. Fue acompañado por Karl Hubert Frosch, cuya tarea era pintar los detalles arquitectónicos de la pintura, y por Joseph Krieger, quien pintaría el paisaje. El mismo Piglhein fue responsable del diseño general y la composición de figuras. Tras seis meses en Palestina y otros nueve meses ejecutando la pintura, el panorama, de 120 metros de largo y 15 de alto, estaba terminado. Entre junio de 1886 y marzo de 1889, fue exhibido en Múnich con gran éxito. Fue entonces a Berlín para ser exhibido entre 1889 y fines de 1891. En marzo de 1892 se inauguró en Viena, donde fue destruido por el fuego tan sólo un mes más tarde. [3]
Fotos Nº 7 y 8 / Photos # 7 and 8
Fotos Nº 9 y 10 / Photos # 9 and 10
Las imágenes corresponden a una serie de 10 fotografías que se tomaron el día de la inauguración.
Sobre el panorama de Piglhein se trata en profundidad (en alemán) en el sitio web dedicado a su obra. Allí también se apunta la existencia de al menos 12 o 13 "plagios" de esta obra a manos de Frosch y Krieger en diversos lugares del mundo, sin el conocimiento del artista. [4]
Sector de uno de los "plagios" de la obra / Sector of one of the "plagiarism" of the work
Boceto preparatorio / Preparatory Sketch
Joseph Halder, quien encargó el panorama, con Piglhein en el edificio construído para la obra /
Joseph Halder, who commisioned the panorama, with Piglhein in the building built to house the work.
Goethe-Straße 45 (Múnich, Alemania / Munich, Germany)
Recreación del sector correspondiente a la crucifixión. Vista general aquí. (Necesario Quick Time Player) /
Recreation sector corresponding to the crucifixion. General view here (need Quick Time Player)
En la década de 1890, Karl Hubert Frosch y Joseph Krieger eran experimentados artistas de panoramas, especializados en los de temática religiosa. En 1892, los empresarios de panoramas Eckstein & Esenwein, de Backnang, cerca de Stuttgart, contrataron a ambos artistas para la producción de un panorama de la crucifixión de Cristo.
La gigantesca pintura circular, de 10 metros de alto y 100 de largo, se pintó en seis meses en el edificio para panorama Theresienhöhe 2a, uno de los tres edificios de estas características en Múnich por aquél entonces. Como en el panorama de Piglhein, Frosch fue responsable de pintar la arquitectura y Krieger del paisaje. Las figuras corrieron a cargo del pintor estadounidense William Robinson Leigh, quien por aquél entonces estaba activo en Múnich, colaborando en la producción de otros panoramas. [5]
Parte del panorama de la crucifixión de Einsiedeln tal como puede verse hoy /
A part of the Einsiedeln's Crucifixion Panorama as can be seen today.
La primera vida del panorama de Einsiedeln terminó trágicamente el 17 de marzo de 1960, cuando durante tareas de renovación llevadas a cabo en el frente y las habitaciones interiores, se desató un incencio y tanto el edificio como la pintura fueron completamente destruidos. La segunda vida del panorama comenzó rápidamente. Se tomó la decisión de reerigir el edificio y recrear la pintura a partir de fotografías a color existentes de la obra original. [6]
Los textos están tomados de Wikipedia y de un artículo que puede leerse completo (en inglés) aquí./
Texts from Wikipedia and an article you can fully read here.
Bruno Piglhein en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LVIII)]
Más información sobre el artista / More info about the artist:
Wikipedia (español), Wikipedia (English), Prof. Bruno Piglhein (Alemán / German)
Arte perdido en el 11-S / Art lost in 11-S
Fritz Koenig
"Esfera / Sphere", en su situación original, en la plaza Austin Tobin, entre las dos torres /
in its original location on the Austin Tobin Square, between the two towers
Con el colapso de las torres gemelas del World Trade Center, el 11 de Septiembre de 2001, un número indeterminado de obras de arte fueron destruidas.
