Nueva entrevista de Shirley Rebuffo, gracias a la cual regresamos a Uruguay para disfrutar con la obra de Diego Píriz, pintor figurativo que trabaja con óleos creando cuadros casi monocromáticos, con recurrentes referencias a otros artistas, y donde lo relevante son los paisajes y ambientes, más que los contados personajes, muchas veces poco más que accesorios complementarios en los espacios y atmósferas en los que busca introducir al espectador.
Texto en inglés al final del post.
New interview by Shirley Rebuffo, thanks to which we return to Uruguay to enjoy the work of Diego Píriz, figurative painter who works with oils creating almost monochromatic pictures, with recurring references to other artists, and where the relevant are the landscapes and environments, rather than the few characters, often little more than complementary accessories in the spaces and atmospheres in which he seeks to introduce the viewer.
Text in English at the end of this post.
_____________________________________________________________
Diego Píriz
(Montevideo, Uruguay, 1966-)
Diego frente a su obra "Mañana en una ciudad" / in front of his work "Morning in a City"
Diego Píriz nace en 1966 en Montevideo, Uruguay.
Entre 1985 y 1989 estudia en la Facultad de Arquitectura, y entre 1988 y 1990 en la Escuela Nacional de Bellas Artes. También practica grabado en metal con el Profesor Anhelo Hernández (1989 y 1991).
Continuando con su búsqueda, entre 1990 y 1992 se forma en Escenografía teatral con Carlos Carvalho. Como alternativa al paradigma de las "grandes profesiones" y a la carrera profesional que ya era de familia, comienza a hacer artesanías.
Su obra presenta un desafío de la imagen-movimiento, donde el artista nos obliga a detenernos y contemplar desde otra velocidad; lo suyo es un stop, una parada. Sus imágenes se alimentan del vínculo con la cinematografía, la arquitectura y el cómic. Utiliza tonalidades bajas y acentos eróticos. La sociedad contemporánea está focalizada en su obra a través de la soledad individual y la llegada de un peligro inminente.
"Mañana en una ciudad / Morning in a City", óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 120 cm., 2019
Colección particular / Private Collection, Montevideo, Uruguay
"Desnudo bajando la escalera / Nude Going Down The Stairs"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 170 cm., 2016
Colección del artista / Artist's Collection
Obra seleccionada para los premios expositivos "Temporada 3" Subte Municipal (2016) /
Work selected for the exhibition awards "Season 3" Subte Municipal (2016)
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: Tu entrada al mundo de las artes fue un poco "tangencial". ¿Podrías referirte a esos comienzos?
Diego Píriz: Recordar los comienzos siempre es una tarea agradable, es un ejercicio de interpretaciones y reflexiones que podría centrarse desde la historia individual, pero quiero interpretarla desde la influencia de un contexto histórico, social y familiar, y la influencia de este contexto en un individuo con inquietudes hacia actividades artísticas. Dentro de aquellas con las que tenía afinidad en mi juventud estaban el dibujo, principalmente con tinta y acuarela, la fotografía y la arquitectura. De hecho estudiaba arquitectura, continuando un mandato social y familiar, cuando me decidí a abandonar los estudios académicos para dedicarme a la pintura.
Fue como un salto al vacío. Comencé viviendo en talleres con artesanos, artistas, músicos, o estudiantes de Bellas Artes. También a visitar exposiciones, a asistir a las clases de Bellas Artes, a quedarme toda la noche pintando mis acuarelas y tarjetas, que en un principio vendía a fin de año, en una importante feria del libro y la artesanía que organizaba la poeta Nancy Bacelo.
"La visita / The Visit", óleo sobre tela / oil on canvas, 140 x 100 cm., 2016
Colección particular, Nueva York, EE.UU./ Private Collection, NY, USA
"La noche / The Night", óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 130 cm., 2007
Colección del artista / Artist's Collection
SR: Has comenzado con la acuarela como técnica. ¿Cómo fue esa transición hacia el óleo y el realismo?
