La Colección Bentaberry (I)

Esta serie va simplemente de obras que me resultan especialmente atractivas por una u otra razón. Cuadros que compraría para un hipotético museo personal si fuera un Thysen, por ejemplo, con recursos ilimitados y disponibilidad absoluta.

This series is about art pieces specially attractive for me for any reason. Paintings I would buy for an hypothetical personal museum if I were a Thysen, for example, with unlimited funds and absolute availability.

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Leonardo da Vinci
"La dama del armiño / Lady with an Ermine"

"La dama con l'ermellino / Lady with an Ermine", óleo sobre tabla / oil on panel

54,8 × 40,3 cm., 1488-1490. Museo Czartoryski (Cracovia,  Polonia / Poland)

Se cree que la obra representa a Cecilia Gallerani, la amante de Ludovico Sforza, duque de Milán. La pintura es uno de los cuatro retratos de mujer pintados por Leonardo, siendo los otros tres La Gioconda, el retrato de Ginevra de' Benci y el de la Belle Ferronière. A pesar de ciertos daños - una puerta en el fondo fue pintada, un velo transparente sobre la cabeza del modelo se ha vuelto un peinado extravagante y varios dedos fueron repintados groseramente-, se encuentra en mejores condiciones que otras pinturas de Leonardo da Vinci. Algunos daños los sufrió durante la Segunda Guerra Mundial.

Leonardo conoció a Cecilia Gallerani en Milán en 1484 puesto que ambos habitaban el Castillo Sforzesco, el palacio de Ludovico Sforza llamado "el Moro". Era la amante del duque; joven y bella (tenía solamente 17 años), Cecilia interpretaba música y escribía poesía. Era apreciada, pues, además de por su belleza, por su talento e inteligencia.

Sostiene en sus manos y acaricia lo que normalmente se ha considerado un armiño (o eventualmente un hurón blanco), representado con precisión y vivacidad.

Me gusta todo en esta pintura: la modelo, el animal y la tranquilidad que desprende la escena, la posición de los personajes y la sobriedad del conjunto en general. Eso sin contar la fascinación que sobre mí (y sobre unos cuantos más) ejerce la sola mención de Leonardo... y el bichito de la duda.

Detalle / detail

Se considera que es obra del mismo autor de Retrato de Ginebra de Benci de la National Gallery of Art (Washington DC), y en general se considera que el autor de ambas fue Leonardo, pero no sin voces disidentes dentro de la crítica.

La historia de este cuadro puede ser reconstruida un tanto a partir de finales del siglo XVIII, pues hasta aquel momento no era atribuido a Leonardo. Después de una revisión crítica, sin embargo, que ha modificado una serie de atribuciones, el cuadro es hoy universalmente considerado obra de Leonardo.

La pintura fue una adquirida por Adam Jerzy Czartoryski, hijo de Izabela Czartoryska y de Adam Kazimierz Czartoryski en Italia en 1798 y se integró en la colección de la familia Czartoryski en 1800. La inscripción sobre la esquina superior izquierda de la pintura, LA BELE FERIONIERE. LEONARD D'AWINCI., fue probablemente añadida por un restaurador poco después de su llegada a Polonia. Después de estar escondido en los subterráneos de un castillo, el cuadro fue encontrado en 1939, requisado por los soldados nazis que habían invadido Polonia y enviado al museo del Kaiser Friedrich en Berlín. En 1940 Hans Frank,el gobernador general de Polonia, demandó que se restituyera a la villa de Cracovia, y allí estuvo colgada en sus oficinas. Al final de la segunda guerra mundial, las tropas aliadas descubrieron la pintura en la mansión de Frank en Baviera. Cuando fue recuperado tenía en un ángulo la huella de un talón. Fue devuelto a Polonia y actualmente se expone en el Museo Czartoryski de Cracovia.

Información del artículo en Wiki. Info in english here and here.

