viernes, 28 de junio de 2019

Ivan Albright [Autorretratos, Dibujos, Litografías / Self-portraits, Drawings, Lithographs]

Ivan Le Lorraine Albright
(North Harvey, Illinois, EE.UU./ IL, USA, 1897 - Woodstock, Vermont, 1983)

Ivan Albright, en vivo, invita a una comparación con un autorretrato pintado casi 30 años antes /
in the flesh, invites comparisons to a self-portrait painted nearly 30 years earlier.
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Ivan Le Lorraine Albright fue un pintor y artista del realismo mágico estadounidense que ya hemos tratado anteriormente en el blog. Fue famoso por sus autorretratos, estudios de personajes y naturalezas muertas.
Durante la década de 1930 desarrolló una técnica consistente para sus obras, creando numerosos dibujos detallados, creando su propia paleta de colores y pintando con cientos de pequeños pinceles. La técnica de Albright, que consumía mucho tiempo (muchas de sus obras tardaron años en completarse), no solo le permitió una descripción detallada del deterioro físico de los objetos y las personas, sino también incorporar una multitud de cambios leves en el punto de vista y resaltar las relaciones entre los objetos. (1)

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 77,2 × 50,5 cm., 1935
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato en la calle División 55 Este / Self-Portrait at 55 East Division Street"
Litografía sobre papel tejido marfil / lithograph on ivory wove paper, 35,8 x 25,7 cm., 1947
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Con el tiempo, su estilo hiperrealista tuvo un efecto exagerado, enfatizando cada arruga y mancha de sus modelos y utilizando una iluminación dramática, incluso estridente. Los retratos grotescos del artista reflejan su noción platónica de que "el cuerpo es nuestra tumba"; la degeneración física y la configuración escuálida de sus modelos implican un malestar espiritual concomitante. También estaba preocupado por el concepto medieval de "vanitas", la idea de que las cosas materiales están condenadas a la decadencia y la muerte. La obra de Albright contiene sombras de las experiencias formativas de su vida, incluidas las lecciones de su padre en precisión anatómica, la carnicería que documentó durante la Primera Guerra Mundial y una predilección personal por los temas morbosos y macabros. (2)

"Tres tortolitos / Three Love Birds"
Carboncillo y óleo sobre lienzo / charcoal and oil on canvas, 199,4 × 106,7 cm., 1930
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 3 / Self-Portrait (No.3)", óleo sobre panel / oil on hardboard, 30,5 × 25,4 cm., 1981
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

A lo largo de su vida Albright pintó muchos autorretratos importantes y significativos, el primero en 1933. Pero en sus años ochenta, motivado por una invitación a crear imágenes de este tipo para la Galleria degli Uffizi, Florencia, Italia, Albright se embarcó en un diálogo profundo con su propio personaje, que se plasmó en veinticinco autorretratos (1981-83), notables por el rango emocional que expresan y las técnicas empleadas. La serie debe considerarse legítimamente como una obra de arte cohesiva. Su rostro parece progresar cuadro a cuadro, intentando la impresión de "tiempo real", cambiando de expresión y revelando lentamente la presencia y la personalidad del artista al espectador. Es como si su visión ya no pudiera estar contenida en una sola imagen, muchas corrientes en procesión transportando una parte del conjunto. Como si fuera consciente del poco tiempo que le quedaba, escribió: "La cantidad de vida que puedo pasar por mis ojos es la cantidad que puedo ver". De hecho, Albright se concentró en sus ojos en muchas de las representaciones, manteniéndose tanto como era posible en el mundo visual de la carne y los objetos, que durante tanto tiempo había representado en términos espirituales transformadores.

En esta serie, Albright seguramente pretendía un logro que competiría con los mejores autorretratos producidos por artistas de cualquier época, particularmente los de Rembrandt y Alberto Durero. Como la campaña final de su larga e incansablemente inquisitiva carrera, siguen siendo un ejemplo psicológico y técnico que demuestra su profunda devoción a una visión singular pero sin restricciones. Estilísticamente, los paneles individuales de esta serie son más atrevidos y poco característicos como ejemplos de las obras maduras de Albright. La cabeza del artista emerge de tablas enyesadas como la de un explorador metafísico. Parpadeo, susurros, mensajeros de luz (pinceladas enmascaradas como hojas de color) aparecen y desaparecen en repetición para crear una cara con una forma sorprendentemente sólida. Uno sospecha que cada línea, grieta y superficie es una homilía infinita sobre vivir y morir; en última instancia, "convertirse". (3)