DP: Continuando con mis investigaciones desde el dibujo y la acuarela, material con el que me sentía familiarizado desde un principio, y que ya comenzaba a comercializar en algunas galerías.
Sentí que tenía que comenzar a estudiar pintura con artistas referentes, y poder encontrarme con formatos de obras mayores. Al principio estudié Escenografía con Carlos Carvalho, y luego grabado en metal con Anhelo Hernández, cuyo taller visitaba y lo veía trabajando. Sabiendo que había concurrido a las clases que Joaquín Torres-García daba en su prestigioso taller, le pregunté a Anhelo: ¿qué era lo les decía Don Joaquín? Él empezó a gesticular con los brazos y con las manos, trasladando medidas y proporciones, recordando principalmente que lo que les decía Torres-García era sobre la importancia de la medida. De corroborar, de medir, de proporcionar.
La influencia de Torres-García en el arte uruguayo y, especialmente, en las generaciones anteriores a la mía, era muy nítida. Unos años después comencé a visitar el taller del artista Ignacio Iturria, iniciando un diálogo sobre pintura con muy buenos resultados y aprendizajes. La presencia de la medida y de la composición, con sus corroboraciones, también está muy presente en la obra de Iturria. Y él pudo transmitírmelo con muy buenos ejemplos. Lo recuerdo muy bien explayándose sobre este tema. Fue en el año 1995: él regresaba de la Bienal de Venecia, donde había recibido un importante premio por su participación. Recorría su taller buscando ejemplos: bocetos, obras sin terminar. Moviendo los brazos y las manos, dividiendo y componiendo la superficie imaginaria.
"Amanecer / Dawn", óleo sobre tela / oil on canvas, 80 x 116 cm., 2021
Colección del artista / Artist's Collection
"Niebla del riachuelo / Fog From the Creek", óleo sobre tela / oil on canvas, 89 x 116 cm., 2015
SR: Y también has disfrutado jugando con los cómics en tus obras…
DP: De los cómics fui aprendiendo a sintetizar, a componer las viñetas, que representan distintos tiempos, construyendo una traducción de lenguajes: gráfico-pictórico, dibujo-materia, humor-significado. Lo que en la historieta es humor, en el mundo del arte puede adquirir otras significaciones y reflexiones que cambian el sentido. En las fructíferas conversaciones que pude tener con Jorge Abbondanza, y con un texto que escribió sobre mi obra de aquella época, pude encontrar una guía en la búsqueda de sentido para mi trabajo. El sentido prolifera, se bifurca, cuando cambiamos los contextos. Trabajando esta temática fue que tuve mis primeros reconocimientos públicos: obtuve la mención en el premio para Arte joven Mercosur, en ArteBA, y expuse individualmente en la Galería Thomas Cohn de San Pablo donde, en años posteriores, volvería a exponer pero con otras temáticas.
SR: Tienes muchas obras donde la intimidad está formada por luz y espacio, y en las que, si aparece algún personaje, es mero adorno. ¿Cómo instrumentas esas obras?
DP: Las obras de interiores, donde no aparecen personajes, están centradas en la observación de los objetos, en las intensidades de la luz, en enfatizar ciertos detalles. Busco expresarme por medio de las conexiones que generan esos objetos en la intimidad del espectador. Muchas veces sugiero citas con artistas, conectando diálogos, como si nos habláramos en secreto. Intentando encontrar ese momento de conexión, con el silencio y la intimidad poética. En mi última serie "Las bañistas", premiada en el 50 Premio Montevideo 2021, el diálogo nace con pinturas de Petrona Viera.
