Utilizando la figuración realista plasmada en retratos y desnudos, Verónica Cestau explora cuestiones relacionadas con la identidad, la sexualidad, la libertad, y homenajea a sus referentes y favoritos artísticos, musicales y cinematográficos. Gracias a esta nueva entrevista de Shirley Rebuffo nos aproximamos a la obra e ideas artísticas de esta singular creadora uruguaya.
Using realistic figuration in portraits and nudes, Verónica Cestau explores issues related to identity, sexuality, freedom, and pays tribute to her artistic, musical and cinematographic references and favorites.. Thanks to this new interview by Shirley Rebuffo we approach the work and artistic ideas of this singular Uruguayan creator.
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Verónica Cestau
(Montevideo, Uruguay, 1972-)
Verónica en su estudio trabajando en el retrato de Mick Jagger /
at work in her Studio with Mick Jagger's portrait
Verónica Cestau es una artista uruguaya nacida en Montevideo el 24 de marzo de 1972.
Desde 1988 asiste a los talleres de Edgardo Ribeiro, Norman Bottrill y Joaquín Aroztegui. A partir de 1992 estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde cursa hasta el año 2000. Trabaja en publicidad como diseñadora en diversas agencias publicitarias de primera línea y también se desempeña en empresas multimedia como ilustradora y animadora 2D.
En 2009 abre su taller y dicta clases.
Sus obras integran colecciones privadas de Uruguay, Argentina, Brasil, República Dominicana, Costa Rica, España, Italia, Francia, Alemania, Suecia, Rusia, Arabia Saudí, Malasia, Puerto Rico y Estados Unidos.
"Mick Jagger" (I know it's only rock & roll but I like it...)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 50 cm.
Mick Jagger en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
Serie "Convivencia" / Living Together Series - "Los amantes / Lovers"
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Cómo fue tu experiencia artística en Europa?
Verónica Cestau: A los 23 años viajé a Palma de Mallorca dado que mi hermana vivía allí, y me quedé unos meses. Fue un viaje increíble que me dio otra perspectiva del mundo y de Uruguay. Seguramente en un empuje nostálgico, o tal vez el querer afirmar una identidad cultural, empecé a pintar cuadros de Candombe (*) (tema que luego trabajé durante mucho tiempo). Se me ocurrió preguntar en una tienda llamada Georgeville, dedicada pequeñas esculturas de origen africano, cuadros y otros, si me tomarían mi trabajo a consignación. Enseguida me dijeron que sí. Quedaba en Cala Mayor, un lugar de ensueño con una playa hermosa de aguas turquesas. Al mismo tiempo fui a algunas inauguraciones de muestras, relacionándome con muchos artistas jóvenes. En ese momento pensé que no era difícil entrar en el circuito artístico, pero yo también era muy joven, mi cabeza estaba más en disfrutar el momento y pensar que la oportunidad de viajar nuevamente iba a estar a la vuelta de la esquina y bueno, no concreté nada, solo probé un poco.
Años después expuse en la embajada de Francia, pero fue por medio de una galería en la que trabajaba; yo no viajé, fueron solo las obras.
Creo que no es tan fácil entrar al mercado europeo si no vivís ahí.
(*) El candombe es un estilo de música y danza que se originó en Uruguay entre los descendientes de los esclavos africanos liberados. En 2009, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) inscribió el candombe en su Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
En menor medida, el candombe se practica también en Argentina, Paraguay y Brasil.
Este estilo musical uruguayo se basa en tres tambores diferentes: chico, repique y piano. Suele tocarse en febrero, durante el carnaval de Montevideo, en los desfiles de baile denominados "Llamadas" y el desfile inaugural del carnaval. Wikipedia
SR: ¿Tuviste maestros que te impulsaron en tu oficio?
VC: Si, todos los maestros y profesores que he tenido (y fueron varios, no menos de seis, entre talleres y Bellas Artes) me impulsaron, me alentaron y me hicieron sentir que tenía talento, sin regalarme elogios y realizando la crítica necesaria. Creo que eso es formidable para una persona que se está formando.
Serie "Candombe"
Serie "Libertad" / Freedom Series
SR: ¿Qué emociones fluyen dentro de ti al darle vida a un lienzo?