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Oscar-Claude Monet

"Impresión, Sol Naciente / Impression, Sunrise"

"Impression, soleil levant / Impresión, salida del sol / Impression, Sunrise"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48 x 63 cm., 1872

Museo Marmottan-Monet (París, Francia / France)

Es un cuadro del pintor francés Claude Monet, que dio su nombre al movimiento impresionista. Se conserva en el Museo Marmottan-Monet de París.

Fechado en 1872, aunque pintado más probablemente en 1873, su motivo es el puerto de Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de pincel que sugieren en vez de delinear. Monet explicó posteriormente el título:

"El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea , de ahí el título , una impresión que me dio. He reproducido una impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havrem y dije "pongan impresión"

La pintura se exhibió en 1874 durante la primera exposición independiente de los impresionistas, todavía no conocidos por ese nombre. El crítico Louis Leroy, inspirado por el título del cuadro, tituló su hostil crítica en el periódico Le Charivari, "Exhibición de los impresionistas" , dando nombre inadvertidamente al movimiento. Leroy escribió allí:

"Impresión... no me cabe duda. Me decía a mí mismo que, como estaba impresionado, debía haber alguna impresión allí..y ¡qué libertad, que fácil artesanía! El empapelado en su estado mas embrionario tiene mas terminación que este paisaje marino." Louis Leroy

La pintura fue robada del museo Marmottan-Monet en 1985 y recuperada en 1990. Desde 1991 ha estado de nuevo en exhibición.

Información de Wiki. Info in english here.

Me gusta la aparente sencillez del cuadro que plasma una especie de "estado de ánimo" atmosférico con lo que para un incauto parecen unas pocas pinceladas casi al azar. Además tengo un gran interés en poder verlo en directo alguna vez, ya que la variedad infinita de tonalidades que uno encuentra cuando hace una búsqueda rápida de imágenes me da que pensar. De hecho la reproducción del Museo Marmottan es la más apagada... Me he quedado con una que por algún motivo me resulta la más creíble (tal vez a la que más me gustaría que se pareciera el original)

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Vincent Van Gogh

"Un par de botas / A Pair of Shoes"

"Un par de zapatos / A Pair of Shoes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 37,5 X 45 cm., 1886

Van Gogh Museum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

Esta pintura de un par de botas apunta la especulación sobre una variedad de cuestiones psicológicas. Han sido vistas como símbolo de las dificultades que Van Gogh debió enfrentar durante su vida.

Un compañaero estudiante en París contó que Vincent compró estas botas de trabajo en un mercado de pulgas, con la idea de utilizarlas para una naturaleza muerta. Pero le pareció que estaban demasiado pulcras, así que se las puso y las utilizó en una larga caminata bajo la lluvia. Sólo entonces estuvieron a punto para ser pintadas.

Esta obra me gusta especialmente entre las de Van Gogh, tanto que compré una reproducción cuando estuve en el Museo de Amsterdam. Si bien hay otras naturalezas muertas con botas de trabajo campestre, estas (a diferencia de las del Museo de Baltimore o los zapatos del Metropolitan, por ejemplo), dan una sensación de desolación muy intensa... por la orfandad de complementos y decoración (están completamente solas en el suelo), iluminadas desde arriba a la derecha, casi como si un foco las estuviera acusando de su desgracia, aunque la luz no las alcanza completamente, y ese monocromatismo, como si hasta la alegría del color les estuviesen vedadas. Las de Baltimore están sobre un suelo azul y hay más contraste de colores. Los zapatos del Metropolitan reposan sobre un suelo de baldosas... por lo menos hay un diseño.

"Un par de botas / A pair of boots", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 34 × 41,5 cm., 1887

Museo de Arte de Baltimore (EE.UU. / USA)

Vincent Willem van Gogh (Zundert, Países Bajos, 30 de marzo de 1853 – Auvers-sur-Oise, Francia, 29 de julio de 1890) fue un pintor neerlandés, uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Pintó 900 cuadros (de ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y 1.600 dibujos. La figura central en su vida fue su hermano menor Theo, quien continua y desinteresadamente le prestó apoyo financiero. La gran amistad entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. Para Theo fueron unas 650 de sus 800 cartas conservadas; las otras son correspondencia con amigos y familiares.