"La espera / The Wait", óleo sobre tela / oil on canvas, 116 x 89 cm., 2020
Colección particular / Private Collection, Montevideo, Uruguay
Bañistas / Bathers
"Bañistas 1 / Bathers 1", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 160 cm., 2021
"El título del proyecto hace referencia a obras de la pintora uruguaya Petrona Viera. Uno de los disparadores para la realización fue encontrar una de las pinturas de esta artista, recreada en la película Historias de Verano (Gabriela Guillermo, Irina Raffo, Uruguay, 2020). En ella, las autoras encuentran, posiblemente, la misma locación que años atrás utilizó Petrona Viera como referencia. Las obras fueron realizadas entre los años 1936-37 según el relato de Raquel Pereda (1987, p,148), quien escribe sobre esta serie de bañistas de la artista: "Es la luz, además de los colores, el otro factor determinante en la obra. Luz invasora,…. que se filtra en los cuerpos, en la arena, que penetra en el mar…" (p, 155).
Este proyecto fue realizado tomando como imágenes de origen las obras de Petrona Viera, resignificándolas en un nuevo contexto, buscando su supervivencia. Para ello realizo montajes pictóricos dentro de dos espacios interiores, produciendo un juego de asociaciones libres, con otros estilos, autores, y disciplinas, dentro de la arquitectura, el diseño, la escultura, el grabado, la fotografía y el cine, con la luz como componente dialógico, el leitmotiv unificador."
Bibliografía
Guillermo, G. Raffo, I. "Historias de verano", película, 60 m. Cinemateca Uruguaya, Uruguay, 2020
Pereda, R., "El Planismo y Petrona Viera", Ed. Galería Latina., 1987
Petrona Viera
(Montevideo, Uruguay, 1895 - 1960)
"Bañistas / Bathers", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 59 x 80 cm.
Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay)
"Bañistas 2 / Bathers 2", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 160 cm., 2021
"The title of the project refers to works by the Uruguayan painter Petrona Viera. One of the triggers for the realization was to find one of the paintings of this artist, recreated in the film Historias de Verano (Gabriela Guillermo, Irina Raffo, Uruguay, 2020). In it, the authors found, possibly, the same location that years ago Petrona Viera used as a reference. The works were made between 1936-37 according to Raquel Pereda (1987, p.148), who writes about this series of bathers by the artist: "It is the light, in addition to the colors, the other determining factor in the work. Invasive light,.... that filters into the bodies, into the sand, that penetrates the sea..." (p, 155).
This project was carried out taking as source images the works of Petrona Viera, resignifying them in a new context, looking for their survival. To do so, I made pictorial assemblages within two interior spaces, producing a game of free associations, with other styles, authors, and disciplines, within architecture, design, sculpture, engraving, photography and cinema, with light as a dialogical component, the unifying leitmotiv".
Bibliography
Guillermo, G. Raffo, I. "Summer Stories", film, 60 m. Cinemateca Uruguaya, Uruguay, 2020.
Pereda, R., "The Planism and Petrona Viera", Ed. Galería Latina, 1987.
Petrona Viera
(Montevideo, Uruguay, 1895 - 1960)
"Bañistas / Bathers", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 60 x 81 cm.
Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay)
Tercer premio adquisición , Carlos Engelman. 50 Premio Montevideo Centro de exposiciones Subte.
Las obras serán parte de la Colección permanente del Museo Blanes.
Third prize acquisition, Carlos Engelman. 50th Prize Montevideo Subte Exhibition Center.
The works will be part of the permanent collection of the Blanes Museum.
___________________________________________________________
SR: ¿Qué temáticas son las que más te gustan?