VC: ¡Pah… todas! ¡Jajaja! ¡No exagero! Imagínate. Estás muchos días todo el tiempo haciendo algo, y mientras también te pasan cosas a otros niveles, familiar, afectivo, laboral y existencialmente, es inevitable que transites por diferentes estados de ánimo, ahí sentada pintando. Paralelamente estás dialogando con una imagen. La pintura, que en mi caso es un ser humano sí o sí me está diciendo algo, me está contando algo, entonces surgen todo tipo de cuestionamientos, más preguntas que respuestas, y cuando sentís que estás en la pintura es una satisfacción inexplicable que no se iguala a nada.
SR: Háblanos sobre tu estilo en particular y de cómo llegaste a él.
VC: Como te contaba fui a muchos talleres. El primero fue muy importante. el profesor era Edgardo Ribeiro Nario, de la escuela de Torres-García. Había allí mucha disciplina, mucho estudio del natural, los pasos estaban bien definidos y no había lugar para los ansiosos que solo querían poner color. Mucho dibujo, mucho estudio de valor antes de la pintura. Una vez en la pintura, también mucho ejercicio de observación y síntesis. Después los distintos talleres me aportaron enseñanzas valiosas.
La escuela Nacional de Bellas Artes también fue muy importante. Al principio sólo me interesaba la pintura clásica, un poco por gusto, otro poco por desconocimiento; en mi familia nadie tenía nada que ver con el arte, y entonces en la Escuela se me presentó el mundo del arte del siglo XX, que es alucinante. Pienso que esa formación teórica, junto con las experiencias sensoriales, permiten ser mucho más permeable a los acontecimientos que te rodean.
En los '90 también trabajé en publicidad y en un estudio multimedia, dónde hacíamos cuentos animados, con un gran dibujante de cómics, Gerry Fernández, quien me enseñó todo lo que sé del esquema de la anatomía humana. Teníamos que hacer dibujos a partir de la imaginación, con escenas y movimientos desde todos los puntos de vista. Es un trabajo técnico muy grande por más que luego uno lo ve y parece que es facilísimo. La creación de personajes, del carácter, vestuario, escenografía, soltura, credibilidad, significó una escuela gigantesca.
Esas combinaciones, junto con mi fascinación por los seres humanos y un trabajo de búsqueda de un lenguaje constante e incesante, es lo que tal vez hizo que tenga esta forma de trabajar: una combinación entre lo clásico y lo expresivo en temas contemporáneos.
SR: ¿Cómo se construye la memoria y cómo opera?
VC: No trabajo de memoria, si es esa la pregunta. Trabajo con ideas, que las armo en sesiones fotográficas y luego las llevo al lienzo a través del dibujo y la pintura. Es una reinterpretación. El proceso creativo es una sinergia de varios lenguajes: el fotográfico primero y después el pictórico.
"Retrato de / Portrait of Frida"
Serie "Convivencia" / Living Together Series - "La danza del romance / Dance of Romance"
SR: ¿Qué satisfacciones te ha dado la pintura?
VC: Enormes satisfacciones. Por ejemplo, el día que expuse por primera vez. Fue una expo individual, a los 19 años, en un club deportivo, pero con vernissage y todo. Ese fue uno de los días más felices que he tenido. Esa sensación inigualable de que tu vida tiene alguna utilidad, de sentirte valorada por algo que haces con las manos y con el alma, fue hermoso, y un motor increíble para seguir hasta ahora. ¡Han pasado décadas! He tenido muchos momentos enormemente agradables.
Otro ejemplo: cuando Edgardo Ortuño, en aquel momento Diputado de la República, creó el Día del Candombe la Cultura Uruguaya y la Equidad Racial, se hizo un evento en el Palacio Legislativo e hicimos una exposición con otros pintores que abordaban el tema. En el lanzamiento surgieron muchos testimonios de lo que significaba la negritud en el pasado y presente, y tomé conciencia real de las inequidades que sufría la población afro-descendiente: historias de angustia y discriminación, pero también de lucha y resistencia. Fue un gran aprendizaje.
En el año 2019 hice un retrato para el Banco Central. Fue sobre la primera mujer en ocupar el puesto de secretaria general. La satisfacción es que, además, yo fui primera pintora mujer en la galería de autoridades. Un orgullo enorme. La persona que retraté, Elizabeth Oria, es una mujer importante y encantadora, y en seguida estuvimos en sintonía. Yo admiraba su capacidad. Ella fue muy abierta, mostrándose tal cual era. De ahí surgió un retrato muy colorido, como su espíritu, entre muchos trajes y corbatas. Fue muy reconfortante realizar este reconocimiento que refleja no sé si un cambio, pero sí al menos un avance en cuestiones de género y posibilidades de las mujeres en el acceso a lugares de poder.