"Muñeca de vitrina / Show Case Doll", litografia sobre papel liso blanco roto /
lithograph on off-white wove paper, 42,5 x 62,3 cm., 1957
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)
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"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 20", 1951
National Academy of Design (Nueva York, EE.UU./ NY, USA). Google Arts & Culture

Ivan Albright fue elegido Académico Nacional Asociado en 1942. Solicitó tiempo adicional para completar su autorretrato, que estaba subvencionado por el Consejo. Seis años después, aún no lo había terminado, y después de otro recordatorio del entonces secretario, Eliot Clark, Albright respondió en noviembre de 1948: "Puede informar al Consejo en su próxima reunión que he terminado el autorretrato al óleo. Trabajé la mayor parte del año pasado y lo habría hecho antes, si no fuera porque tuve una operación importante en un hospital". La pintura muestra al artista en su nuevo estudio de State Street en Chicago con una gran ventana en el fondo. (4)

Ivan Albright was elected Associate National Academician in 1942. He requested additional time to complete his self-portrait, which was granted by the Council. Six years later he had still not finished the portrait, and after another reminder by then Secretary, Eliot Clark, Albright responded in November 1948: "You may inform the Council at its next meeting that I have finished the Oil Self Portrait. I worked most of last year on it and would have had it done sooner save that I went thru a major operation at a hospital." The painting shows the artist in his new State Street studio in Chicago with the large window in the background. (4)
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"La nieve se mueve a través de los árboles - los árboles se mueven a través de la nieve /
The Snow Moves Through the Trees-the Trees Move Through the Snow"
Carboncillo y crayón negro, con relleno y borrado, sobre cartulina blanca tejida /
Charcoal and black crayon, with stumping and erasing, on white wove card, 55 x 72,9 cm., 1972
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 10 / Self-Portrait (No.10)", oleo sobre panel / oil on hardboard, 33 × 25,4 cm., 1982
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Albright escribió constantemente mientras hacía esta serie:
"Hacer la cabeza...  más tranquila que los acantilados de granito...  Alcanzar la peligrosa quietud que precede al desastre... la quietud de un rostro después de la muerte: una quietud inquebrantable... Una cara antes de que el dolor y el horror se introduzcan en los músculos - una cara lista para estallar en un minuto... quiero una cara que haya sido compasiva. Un rostro que ha derramado lágrimas, un rostro que ha estado vivo de alegría, un rostro que te abre la puerta. Una cara que da más que una cara que cree en dios. Un rostro que tiene fe: un rostro arrugado, un rostro viejo, un rostro preparado para la muerte. ¿Quiero pintar los límites de una cara o quiero pintar qué sabiduría puede contener esa cara, una cara que mira mil años como si fueran un segundo?. Una cara que va hacia la fuerza eterna de la vida y la ha encontrado."

Estas pinturas viven una vida continua y resuenan con relevancia, particularmente a la luz de las investigaciones del yo y la identidad que ocuparon el mundo del arte en los años '80 y '90, y continúan hasta nuestros días. El 2 de agosto de 1983 Albright sufrió un derrame cerebral. Josephine escribió sobre la reacción de su esposo: "Se vio afectado en el lado izquierdo ... Sin embargo, está pintando, jugando ajedrez y disfrutando de la vida. La muerte de Malvin fue, por supuesto, una conmoción, pero se está moviendo bien y es bastante filosófico al respecto ".

A pesar de estar en cama y agotado por esta experiencia, continuó dibujando y agregó cuatro autorretratos más a su serie en curso entre el 21 de ese mes y el 14 de noviembre. La imagen final de su vida y carrera es un grabado íntimo, profundamente espiritual. Para un hombre que dedicó su vida a transformar la corporeidad en lo que la trasciende, este último autorretrato parece tan cercano al alma como uno nunca verá. Evoca al mismo tiempo un triste susurro, un último suspiro, pero de alguna manera es desafiante y está lleno de esperanza. Representado con líneas trémulas y frágiles, se erige como una de las imágenes más seguras, asertivas y poderosas de su carrera. Dos ojos, mágicos, siempre inmóviles, miran más allá de la superficie del espejo, la placa de grabado, los segundos haciendo tictac. Cuatro días después, Albright perdió la conciencia y falleció, muriendo en silencio y rodeado de sus seres queridos, el 18 de noviembre de 1983 en Vermont. (3)