The Heritage Emergency Nacional Task Force, publicó un informe de 26 páginas titulado Cataclysm and Challenge que estimaba la pérdida de colecciones de arte particulares valoradas en cien millones de dólares.
- Cantor Fitzgerald era la propietaria de una extensa colección de dibujos y esculturas de Rodin.
- Citygroup, Silvester Properties, Marriot Hotel, Fred Alger Management y Nomura Securities también poseían colecciones importantes que incluían obras de Picasso, Roy Lichtenstein y David Hockney.
- El Concejo Cultural del Bajo Manhattan, cedia a 27 artistas espacio en las plantas 91 y 92 de la Torre 1, quienes acabarían perdiendo un total de 400 obras propias.
- En los sótanos también se custodiaban los restos provenientes de un cementerio indio de finales del siglo XVIII, así como archivos que documentaban las excavaciones arqueológicas en la zona de Five Points, barrio que Scorsese popularizaría mundialmente en su film Gangs of New York.
Fotografías y cartas originales de Helen Keller, así como primeras ediciones de sus libros de un valor incalculable.
- Fue destruida igualmente una parte importante del Archivo de los Teatros de Broadway con un fondo de 35.000 fotografías que capturaban momentos irrepetibles de la historia escénica norteamericana.
- También desaparecieron aproximadamente 40.000 negativos de fotografías documentando la presidencia de JFK tomadas por Jacques Lowe, almacenadas en una caja fuerte. [7]
La esfera después del atentado / The Sphere after the attack
La Esfera es una gran escultura metálica del escultor alemán Fritz Koenig, que una vez estuvo en el centro de la Plaza Austin J. Tobin, el área entre las torres gemelas del World Trade Center, en Manhattan. Después de ser recuperada entre los escombros de las torres gemelas después de los ataques del 11-S, la obra se enfrentaba a un destino incierto, y fue desmantelada en sus partes componentes. Aunque permanecía estructuralmente intacta, estaba visiblemente dañada por los restos de los aviones que chocaron contra los edificios y por el colapso de los mismos rascacielos.
Seis meses después de los ataques fue reubicada temporalmente en el Battery Park, sin ser reparada, y formalmente fue rededicada, con una llama eterna, a memorial a las víctimas del 9/11. Hoy se ha convertido en una atracción turística, debido en parte al hecho de que haya sobrevivido a los ataques con sólo abolladuras y agujeros. [8]
Fritz Koenig en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XXI)]
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Joan Miró
"El tapiz del World Trade Center / The World Trade Center Tapestry"
Lana y cáñamo / wool and hemp, 6,1 x 10,67 m., 1974
Estaba en el lobby de la torre 2 / It was in the lobby of tower 2
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Alexander Calder
"Hélice doblada / Bent Propeller (World Trade Center Stabile)", metal pintado / painted metal, 7.6 m., 1970
La escultura fue un encargo de la autoridad del puerto de Nueva York en 1969, y se instaló en 1970 en el World Trade Center.
Los elementos principales de la escultura eran tres hojas de metal curvado, unidas para formar una obra estática que descansaba sobre su propio peso, y recordaba a una hélice de barco. Como muchas otras obras públicas de Calder, estaba pintada de rojo. Primero estuvo instalada cerca de la entrada de la torre 1 (torre norte). Fue movida luego a una plaza en la esquina noroeste de la plaza del WTC.
Cerca del 40 % de la escultura fue recuperada de los escombros en los meses siguientes. No habiendo suficiente como para una restauración, los elementos recuperados permanecen en la Fundación Calder. [9]
Alexander Calder en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
Fragmento de la escultura de Calder / fragment of Calder's sculpture
Alexander Calder fue un escultor estadounidense nacido en 1898, conocido como el creador de los móviles, un tipo de escultura cinética hecha con componentes delicadamente equilibrados o suspendidos que se mueven en respuesta a la alimentación de un motor o las corrientes de aire. Las esculturas fijas de Calder se llaman stabiles. También produjo numerosas figuras de alambre, sobre todo para un circo en miniatura.