DP: Mis temas preferidos son los que tienen que ver con el cine y las artes que se van asociando a la imagen-movimiento: la fotografía y la pintura. En el desarrollo del cine y la fotografía se puede ver cómo la mujer fue ganado protagonismo en la escena. Pasa de una imagen angelical y moralista, a una femme fatal con sus propios derechos. Esta transformación me interesa, me resulta atractiva. Pero siempre que se presente unida, con los climas que se puedan sugerir y recrear. El fotograma de partida es el que me resulte más bello, que por lo general es el que me plantea un cuestionamiento, una búsqueda en mi interior. Me interesa entrar en ese cuarto oscuro donde se va a prender el proyector, y donde poco a poco vamos soltando las amarras de nuestra conciencia, dejándonos llevar por lo que se va a proyectar. Con una expectativa creciente por el encuentro con la intimidad, con la conexión con las intensidades de la memoria. Cuando encuentro ese fotograma suspendo la búsqueda, lo atrapo y lo comienzo a analiza. Coincido con Barthes (1) en "el interés del fotograma". Si la película continuara no tendríamos tiempo para el análisis. La sociedad contemporánea no puede detenerse, y estar largo tiempo observando, y trabajando, sobre una imagen puntual de su pasado, es una forma de interrogarla.
SR: Tienes además obras en las que se manifiesta tu admiración en un diálogo con Hopper, donde Nueva York se sustituye por Montevideo. ¿Podrías contarnos algo de ellas?
DP: Estudiando la obra de Hopper pude conectar con la intensidad del tiempo. La intensidad o "la fuerza del tiempo", como la denomina Deleuze (2), es lo que determina que el tiempo no sea siempre el mismo, lineal y único, sino que hay en él intensidades, bifurcaciones, momentos de intimidad poética, de belleza. Observando la obra de Hopper uno puede percibir cómo el artista logra expresar intensidades. En las intimidades encuentra los lugares y los personajes en su momento ideal para este objetivo. La influencia de Hopper está presente en varias de mis obras.
"Dos ventanas / Two Windows", óleo sobre tela / oil on canvas, 130 x 100 cm., 2017
"En una ciudad / In a City", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 130 cm., 2020
Colección particular / Private Collection, Montevideo, Uruguay
SR: ¿Qué es lo que más te gusta del oficio?
DP: Creo que en mi caso el vínculo con la imagen, que viene de mi familia. Tanto mi madre como mi padre nos educaron en el vínculo con el placer por lo visual. Y también en el sentido de que producir belleza visual puede ser importante desde el punto de vista humano. Mi madre nos hablaba de los grandes pintores como si fueran héroes de lo humano, que habían entregado su vida al arte y a la belleza. La imagen que tengo de mi padre es dibujando proyectos de arquitectura, pero también sacando fotografías que se revelaban en blanco y negro, o se mostraban en un cuarto oscuro, iluminado por el proyector de las diapositivas. A veces el proyector se recalentaba, y con mis hermanos quedábamos ansiosos hasta que se reanudara la función. Creo que de ahí surgen varias respuestas a mis preferencias actuales: el vínculo con la pintura, con la fotografía, con el cine y con la arquitectura. Elementos que siempre están presentes en mis obras.
Pintar es, para mí, acercarse a esos momentos de intimidad, de placer visual, de belleza. Mis preferencias están en detener esos momentos en la película. Encontrar en ese cuarto oscuro el fotograma con mayor intensidad, y trabajarlo con mis elementos, con mi tiempo. Alterarlo, agregar, sacar, sintetizar, traducir, cambiar de lenguaje. Entrar en contacto con otras materias, que son el óleo, el aceite, el aguarrás, la tela, los pinceles. Hacer pasar la imagen por un desarrollo temporal, donde la imperfección y la subjetividad del dibujo manual se van concatenando en sucesivos momentos de reflexión. Plantear montajes alternativos que van a alterar el sentido de la imagen. Dialogar, modificar el contexto. Abrir nuevas reflexiones.
"Mañana en la ciudad 2 / Morning in the City 2", óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 120 cm., 2019
"Río de Janeiro", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 160 cm., 2022
Colección del artista / Artist's Collection
SR: ¿Qué es lo que más te enorgullece de tu carrera artística hasta ahora?