"Sígueme / Follow Me"
Litografía sobre papel crema tejido / lithograph on cream wove paper, 35 x 22,6 cm., 1948
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 4 / Self-Portrait (No.4)", carboncillo, crayón litográfico y lápiz sobre panel /
charcoal, lithographic crayon, and pencil on hardboard, 33 × 24.1 cm., 1981
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Ivan Le Lorraine Albright was an American magic realist painter and artist that we have previously dealt with in the blog. He was most renowned for his self-portraits, character studies, and still lifes.
During 1930s Albright developed a consistent technique for his works, creating numerous detailed drawings, creating his own color palette and painting with hundreds of little brushes. Albright's time-consuming technique - many of his works took years complete - not only allowed for detailed depiction of the physical deterioration of objects and people, but enabled him to incorporate a multitude of slight shifts in point-of-view and highlight the relationships between the objects. (1)

"Hail to the Pure", 50,3 x 40,2 cm., 1976 
Tiza negra con relleno, grafito y crayón negro, con raspado en arcilla blanquecina, papel tejido /
black chalk with stumping, graphite and black crayon, with scraping on clay-coated off-white, wove paper
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 13 / Self-Portrait (No.13)", óleo sobre panel / oil on hardboard, 33 × 24,1 cm., 1982
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Over time his hyperrealist style took on an exaggerated effect, emphasizing every wrinkle and blemish of his sitters and utilizing dramatic, even garish lighting. The artist's grotesque portraits reflect his Platonic notion that "the body is our tomb"; the physical degeneration and squalid settings of his subjects imply a concomitant spiritual malaise. He was also preoccupied with the medieval concept of vanitas, the idea that material things are doomed to decay and death. Albright’s body of work contains shadows of his life’s formative experiences, including his father’s lessons in anatomical precision, the carnage he documented during World War I, and a personal predilection for morbid and macabre subjects. (2)

"Tiempo fugaz, me has envejecido / Fleeting Time, Thou Hast Left Me Old"
Litografía sobre papel tejido marfil / lithograph on ivory wove paper, 35 x 24,5 cm., 1945
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 1 / Self-Portrait (No.1)"
Óleo y carboncillo sobre panel / oil and charcoal on hardboard, 33 × 23.5 cm., 1981
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)
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"Al mundo llegó un alma llamada Ida / Into the World There Came a Soul Called Ida"
Litografía sobre papel tejido blanco roto / lithograph on off-white wove paper, 42,4 x 35 cm., 1940
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)
La pintura, de 1939, ya fue publicada aquí / The 1939 painting was already published here

La pintura original es una representación grotesca de una mujer que (según el título) se llama Ida. Dentro de la pintura hay varias referencias a la idea de que el cuerpo humano es débil y que todos estamos atrapados dentro de nuestras formas físicas. Parece que hay un conflicto entre el alma y el cuerpo. La figura está sentada en una habitación que está desordenada y en mal estado. Ella se está mirando en un espejo de mano con una mirada de tristeza en su rostro. Una lectura de esto es que está triste debido a su edad y falta de belleza. Algunas personas creen que es una vieja actriz o posiblemente una prostituta. "Ida" es similar a muchas de las otras obras de Albright debido a la apariencia muerta y en descomposición de la figura, así como a los significados más profundos (y a menudo oscuros) ocultos en su interior. (1)

The original painting is a grotesque depiction of a woman who (based on the title) is named Ida. Within the painting there are several references to the idea that the human body is weak and that we are all trapped within our physical forms. There appears to be a conflict happening between the soul and the body. The figure is seated in a room that is cluttered and in a state of disrepair. She is looking into a hand mirror with a look of sadness on her face. One reading of this is that she is sad because of her age and lack of beauty. Some people believe she is an old actor or possibly a prostitute. Ida is akin to many of Albright's other works due to the dead and decaying look of the figure as well as the deeper (and often dark) meanings that are hidden within. (1)
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"Autorretrato Nº 14 / Self-Portrait (No.14)", carboncillo, tiza blanca y lápiz de color sobre panel /
charcoal, white chalk, and colored pencil on hardboard, 30,5 × 25,4 cm., 1982
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Throughout his life Albright had painted many important and meaningful self-portraits, the first in 1933. But in his eighties, prompted by an invitation to create one such image for the Galleria degli Uffizi, Florence, Italy, Albright embarked upon a profound dialogue with his own character, resulting in twenty-five self-portraits (1981–83) that are remarkable for the range of emotion they express and the techniques they employ. The series should rightfully be considered one cohesive work of art. His face appears to progress frame by frame, attempting the impression of “real time,” shifting in expression and slowly unveiling the artist’s presence and personality to the viewer. It is as if his vision was could no longer be contained in a single image, many stream in procession bearing a bit of the whole. As if aware of the little time he had left, he wrote, “The amount of life I can put through my eyes is the amount I can see.” Indeed, Albright concentrated on his eyes in many of the portrayals, holding as much as possible onto the visual world of flesh and objects, which for so long he had rendered in transformative spiritual terms.