En 1926, por sugerencia de un vendedor de juguetes de Serbia en Paris, Calder comenzó a hacer juguetes. Ante la insistencia de su compañero escultor José de Creeft, los presentó al Salón de los Humoristes. Más tarde ese mismo otoño, Calder comenzó a crear su Circo Calder, un circo en miniatura formado de alambre, hilo, caucho, tela y otros objetos encontrados. Diseñado para caber en maletas (eventualmente creció hasta llenar cinco), el circo era portátil, y permitió a Calder celebrar actuaciones en ambos lados del Atlántico.
Fue la mezcla de sus experimentos para desarrollar esculturas puramente abstractas tras su visita a Mondrian lo que llevó a sus primeras esculturas verdaderamente cinéticas, manipuladas mediante manivelas y poleas, que se convertirían en sus obras características. Las esculturas cinéticas de Calder pueden verse como las primeras manifestaciones de un arte que conscientemente se apartó de la noción tradicional de la obra de arte como objeto estático e integró las ideas de movimiento y cambio como factores estéticos.
Murió en 1976. [10]
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Louise Nevelson
"Puerta del cielo / Sky Gate", madera / wood, 1977-78
Louise Nevelson fue una escultora estadounidense nacida en 1899, conocida por sus monumentales piezas monocromáticas de madera para paredes y esculturas al aire libre. Nacida en la Rusia zarista, emigró con su familia a los Estados Unidos a principios del siglo 20. Nevelson aprendió Inglés en la escuela. A principios de 1930 asistía a clases de arte en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York, y en 1941 tuvo su primera exposición individual. Alumna de Hans Hofmann y Chaim Gross, Nevelson experimentó pronto con el arte conceptual utilizando objetos encontrados, e incursionó en la pintura y la impresión antes de dedicar su vida y obra a la escultura. Creadas por lo general en madera, sus esculturas parecen un tipo de puzzle, con múltiples piezas de intrincado corte, dispuestas como esculturas de pared o de forma independiente como piezas de pie, a menudo tridimensionales. Una característica única de su trabajo es que sus figuras están pintadas a menudo en monocromático negro o blanco. Una figura en la escena artística internacional, la obra de Nevelson se expuso en la 31ª Bienal de Venecia. Su obra está presente en las principales colecciones de museos y corporaciones. Louise Nevelson sigue siendo una de las figuras más importantes de la escultura americana del siglo 20.
Murió en 1988. [11]
Louise Nevelson en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (XVI)], [Asonancias (XVI, Anexo)]
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Romare Bearden
"Estanque de recogimiento / Recollection Pond", tapestry / tapiz
Romare Bearden en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XXXII)]
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James Rosati
"Ideograma / Ideogram", acero inoxidable / stainless steel, 23' 6" x 19' 6" x 28' 6", 1967
James Rosati fue un escultor abstracto estadounidense nacido en 1911 cerca de Pittsburgh.
Rosati se mudó a Nueva York en 1944, donde trabó amistad con su colega escultor Philip Pavia. Fue un miembro fundador del Club de la Calle Octava (el Club) y la Escuela de expresionistas abstractos de Nueva York. Rosati fue uno de los participantes en la Exposición de Arte de la calle 9 y las posteriores muestras en la Galería Stable. Conoció y se hizo amigo de los pintores Willem de Kooning y Franz Kline, y del escultor David Smith. Fue galardonado con el premio de escultura del Instituto Sr. y Sra. Frank G. Logan en 1962 y una beca John Simon Guggenheim en 1964. Una muestra en 1969, en la Universidad de Brandeis elevó su carrera a nuevas alturas. Tuvo otras exposiciones individuales y participó en numerosas muestras colectivas.
Rosati es conocido por sus esculturas en piedra de la década de 1960, y su "Ideograma" de acero inoxidable, que se elevaba más de 23 metros de altura en la plaza entre las torres 1 y 2 del World Trade Center en la ciudad de Nueva York. Alrededor de cuarenta de sus piezas monumentales de escultura se encuentran en los Estados Unidos y alrededor del mundo.