DP: Con lo que me siento a gusto es que nunca deje cuestionarme sobre qué es lo que busco como artista. Busco la belleza. ¿Pero, dónde la encuentro? ¿Qué es para mí lo bello? ¿Acaso puedo transmitirlo? ¿Acaso alguien me entiende? Siento que tuve "aciertos" cuando logré exposiciones internacionales en San Pablo o en Buenos Aires, o cuando muy recientemente a fin del año pasado me dieron el tercer premio en el Salón Municipal. Ese reconocimiento es importante, y me enorgullece haber sido interpretado. Sentir que iba por buen camino en esa búsqueda constante de intensidades, de conexiones, de comunicar, de aportar reflexiones.
"El sueño de Sofía / Sofia's Dream", óleo sobre tela / oil on canvas, 116 x 80 cm., 2016
Colección del artista / Artist's Collection
"Pensando en tí / Thinking of You", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 170 cm., 2014
SR: ¿En qué te sientes comprometido como artista?
DP: Dedicarse al arte es estar continuamente en la búsqueda de sentido, en varias direcciones. En la búsqueda de la belleza: de algo que nos conmueva, que nos movilice. Pero también que tenga sentido en esta época, en este contexto social e histórico. La búsqueda de la belleza es una tarea reflexiva: primero es cuestionarse ¿qué es lo bello en esta época, en este contexto? ¿Qué puedo aportar yo desde mi actividad como pintor, desde mi sensibilidad y experiencia, a esta búsqueda colectiva de lo bello? Encontrar una respuesta personal a la pregunta planteada. Es por acá, para mí lo bello es esto, es encontrarme en esta zona, y trabajar desde estas intensidades. Este es mi aporte a la belleza de una época que intensifica el tiempo de los espectadores. Los artistas somos poetas, buscamos en nuestras subjetividades, intensidades, y esto es muy necesario en una sociedad que se vuelve cada vez más tecnocrática y deshumanizada. Humanizar es uno de los compromisos del artista. Esto implica, interrogarse, ser crítico, ser movilizador, conmover, ser conscientes de un contexto histórico, y encontrar la belleza necesaria.
"Interior", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 160 cm., 2021
"Cerca del mar / Close to the Sea", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 90 cm., 2019
Colección particular, EE.UU./ Private Collection, USA
SR: ¿Te resulta satisfactorio enseñar?
DP: En esa búsqueda de sentido, enseñar y aprender es una respuesta. Encuentro sentido practicando la enseñanza artística, trabajo con niños en la escuela pública, y también con estudiantes especializados en arte y pintura en la Escuela de Arte Casablanca. El ejercicio didáctico es saber interpretar y conectar los diferentes conocimientos con los distintos contextos. En un juego de interpretaciones donde el docente es un vínculo, un guía con los conocimientos.
Este juego de adaptaciones didácticas a distintos contextos, y de abrir las posibilidades de diferentes interpretaciones, enriquece el hacer artístico. Me ayuda a ser más comunicativo, a pensar desde el otro, desde el espectador. Ver y verse a sí mismo: dos miradas que posibilitan la producción.
"El jardín / The Garden", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 130 cm., 2017
"La piscina / The Pool", óleo sobre tela / oil on canvas, 116 x 140 cm., 2011
Colección del artista / Artist's Collection
SR: Y para el futuro, ¿qué tienes pensado?
DP: La idea es continuar trabajando, continuar aprendiendo, en estas direcciones señaladas. Mejorando y/o variando las propuestas. Continúo desarrollando los formatos grandes, continúo mejorando la técnica, mejorando el ensamblaje de imágenes que vienen de distintas fuentes lumínicas y de distintas escalas. Saber combinar los lenguajes, las referencias. Cuando miro hacia atrás y veo lo que estoy pintando ahora, creo que el crecimiento artístico es continuo. Que voy madurando el discurso a fuerza de autocríticas y de continuar estudiando. No siempre alcanza con ser autodidacta y tener facilidad para expresarse. De hecho, desde hace unos años, decidí retomar los estudios académicos. Estoy terminado cuarto año de comunicación visual en el IPA [Instituto de Profesores Artigas]. Esto me sirvió para obtener la efectividad como docente de arte en la escuela pública, CEIP [Consejo de la Educación Inicial y Primaria], y para aclarar mis ideas como docente de pintura y arte en Casablanca. La educación permanente, acompañada por la práctica constante del oficio, me permite enriquecer la propuesta artística.