"Zapatos / Shoes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45,7 x 55,2 cm., 1888

The Metropolitan Museum of Art, New York

Van Gogh hizo unas cuantas naturalezas muertas con zapatos. Para él, como para muchos de sus contemporáneos, deben haber parecido un símbolo de la dura aunque pintoresca vida de los labriegos.

Información traducida de la ficha de la obra en la web del Museo Van Gogh.

Info in english here, here and here.

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William Adolphe Bouguereau
"Ninfas y Sátiro / Nymphs and Satyr"

"Ninfas y Sátiro / Nymphs and Satyr", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 260 x 180 cm., 1873.

Sterling and Francine Clark Art Institute (Williamstown, Massachussetts, EE.UU./ MA, USA)

La pintura fue exhibida en París en 1873, un año antes de que los impresionistas montaran su primera exhibición. Estuvo en exposición hasta 1901 en el Hoffman House Hotel (New York City) hasta 1901, cuando fue adquirida y guardada en un depósito; el comprador esperaba mantener su contenido "ofensivo" fuera de la vista del público. 

Robert Sterling Clark descubrió la pieza almacenada y la compró en 1942. Actualmente está en exhibición en el Clark Art Institute, en Williamstown, Massachusetts. 

Ambientada en un estanque aislado, la pintura representa un grupo de ninfas bañándose que capturan a un lascivo sátiro qu elas estaba espiando. Las cuatro tiran de él para darle un remojón, una de ellas con una sola mano, mientras con la otra invita al resto de las ninfas a unirse a la diversión.

Info in english here.

Sensualidad notable esta obra. Además de la habitual maestría de Bouguereau para la composición, la pintura de los cuerpos, las texturas, el color de las pieles y la luz, la escena es de puro regocijo. Las ninfas tienen una actitud tan fresca y juguetona arrastrando al sátiro que dan más ganas aún de unirse a la fiesta. Vi una reproducción a tamaño natural de la obra en el Museo Dalí de Figueres y es una auténtica maravilla.

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John Everett Millais
"Ofelia / Ophelia"

"Ofelia / Ophelia", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 × 111,8 cm., 1851-52
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). Wikipedia

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La pintura representa a Ofelia, un personaje de "Hamlet" de Shakespeare, cantando mientras flota en el río, justo antes de hundirse. La escena se describe en el Acto IV, Escena VIII de la obra, en un discurso de la Reina Gertrude.

El episodio representado no se ve en escena, pero existe a través de la descripción de Gertrude. Ofelia ha caído al río desde un árbol inclinado, mientras recogía flores. Yace sobre el agua cantando, como si no fuera consciente del peligro ("incapable of her own distress"). Sus ropas, hechidas por el aire, le permiten mantenerse temporalmente a flote ("Her clothes spread wide, / And, mermaid-like, awhile they bore her up."). Pero eventualmente, ("sus prendas, pesadas por el agua que las ha empapado, arrastran a la pobre desgraciada desde su melodiosa canción... hacia la muerte cubierta de lodo")

Sir John Everett Millais (Southampton, (Reino Unido), 8 de junio de 1829 – Londres, 13 de agosto de 1896), fue un pintor e ilustrador británico, uno de los miembros fundadores de la Hermandad Prerrafaelita.

"Ofelia / Ophelia" (detalle / detail)

Es increíble cómo Millais se las arregla para que algo tan triste como esa muerta abúlica y lánguida resulte tan colorida y amena. Sin duda el mérito de este efecto se lo lleva el paisaje por el fino detalle de la vegetación y las tonalidades de las flores. Parece una fiesta en el bosque, pero el realismo del rostro y la expresión casi de trance de Ofelia son un capítulo aparte. Esas manos entre la súplica y el abandono me resultan extremadamente expresivas.
Info in english here and here.

John Everett Millais en "El Hurgador" / in this blog:
[Mujeres al pincel (XIX)], [Aniversarios (LXXIV)], [Recolección (LXXVIII)]