Murió en 1988. [12]
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Masayuki Nagare [流 政之]
"Fortaleza de nubes / Cloud Fotress", granito negro / black granite, 1975
Masayuki Nagare (流政之) es un escultor japonés modernista nacido en 1923 en Nagasaki.
Cuando era adolescente, vivió en varios templos en Kyoto, donde estudió los patrones de rocas, plantas y agua creados por artistas del paisaje tradicional. En 1942 pasó a la Universidad de Ritsumeikan donde estudió el sintoísmo y el arte de hacer espadas, pero se fue antes de la graduación. Posteriormente ingresó en la escuela preliminar de las fuerzas navales, y experimentó el final de la Guerra del Pacífico como piloto de Zero Fighter. Después de la guerra aprendió escultura de forma autodidacta mientras vagaba por el mundo.
Entre sus obras se incluyen "Sakimori" (Guardia de frontera) instalado en el Museo de Honolulu de Arte, "Jardín Hamaritsurin" en el parque conmemorativo Seto Ohashi, Prefectura de Kagawa, Japón, "Ju" (受) almacenado en el Museum of Modern Art de Nueva York, y "Trascendencia" (informalmente llamado "Corazón del banquero" por los lugareños) instalado en AP Giannini Plaza en 555 California Street (antes el edificio del Banco de América) en San Francisco, California. [13]
* Masayuki Nagare murió el 7 de julio de 2018
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Auguste Rodin
Restos de la escultura "Las tres sombras", de la Colección Cantor Fitzgerald /
Remains of the sculpture "The Three Shadows", Cantor Fitzgerald Collection
"Las tres sombras / The Three Shades", 97 x 91,3 x 54,3 cm., antes / before 1886
Fundición hecha por / Cast made by Fonderie Alexis Rudier, 1928
© Musée Rodin - Foto / Photo: Adam Rzepka
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La información está tomada de los siguientes sitios / Information from the following sites:
Panorama, "Jerusalem and the Crucifixion of Christ as Subject of a Panorama – a Story of Success /
Jerusalén y la crucifixión de Cristo como tema de un Panorama - una historia de éxito": Link
Blog Historias de Nueva York, "Arte en la Zona Cero /
Blog Stories of New York (Spanish), "Art on the Zero Zone": Link
Eclectix (English), "Artitectura: Arte perdido en el World Trade Ceenter /
Artitechture: Lost Art of the World Trade Center": Link
Texto en inglés / Text in English
[1]
Recently we celebrated the anniversary of Bruno Piglheim, German sculptor and painter of the Munich school, creator of the work discussed below.
The last third of the 19th century witnessed a great interest worldwide in panoramas that represented subjects of national identity, battles in particular. Hoping for a lucrative income from entrance fees, panorama companies were founded to finance the buildings and the production of the gigantic circular paintings which measured up to 15 metres in height and up to 120 metres in circumference. At the end of the 19th century many big cities had a rotunda in which panoramas were exhibited and exchanged for new ones from time to time. It was in this period that the idea came up of representing the historic event of the Crucifixion of Christ in a panorama.
[2]
For a panorama depicting a religious subject pilgrimage centres provided ideal locations. The first panorama depicting the Crucifixion of Christ was exhibited in the Belgian pilgrimage site of Montaigu in 1884. It was painted by the Belgian artist Juliaan de Vriendt (1842-1935). One year later, a Munich panorama company commissioned the renowned German painter, Bruno Piglhein (1848-1894), to paint a panorama of the same subject.
[3]
Piglhein, like de Vriendt before him, travelled to Jerusalem in order to make preparatory sketches for his panorama. He was accompanied by Karl Hubert Frosch, whose role was to paint the architectural detail in the painting, and by Joseph Krieger, who would paint the landscape. Piglhein himself was responsible for the overall design and the figural composition of the panorama. After six months in Palestine and another nine months of executing the painting, the panorama, 120 metres long and 15 metres high, was finished. From June 1886 to March 1889 it was exhibited in Munich with great success. It was then on exhibition in Berlin, from spring 1889 to the end of 1891. In March 1892 it opened in Vienna, where it was unfortunately destroyed by fire just one month later.