"Paisaje de Nueva York / New York Landscape", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 140 cm., 2017
"La belle Noiseuse", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 150., 2021
Colección particular/ Private Collection, Montevideo, Uruguay
_______________________________________________________
(1) Barthes, Roland, "La cámara lúcida". Ed. Paidós. Barcelona., 1989
(2) Deleuze, Gilles, "Cine III. Potencias de lo Falso", Ed. Cactus. B.A., 2018
Sobre los artistas y autores mencionados / About mentioned artists and authors:
Nancy Bacelo: Wikipedia
Carlos "Uca" Carvalho: La diaria Cultura
Anhelo Hernández Ríos: Wikipedia
Ignacio Iturria: [Uruguayos (VI)], [Recolección (XIV)], [Rinocerontes (LXIX)], [Ventanas (III)]
Jorge Abbondanza: [Parques de esculturas (II)]
Thomas Michael Siegried Cohn: ArtNexus
Petrona Viera: [Uruguayos (VII)], [Recolección (CXLVI-1)], [Ventanas (III)]
Joaquín Torres-García:
________________________________________________________
Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
________________________________________________________
Texto en inglés / Text in English
Diego Píriz was born in 1966 in Montevideo, Uruguay.
Between 1985 and 1989 he studied at the Faculty of Architecture, and between 1988 and 1990 at the National School of Fine Arts. He also practiced metal engraving with Professor Anhelo Hernández (1989 and 1991).
Continuing with his search, between 1990 and 1992 he studied theatrical scenography with Carlos Carvalho. As an alternative to the paradigm of the "great professions" and to the professional career that was already in his family, he begins to make handicrafts.
His work presents a challenge of the image-movement, where the artist forces us to stop and contemplate from another speed; is a stop. His images are nourished by the link with cinematography, architecture and comics. He uses low tonalities and erotic accents. Contemporary society is focused in his work through individual loneliness and the arrival of an imminent danger.
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: Your entry into the world of the arts was a bit "tangential". Could you refer to those beginnings?
Diego Píriz: Remembering the beginnings is always a pleasant task, it is an exercise of interpretations and reflections that could be focused from the individual history, but I want to interpret it from the influence of a historical, social and family context, and the influence of this context in an individual with concerns towards artistic activities. Among those with which I had an affinity in my youth were drawing, mainly with ink and watercolor, photography, and architecture. In fact, I was studying architecture, following a social and family mandate, when I decided to abandon my academic studies to dedicate myself to painting.
It was like a leap into the void. I started living in workshops with artisans, artists, musicians, or students of Fine Arts. Also to visit exhibitions, to attend Fine Arts classes, to stay up all night painting my watercolors and cards, which at the beginning I sold at the end of the year, in an important book and craft fair organized by the poet Nancy Bacelo.
SR: You started with the watercolor technique. How was that transition to oil and realism?
DP: Continuing with my research from drawing and watercolor, a material with which I felt familiar from the beginning, and which I was already beginning to market in some galleries.
I felt that I had to start studying painting with referent artists, and to be able to find myself with larger formats of works. At first I studied Scenography with Carlos Carvalho, and then metal engraving with Anhelo Hernández, whose workshop I used to visit and see him working. Knowing that I had attended the classes that Joaquín Torres-García gave in his prestigious workshop, I asked Anhelo: What was it that Don Joaquín was telling them? He began to gesture with his arms and hands, transferring measurements and proportions, remembering mainly that what Torres-García was telling them was about the importance of measurement. To corroborate, to measure, to provide.