Hace poco participé en la exposición en el Museo Blanes sobre los desaparecidos en la Dictadura Militar. Me conmovió ver cómo un colectivo de artistas pudo generar algo tan removedor.
He conocido gente maravillosa, colegas increíbles con los que aprendí y aprendo un muchísimo. Gente que me ha abierto puertas, modelos con la que he trabajado con los que también crecí.
A veces suceden cosas sorprendentes. Una vez una persona de origen árabe me compró todos los cuadros de mi estudio, y eran muchísimos, en fin...
SR: ¿Cuánta libertad hay a la hora de retratar tus personajes?
VC: Depende. Si es un retrato por encargo, la libertad es limitada. Hay quienes directamente quieren algo muy realista y lo piden, y otras personas son afines de un abordaje más personal.
Luego, cuando yo elijo los personajes porque hay algo allí que quiero rescatar y guardarme de una persona en particular, la única limitante es conservar el carácter o "el alma" no solo el parecido. Y si se trata de un proyecto personal, la libertad es total, más allá de mi interés de mantener la esencia de los retratados; de esta manera el margen es mucho más grande si la pintura necesita corregirse y tomar otro rumbo.
"Retrato de / Portrait of Frank Zappa"
Serie "Libertad" / Freedom Series
SR: ¿Qué sientes al pintar un espejo que expresa lo cotidiano?
VC: Que está mi vida allí, y tal vez la de mucha gente, pero esencialmente son momentos vividos. Algunos toman el tedio de la rutina y, si me pongo filosófica, el peso de estar vivos y otros muchos instantes más placenteros donde existe la comunicación y el amor.
SR: Más allá de las etapas, ¿crees que hay una constante en tus obras?
VC: Una vez una curadora me dijo que le llamaba la atención que en casi todas mis pinturas hay pocas personas o una sola, eso es una constante: me gusta enfocarme en alguien o en una situación íntima. Mis pinturas son íntimas, incluso cuando hacía la serie de Candombe. Me gusta entrar en los personajes y ver qué hay de mí en ellos, en que me parezco y en que me diferencio. En esencia, saber cuál es la emoción que prevalece.
"Retrato de / Portrait of Lucia"
SR: ¿Cómo es tu espacio de trabajo?
VC: Es bastante amplio. Lo comparto con mis alumnos, lo que hace que a veces tenga que cambiar la "escenografía" del taller según la hora. pero es muy lindo, luminoso y acogedor. Un poco cursi lo que voy a decir, pero es mi lugar en el mundo. He estado de viaje en un lugar precioso, pero siento que quiero volver a mi casa-taller con mi mate, mi música y mis óleos (¿nostalgia?). En ocasiones, si estás haciendo algo muy visceral o directamente no te sale lo que estás buscando, se sufre, pero también es muy entretenido, lúdico.
SR: ¿Y cómo es la experiencia de dar clase?
VC: Es enormemente enriquecedora, a todo nivel. Tengo alumnos muy jóvenes y otros más veteranos y de todos aprendo algo, tanto cuestiones humanas como de pintura. Hay veces que traen un artista, una inquietud nueva o un abordaje distinto. También se da que están en un mismo espacio personas que piensan muy diferente, entonces la idea es rescatar lo que pueda haber en común y tratar de generar afecto a partir de las diferencias. Me parece que el taller debe de ser un ámbito de diálogo y respeto, abierto a las sensibilidades. A veces se logra.
"Retrato de / Portrait of Yayoi Kusama"
Serie "Libertad" / Freedom Series
SR: Y el juego, ¿cómo influye?
VC: Como dije, mi trabajo también es un juego, es mi hobby. Lo paso muy bien, incluso cuando estoy días sin resolver un cuadro.
Los materiales, los colores, los pinceles me llevan a cuando era niña y pasaba largas horas con mi hermana (melliza) dibujando, pintando, creando. Siento que en algún punto sigo jugando. Los que saben dicen que el juego es un agente de retroalimentación: vuelcas emociones, experimentas, te planteas objetivos, comunicas y sobre todo se siente placer.