[4]
The images correspond to a series of 10 photographs taken on the opening day.
The Piglhein's Panorama is covered in depth (in German) in the website dedicated to his work. There are also indications of the existence of at least 12 or 13 "plagiarism" of this work done by Frosch and Krieger in various sites of the world, without the knowledge of the artist.
[5]
In the 1890s, Karl Hubert Frosch (1846-1931) and Joseph Krieger (1848-1914), now experienced panorama artists, specialised in panoramas of religious subjects. In 1892, the panorama entrepreneurs, Eckstein & Esenwein from Backnang near Stuttgart, made contract with the two artists about the production of a panorama of the Crucifixion of Christ.
The giant circular painting, 10 metres high and 100 metres long, was painted in six months in the panorama building Theresienhöhe 2a, one out of three panorama exhibition buildings in Munich at that time. As with Piglhein’s panorama, Frosch was responsible for the painting’s architecture and Krieger for the landscape. The figural part was executed by the American painter William Robinson Leigh (1865-1955) who at that time was active in Munich, collaborating in the production of other panoramas.
[6]
The first life of the panorama in Einsiedeln ended most tragically on 17 March 1960 when during renovation works carried out on the front and in the interior rooms fire broke out and both building and painting were completely destroyed. The panorama’s second life began immediately. The decision was taken to re-erect the building and to re-create the painting after existing colour photographs of the original picture.
[7]
The Heritage Emergency National Task Force published a 26-page report titled Cataclysm and Challenge which estimated the loss of private art collections valued at one hundred million dollars.
These collections include the following:
- Cantor Fitzgerald was the owner of an extensive collection of drawings and sculptures by Rodin.
- Citigroup, Silvester Properties, Marriot Hotel, Fred Alger Management and Nomura Securities also had important collections including works by Picasso, Roy Lichtenstein and David Hockney.
- The Lower Manhattan Cultural Council, ceded to 27 artists space on floors 91 and 92 of Tower 1, who end up losing a total of 400 own works.
- In the basement the remains from an Indian burial of the late eighteenth century was also guarding and files documenting archaeological excavations near Five Points neighborhood Scorsese popularized worldwide in the film Gangs of New York.
- Photographs and original letters from Helen Keller, as well as invaluable first editions of his books.
- It was also destroyed a large part of the archive of Broadway Theater with a background of 35,000 photographs that captured unique moments in American history stage.
- They also disappeared approximately 40,000 negatives of photographs documenting JFK's presidency taken by Jacques Lowe, stored in a safe.
[8]
The Sphere is a large metallic sculpture by German sculptor Fritz Koenig, that once stood in the middle of Austin J. Tobin Plaza, the area between the World Trade Center towers in Manhattan. After being recovered from the rubble of the Twin Towers after the September 11 attacks in 2001, the artwork faced an uncertain fate, and it was dismantled into its components. Although it remained structurally intact, it had been visibly damaged by debris from the airliners that were crashed into the buildings and from the collapsing skyscrapers themselves.
Six months after the attacks it was relocated to Battery Park on a temporary basis—without any repairs—and formally rededicated with an eternal flame as a memorial to the victims of 9/11. It has become a major tourist attraction, due partly to the fact that it survived the attacks with only dents and holes.
[9]
The sculpture was commissioned by the Port of New York Authority in 1969 and installed in 1970 at the World Trade Center in New York.
The main elements of the sculpture were three sheets of curved metal, linked together to form a static work resting under its own weight (or stabile) reminiscent of a ship's propeller. Like many of Calder's public sculptures, it was painted red. It was first installed near the entrance to WTC1 (the North Tower). It was moved in 1970 to a plaza in front of 7 World Trade Center, on the northeast corner of the World Trade Center Plaza.
About 40 per cent of the sculpture was recovered from the debris in the following months. With not enough of the original remaining for a restoration, the recovered elements are stored by the Calder Foundation.