Torres-García's influence on Uruguayan art, and especially on the generations before mine, was very clear. Some years later I began to visit the studio of the artist Ignacio Iturria, initiating a dialogue on painting with very good results and learning. The presence of measurement and composition, with its corroborations, is also very present in Iturria's work. And he was able to transmit it to me with very good examples. I remember him very well elaborating on this subject. It was in 1995: he was returning from the Venice Biennale, where he had received an important prize for his participation. He was going around his studio looking for examples: sketches, unfinished works. Moving his arms and hands, dividing and composing the imaginary surface.
SR: And you've also enjoyed playing with comics in your works...
DP: From the comics I learned to synthesize, to compose the cartoons, which represent different times, building a translation of languages: graphic-pictorial, drawing-matter, humor-meaning. What in the comic strip is humor, in the world of art can acquire other meanings and reflections that change the sense. In the fruitful conversations I was able to have with Jorge Abbondanza, and with a text he wrote about my work at that time, I was able to find a guide in the search for meaning in my work. Meaning proliferates, bifurcates, when we change contexts. It was by working on this theme that I received my first public recognition: I received a mention in the award for Young Mercosur Art at ArteBA, and I had a solo exhibition at the Thomas Cohn Gallery in Sao Paulo where, in later years, I would exhibit again, but with other themes.
SR: You have many works where the intimacy is formed by light and space, and in which, if any character appears, it is mere decoration. How do you instrument those works?
DP: The interior works, where no characters appear, are focused on the observation of objects, on the intensities of light, on emphasizing certain details. I seek to express myself through the connections that these objects generate in the viewer's intimacy. Many times I suggest appointments with artists, connecting dialogues, as if we were talking to each other in secret. Trying to find that moment of connection, with silence and poetic intimacy. In my last series "Las bañistas (The Bathers)", awarded in the 50th Montevideo 2021 Award, the dialogue is born with paintings by Petrona Viera.
SR: What themes do you like the most?
DP: My favorite themes are those that have to do with cinema and the arts that are associated with the image-movement: photography and painting. In the development of cinema and photography you can see how women have gained prominence in the scene. She goes from an angelic and moralistic image to a femme fatale with her own rights. This transformation interests me, I find it attractive. But as long as it is presented together, with the climates that can be suggested and recreated. The starting frame is the one I find most beautiful, which is usually the one that raises a question, a search within myself. I am interested in entering that dark room where the projector is going to be turned on, and where little by little we let go of our conscience, letting ourselves be carried away by what is going to be projected. With a growing expectation for the encounter with intimacy, with the connection with the intensities of memory. When I find that frame I suspend the search, I catch it and begin to analyze it. I agree with Barthes (1) in "the interest of the frame". If the film would continue we would not have time for analysis. Contemporary society cannot stop, and to spend a long time observing and working on a specific image of its past is a way of interrogating it.
SR: You also have works in which your admiration is manifested in a dialogue with Hopper, where New York is replaced by Montevideo. Could you tell us something about them?
DP: Studying Hopper's work I was able to connect with the intensity of time. Intensity or "the force of time", as Deleuze calls it (2), is what determines that time is not always the same, linear and unique, but that there are in it intensities, bifurcations, moments of poetic intimacy, of beauty. Observing Hopper's work, one can perceive how the artist manages to express intensities. In the intimacies he finds the places and the characters at the ideal moment for this purpose. Hopper's influence is present in several of my works.
SR: What do you like most about the profession?
DP: I think in my case the link with the image, which comes from my family. Both my mother and my father educated us in the link with the pleasure for the visual. And also in the sense that producing visual beauty can be important from a human point of view. My mother talked to us about the great painters as if they were heroes of the human, who had given their lives to art and beauty. The image I have of my father is drawing architectural projects, but also taking photographs that were developed in black and white, or shown in a dark room, illuminated by the slide projector. Sometimes the projector would overheat, and my brothers and I would wait anxiously for the show to resume. I think that this is the origin of several answers to my current preferences: the link with painting, with photography, with cinema and with architecture. Elements that are always present in my works.