SR: ¿Cómo es tu vínculo con el trabajo entre la pintura y la publicidad?
VC: Trabajé bastante tiempo en publicidad. Tal vez lo que me ha servido en ese sentido es tener alguna capacidad para, justamente, difundir el trabajo a través de la gráfica, redes sociales, etc. Son mundos distintos. En la pintura las emociones viven en un lugar de libertad: eres tú y ellas. En la publicidad la creatividad o las ideas están para complacer a un cliente que quiere vender algo. Son mundos casi paralelos que pueden unirse cuando hay una idea conmovedora o algo así. Lo que no quiere decir que no haya sensibilidades artísticas dentro de la publicidad.
SR: ¿Podrías contarnos acerca de algún proyecto artístico y cultural que tengas planeado a futuro?
VC: Estoy desarrollando una serie que tiene que ver con la libertad y la sexualidad, habla mucho de erotismo, de la manera de relacionarnos con nuestro propio cuerpo y con otras personas. Pienso que estamos viviendo un momento histórico respecto a los temas de género, identidad sexual preferencias sexuales y me siento una espectadora privilegiada con un tema para trabajar riquísimo y enorme. El placer como una dimensión de la libertad, como un derecho humano, también está muy presente en esta nueva serie.
En la mayoría de los casos, la historia del erotismo ha sido pintada por hombres, me gusta la idea de profundizar estos tópicos desde otra perspectiva.
Verónica Cestau is an Uruguayan artist born in Montevideo on March 24, 1972.
Since 1988 she attended the workshops of Edgardo Ribeiro, Norman Bottrill and Joaquín Aroztegui. From 1992 until 2000, she studied at the National School of Fine Arts. She works in advertising as a designer in several top advertising agencies and also works in multimedia companies as an illustrator and 2D animator.
In 2009 she opened her workshop and teaches classes.
Her works are part of private collections in Uruguay, Argentina, Brazil, Dominican Republic, Costa Rica, Spain, Italy, France, Germany, Sweden, Russia, Saudi Arabia, Malaysia, Puerto Rico and the United States.
"Retrato de / Portrait of Nina Simone", óleo y spray sobre lienzo / oil and spray on canvas, 100 x 70 cm.
Serie "Candombe"
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: How was your artistic experience in Europe?
Verónica Cestau: When I was 23 years old I traveled to Palma de Mallorca because my sister lived there, and I stayed there for a few months. It was an incredible trip that gave me another perspective of the world and of Uruguay. Surely in a nostalgic push, or perhaps wanting to affirm a cultural identity, I started to paint pictures of Candombe (*) (a theme that I later worked on for a long time). It occurred to me to ask in a store called Georgeville, dedicated to small sculptures of African origin, paintings and others, if they would take my work on consignment. They immediately said yes. It was in Cala Mayor, a dream place with a beautiful beach of turquoise waters. At the same time I went to some exhibition openings, meeting many young artists. At that time I thought it was not difficult to enter the art circuit, but I was also very young, my head was more in enjoying the moment and thinking that the opportunity to travel again would be just around the corner and well, I did not do anything, I just tried a little.
Years later I exhibited at the French embassy, but it was through a gallery where I worked; I didn't travel, it was just the works.
I think it's not so easy to enter the European market if you don't live there.
(*) Candombe is a style of music and dance that originated in Uruguay among the descendants of liberated African slaves. In 2009, the United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization (UNESCO) inscribed candombe in its Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity.
To a lesser extent, candombe is practiced also in Argentina, Paraguay, and Brazil.
This Uruguayan music style is based on three different drums: chico, repique, and piano drums. It is usually played in February during carnival in Montevideo at dance parades called "Llamadas" and the inaugural carnival parade. Wikipedia
SR: Did you have teachers who encouraged you in your craft?
VC: Yes, all the teachers and professors I've had (and there were several, no less than six, between workshops and Fine Arts) pushed me, encouraged me and made me feel that I had talent, without giving me compliments and making the necessary criticism. I think this is formidable for a person who is being formed.
Serie "Convivencia" / Living Together Series - "Las respuestas del espejos / Answers of the Mirror"
Serie "Libertad" / Freedom Series
SR: What emotions flow inside you when you bring a canvas to life?