In this series, Albright surely intended an accomplishment that would compete with the greatest self-portraits produced by artists of any era, particularly those of Rembrandt and Albrecht Durer. As the final reative campaign of his long and tirelessly inquisitive career they remain a psychological and technical encore demonstrating his profound devotion to a singular yet unrestrained vision. Stylistically, the individual panels in this series are more daring and uncharacteristic as examples of Albright’s mature works. The artist’s head emerges from gessoed boards like that of a metaphysical explorer. Flickering, rustling messengers of light – brushstrokes masking as leaves of color – appear and disappear in repetition to create a face with surprisingly solid form. One suspects that each line, crevice and surface is an infinite homily on living and dying; ultimately “becoming.” (3)

"Pesado es el remo para aquel que está cansado, pesado el abrigo, pesado el mar /
Heavy the Oar to Him Who is Tired, Heavy the Coat, Heavy the Sea"
Litografía sobre papel tejido blanco roto / lithograph on off-white wove paper, 42,9 x 26,9 cm., 1939
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato en Georgia / Self-portrait in Georgia"
Óleo sobre panel / oil on panel, 20" x 16", 1967-68
The Butler Institute of American Art (Youngstown, Ohio, EE.UU./ USA) © Estate of Ivan Albrigh

Albright wrote constantly while making this series:
“Make the head... more still than granite cliffs… Reach the dangerous quietness that precedes disaster... stillness of a face after death – an unliving stillness… A face before pain and horror creep into the muscles – a face ready to burst in a minute… I want a face that has been compassionate. A face that has shed tears, a face that has been alive with joy, a face that opens the door to you. A face that gives more than a face that believes in god. A face that has faith – a wrinkled face, an old face, a face ready for death. Do I want to paint the boundaries of a face or do I want to paint what wisdom the face can contain – a face that looks at a thousand years as if they were a second. A face that goes to the eternal force of life and has found it.” (3)

"Yo, María / I, Mary"
Crayón negro con crayón blanco, toques de aguada blanca, rasguños y borrados, en papel recubierto de arcilla blanquecina
black crayon, with white crayon, touches of white gouache, scratching and erasing, on off-white clay coated paper, 50,5 x 40,3 cm., 1975-76
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 16 / Self-Portrait (No.16)", óleo sobre panel / oil on hardboard, 33 × 25,4 cm., 1982
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

These paintings live a continuous life and resound with relevance, particularly in light of investigations of the self and identity that occupied the art world in the 1980s and 1990s and continues to this day. On August 2, 1983, Albright suffered a stroke. Josephine wrote about her husband’s reaction, “He was affected on the left side… He is, however, painting, playing chess and enjoying life. Malvin’s death was of course a shock, but he is rallying well and being quite philosophical about it.”

Despite being bed-ridden and exhausted from this experience, he continued to draw and added four more self-portraits to his on-going series between the 21st of that month and November 14th. The final image of his life and career is an intimate, profoundly spiritual etching. For a man who devoted his life to transforming corporeality into that which transcended it, this last self-portrait seems as close to the soul as one will ever see. It evokes at once a sad whisper, a last breath, but is somehow defiant and filled with hope. Rendered with tremulous, fragile lines, it stands as one of the most confident, assertive, powerful images of his career. Two eyes, magical, ever still, look beyond the surface of the mirror, the etching plate, the ticking seconds. Four days afterward, Albright slipped out of consciousness and passed away, dying quietly and surrounded by those he loved, on November 18, 1983 in Vermont. (3)

"Busto de una mujer / Bust of a Woman"
Litografía sobre papel tejido liso / lithograph on tan wove paper, 405 x 275 cm., 1933
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Autorretrato Nº 9 / Self-Portrait (No.9)"
Pastel sobre panel / pastel on hardboard, 33 × 25.4 cm., 1982
The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)

Todas las imágenes (salvo donde se indica) / All images (except where noted) © The Art Institute of Chicago

Fuentes / Sources:
* (2) Ivan Albright, Biografía / Biography
National Gallery of Art Online Editions (Washington, EE.UU./ USA), 8/2018
* (3) Ensayo de / Essay by Robert Cozzolino, Ph.D. © Illinois Historical Art Project
* (4) Autorretrato / Self Portrait, 1942. Google Arts & Culture
* The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ IL, USA)
* "Redescubriendo al pintor cuya temática grotesca lo situó fuera de los cánones /
Rediscovering the Painter Whose Grotesque Subject Matter Kept Him out of the Canon"
Editorial de / by Jackson Arn. Artsy, 7/2018

Ivan Albright en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCXV)]

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