Painting is, for me, to approach those moments of intimacy, of visual pleasure, of beauty. My preference is to stop those moments on film. To find in that dark room the frame with the greatest intensity, and to work it with my elements, with my time. Alter it, add, take out, synthesize, translate, change language. To come into contact with other materials, such as oil, turpentine, canvas, brushes. To make the image go through a temporal development, where the imperfection and subjectivity of the manual drawing are concatenated in successive moments of reflection. To propose alternative assemblies that will alter the meaning of the image. To dialogue, to modify the context. To open new reflections.
SR: What are you most proud of in your artistic career so far?
DP: What I feel comfortable with is that I never stop questioning myself about what I am looking for as an artist. I look for beauty, but where do I find it? What is beauty for me? Can I transmit it? Does anyone understand me? I feel that I had "successes" when I achieved international exhibitions in Sao Paulo or in Buenos Aires, or when very recently at the end of last year I was awarded the third prize in the Municipal Salon. That recognition is important, and I am proud to have been interpreted. I felt that I was on the right track in this constant search for intensities, connections, communication, and reflections.
SR: What do you feel committed to as an artist?
DP: To dedicate oneself to art is to be continually in search of meaning, in various directions. In the search for beauty: for something that moves us, that mobilizes us. But also something that makes sense in this time, in this social and historical context. The search for beauty is a reflective task: first, we must ask ourselves what is beautiful in this time, in this context, what can I contribute from my activity as a painter, from my sensibility and experience, to this collective search for beauty? To find a personal answer to the question posed. It is this way, for me the beautiful is this, it is to find myself in this zone, and to work from these intensities. This is my contribution to the beauty of an era that intensifies the time of the spectators. We artists are poets, we search in our subjectivities, intensities, and this is very necessary in a society that is becoming more and more technocratic and dehumanized. Humanizing is one of the artist's commitments. This implies, to question oneself, to be critical, to be mobilizing, to move, to be aware of a historical context, and to find the necessary beauty.
SR: Is it satisfying to teach?
DP: In that search for meaning, teaching and learning is an answer. I find meaning practicing art teaching, I work with children in public school, and also with students specialized in art and painting at the Casablanca School of Art. The didactic exercise is to know how to interpret and connect different knowledge with different contexts. In a game of interpretations where the teacher is a link, a guide with the knowledge.
This game of didactic adaptations to different contexts, and of opening the possibilities of different interpretations, enriches the artistic work. It helps me to be more communicative, to think from the other, from the spectator. Seeing and seeing oneself: two views that make production possible.
SR: And for the future, what do you have in mind?
DP: The idea is to continue working, to continue learning, in these directions. Improving and/or varying the proposals. I continue developing large formats, I continue improving the technique, improving the assembly of images that come from different light sources and different scales. Knowing how to combine languages, references. When I look back and see what I am painting now, I believe that artistic growth is continuous. That I am maturing the discourse by dint of self-criticism and continuing to study. It is not always enough to be self-taught and to have the facility to express oneself. In fact, a few years ago, I decided to resume my academic studies. I am finishing my fourth year of visual communication at the IPA [Instituto de Profesores Artigas]. This helped me to become an effective art teacher in the public school, CEIP [Consejo de la Educación Inicial y Primaria], and to clarify my ideas as a teacher of painting and art in Casablanca. Continuing education, accompanied by the constant practice of the craft, allows me to enrich the artistic proposal.
(1) Barthes, Roland, "The Lucid Camera". Ed. Paidós. Barcelona., 1989
(2) Deleuze, Gilles, "Cinema III. Powers of the False". Ed. Cactus. B.A., 2018