VC: Woh... all of them! hahaha! I'm not exaggerating! Imagine. You are many days all the time doing something, and while things also happen to you at other levels, family, emotional, work and existentially, it is inevitable that you go through different states of mind, sitting there painting. At the same time you are dialoguing with an image. The painting, which in my case is a human being, is telling me something, then all kinds of questions arise, more questions than answers, and when you feel that you are in the painting is an inexplicable satisfaction that is not equal to anything.
SR: Tell us about your particular style and how you came to it.
VC: As I was telling you, I went to many workshops. The first one was very important. The teacher was Edgardo Ribeiro Nario, from the Torres-García school. There was a lot of discipline there, a lot of study of the natural, the steps were well defined and there was no room for the anxious ones who just wanted to put color. A lot of drawing, a lot of study of value before painting. Once in painting, there was also a lot of observation and synthesis. Afterwards, the different workshops gave me valuable lessons.
The National School of Fine Arts was also very important. At the beginning I was only interested in classical painting, a little out of taste, a little out of ignorance; no one in my family had anything to do with art, and then at the School I was introduced to the world of 20th century art, which is amazing. I think that this theoretical training, together with sensory experiences, allows me to be much more permeable to the events around me.
In the '90s I also worked in advertising and in a multimedia studio, where we made animated stories, with a great comic artist, Gerry Fernandez, who taught me everything I know about the scheme of the human anatomy. We had to make drawings from imagination, with scenes and movements from all points of view. It is a very big technical work, even though later one sees it and it seems to be very easy. The creation of characters, moods, costumes, scenery, fluency, credibility, meant a gigantic school.
These combinations, together with my fascination for human beings and a constant and incessant search for a language, is perhaps what made me have this way of working: a combination of the classical and the expressive in contemporary themes.
SR: How is memory constructed and how does it operate?
VC: I don't work from memory, if that's the question. I work with ideas, which I put together in photographic sessions and then take them to the canvas through drawing and painting. It is a reinterpretation. The creative process is a synergy of several languages: the photographic first and then the pictorial.
"Retrato de / Portrait of Jimi Hendrix", 40 x 30 cm.
Serie "Convivencia" / Living Together Series - "Espacio secreto / Secret Space"
SR: What satisfaction has painting given you?
VC: Enormous satisfaction. For example, the day I exhibited for the first time. It was a solo exhibition, when I was 19 years old, in a sports club, but with vernissage and everything. That was one of the happiest days I've ever had. That incomparable feeling that your life has some use, to feel valued for something you do with your hands and soul, was beautiful, and an incredible engine to keep going until now. It's been decades! I have had many enormously pleasant moments.
Another example: when Edgardo Ortuño, at that time Deputy of the Republic, created the Day of Candombe, Uruguayan Culture and Racial Equity, an event was held at the Legislative Palace and we made an exhibition with other painters who addressed the theme. At the launching, many testimonies of what blackness meant in the past and present emerged, and I became really aware of the inequities suffered by the Afro-descendant population: stories of anguish and discrimination, but also of struggle and resistance. It was a great learning experience.
In 2019 I did a portrait for the Central Bank. It was about the first woman to hold the position of general secretary. The satisfaction is that, in addition, I was the first female painter in the gallery of authorities. An enormous pride. The person I portrayed, Elizabeth Oria, is an important and charming woman, and we were immediately in tune. I admired her ability. She was very open, showing herself as she was. From that came a very colorful portrait, like her spirit, among many suits and ties. It was very comforting to make this recognition that reflects, I don't know if it reflects a change, but at least an advance in gender issues and women's possibilities in accessing places of power.
I recently participated in the exhibition at the Blanes Museum on the disappeared during the military dictatorship. I was moved to see how a collective of artists could generate something so moving.
I have met wonderful people, incredible colleagues with whom I have learned and continue to learn a lot. People who have opened doors for me, models with whom I have worked and with whom I have also grown.
Sometimes amazing things happen. Once a person of Arab origin bought all the paintings in my studio, and there were so many of them, well....
SR: How much freedom is there in portraying your characters?
VC: It depends. If it's a commissioned portrait, the freedom is limited. There are those who directly want something very realistic and ask for it, and other people like a more personal approach.
Then, when I choose the characters because there is something there that I want to rescue and keep from a particular person, the only limitation is to keep the character or "the soul" not just the resemblance. And if it is a personal project, the freedom is total, beyond my interest in keeping the essence of the portrayed; in this way the margin is much bigger if the painting needs to be corrected and take another direction.