[10]
Alexander Calder, American sculptor born in 1898, known as the originator of the mobile, a type of kinetic sculpture made with delicately balanced or suspended components which move in response to motor power or air currents. Calder’s stationary sculptures are called stabiles. He also produced numerous wire figures, notably for a miniature circus.
In 1926, at the suggestion of a Serbian toy merchant in Paris, Calder began to make toys. At the urging of fellow sculptor Jose de Creeft, he submitted them to the Salon des Humoristes. Later that fall, Calder began to create his Cirque Calder, a miniature circus fashioned from wire, string, rubber, cloth, and other found objects. Designed to fit into suitcases (it eventually grew to fill five), the circus was portable, and allowed Calder to hold performances on both sides of the Atlantic.
It was the mixture of his experiments to develop purely abstract sculpture following his visit with Mondrian that led to his first truly kinetic sculptures, manipulated by means of cranks and pulleys, that would become his signature artworks. Calder’s kinetic sculptures are regarded as being amongst the earliest manifestations of an art that consciously departed from the traditional notion of the art work as a static object and integrated the ideas of motion and change as aesthetic factors.
He died in 1976.
[11]
Louise Nevelson was an American sculptor born in 1899, known for her monumental, monochromatic, wooden wall pieces and outdoor sculptures. Born in Czarist Russia, she emigrated with her family to the United States in the early 20th century. Nevelson learned English at school. By the early 1930s she was attending art classes at the Art Students League of New York, and in 1941 she had her first solo exhibition. A student of Hans Hofmann and Chaim Gross, Nevelson experimented with early conceptual art using found objects, and dabbled in painting and printing before dedicating her lifework to sculpture. Usually created out of wood, her sculptures appear puzzle-like, with multiple intricately cut pieces placed into wall sculptures or independently standing pieces, often 3-D. A unique feature of her work is that her figures are often painted in monochromatic black or white. A figure in the international art scene, Nevelson was showcased at the 31st Venice Biennale. Her work is seen in major collections in museums and corporations. Louise Nevelson remains one of the most important figures in 20th-century American sculpture.
She died in 1988.
[12]
James Rosati was an American abstract sculptor born in 1911 near Pittsburgh.
Rosati moved to New York in 1944, where he befriended fellow sculptor Philip Pavia. He was a charter member of the Eighth Street Club (the Club) and the New York School of abstract expressionists. Rosati was among the participants in the 9th Street Art Exhibition and the subsequent Stable Gallery shows. He met and became friends with painters Willem de Kooning and Franz Kline, and sculptor David Smith. He was awarded the Mr and Mrs Frank G. Logan Art Institute Prize for sculpture in 1962 and a John Simon Guggenheim Fellowship in 1964. A 1969 show at Brandeis University lifted his career to new heights. He had other solo exhibitions and was in numerous group shows.
Rosati is perhaps best known for his sculptures in stone from the 1960s, and the stainless steel Ideogram that stood over 23 feet tall on the plaza between Towers 1 and 2 of the World Trade Center in New York City. About forty monumental pieces of sculpture are located in the United States and around the world.
He died in 1988.
[13]
Masayuki Nagare (流 政之) is a modernist Japanese sculptor born in 1923 in Nagasaki.
As a teenager, he lived in several temples in Kyoto where he studied the patterns of rocks, plants and water created by traditional landscape artists. In 1942, he went on to Ritsumeikan University where he studied Shintoism and sword-making, but he left before graduation. Afterwards, he entered the naval forces preliminary school, and experienced the end of the Pacific War as Zero Fighter pilot. After the War, he learned sculpture by self-study while roaming the world. Nagare's works include "Cloud Fortress" which was destroyed at the World Trade Center (New York City), "Sakimori" (Frontier Guardian) installed in the Honolulu Museum of Art, “Hamaritsurin Garden” in Seto Ohashi Commemorative Park, Kagawa Prefecture, Japan and "Ju"(受) stored to Museum of Modern Art in New York City, and "Transcendence" (informally called "The Banker's Heart" by locals) installed in A.P. Giannini Plaza at 555 California Street (formerly the Bank of America building) in San Francisco, California.
* Masayuki Nagare died on July 7th, 2018
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