Serie "Libertad" / Freedom Series
"Autorretrato / Self Portrait"
SR: What do you feel when you paint a mirror that expresses the everyday?
VC: That my life is there, and perhaps that of many people, but essentially they are lived moments. Some take the tedium of routine and, if I get philosophical, the weight of being alive and many other more pleasant moments where there is communication and love.
SR: Beyond the stages, do you think there is a constant in your work?
VC: Once a curator told me that she was struck by the fact that in almost all my paintings there are few people or only one, that is a constant: I like to focus on someone or on an intimate situation. My paintings are intimate, even when I did the Candombe series. I like to get into the characters and see what there is of me in them, how I resemble them and how I differ. In essence, to know what the prevailing emotion is.
SR: What is your workspace like?
VC: It's quite large. I share it with my students, which means that sometimes I have to change the "scenography" of the workshop depending on the time of day. but it's very nice, bright and cozy. A bit corny what I am going to say, but it is my place in the world. I've been on a trip to a beautiful place, but I feel like I want to go back to my home-workshop with my mate, my music and my oil paintings (nostalgia?). Sometimes, if you are doing something very visceral or if you don't get what you are looking for, you suffer, but it is also very entertaining, playful.
"Retrato de / Portrait of Patti Smith"
Serie "Libertad" / Freedom Series
SR: And what is the teaching experience like?
VC: It is enormously enriching, at all levels. I have very young students and other more veteran ones and I learn something from all of them, both human and painting issues. Sometimes they bring an artist, a new concern or a different approach. It also happens that people who think very differently are in the same space, so the idea is to rescue what they have in common and try to generate affection from the differences. It seems to me that the workshop should be an environment of dialogue and respect, open to sensitivities. Sometimes it is achieved.
SR: And what is the influence of playing?
VC: As I said, my work is also a game, it's my hobby. I have a great time, even when I'm days without solving a painting.
The materials, the colors, the brushes take me back to when I was a child and spent long hours with my sister (twin) drawing, painting, creating. I feel that at some point I am still playing. Those who know say that the game is an agent of feedback: you pour out emotions, you experiment, you set goals, you communicate and above all you feel pleasure.
Serie "Candombe"
SR: How is your link with the work between painting and advertising?
VC: I worked for a long time in advertising. Perhaps what has helped me in that sense is to have some ability to, precisely, disseminate the work through graphics, social networks, etc. They are different worlds. In painting, emotions live in a place of freedom: it's you and them. In advertising, creativity or ideas are there to please a client who wants to sell something. They are almost parallel worlds that can come together when there is a touching idea or something like that. Which is not to say that there are no artistic sensibilities within advertising.
SR: Could you tell us about any artistic and cultural projects you have planned for the future?
VC: I am developing a series that has to do with freedom and sexuality, it talks a lot about eroticism, about the way we relate to our own body and to other people. I think we are living a historic moment regarding gender issues, sexual identity, sexual preferences and I feel like a privileged spectator with a very rich and huge topic to work on. Pleasure as a dimension of freedom, as a human right, is also very present in this new series.
In most cases, the history of eroticism has been painted by men, I like the idea of deepening these topics from another perspective.
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Sobre los artistas mencionados / About mentiones artists
Edgardo Ribeiro Nario: [Recolección (CXLVI-1)]
Norman Botrill: Blog
Joaquín Aroztegui: [Ventanas (III)]
Gerardo "Gerry" Fernández: Website
¡Muchas gracias por la entrevista, Verónica!
Thanks a lot for the Interview, Verónica!
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Algunas imágenes de referencia / Some Reference Images
"Frida Kahlo", 1931. Foto / Photo: © 2017 Imogen Cunningham Trust. Ryan Gallery
Imogen Cunningham en "El Hurgador" / in this blog:
[Imogen Cunningham (Fotografía)], [Judy Dater (Fotografía)], [Judy y los fotógrafos (II)], [Asonancias (III)]
"Yayoi Kusama", para / for W Magazine, 2010. Foto / Photo: François Halard
Yayoi Kusama en "El Hurgador" / in this blog:
"Jimi Hendrix", Mason's Yard Studio, Londres / London, 1967. Foto / Photo: Gered Mankowitz
Gered Mankowicz en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CCXLIX)]
