En este blog he presentado más de una vez artistas que trabajan a dúo: Kozlov & Khlebnikova, SupaKitch et Koralie, Telmo Miel, Anna Halldin-Maule y Tom Maule, Mica Angela Hendricks & Myla. No siendo una fórmula frecuente, tampoco es rara. Hoy otra pareja, esta vez de artistas canarios.
A lo largo de casi dos décadas en el panorama artístico, José Arturo Martín y Javier Sicilia, "Martín y Sicilia", han ido perfilando un estilo característico cuyos elementos clave son el uso de la pintura, la fotografía y la instalación para plantear una narrativa visual en la que suelen aparecer sus dos "avatares" como actores principales de esas composiciones teatrales.
La temática de sus obras oscila entre la exposición de la pura cotidianeidad de los personajes y una visión irónica, ácida de la realidad contemporánea.
Dentro del difícil panorama del arte en una época de crisis y recortes, Martín y Sicilia han conseguido mantener la tensión creativa, habiendo cerrado exitosamente su última exposición en Barcelona hace menos de dos meses.
A través de infinidad de entrevistas, a las que me remito y que pueden pueden verse y leerse siguiendo los links que adjunto más adelante, los artistas han comentado sus orígenes, las claves de su trabajo, influencias y diferentes tópicos relacionados con su práctica y el arte en general. Sin embargo voy a aprovechar la oportunidad para formularles un par de cuestiones que pueden resultar de interés.
Texto de la entrevista en inglés al final del post.
Texto de la entrevista en inglés al final del post.
In this blog I've featured more than once artists working in duo: Kozlov & Khlebnikova, Supakitch et Koralie, Telmo Miel, Anna Halldin-Maule and Tom Maule, Mica Angela Hendricks & Myla. This is not a frequent formula, but neither rare. Today another couple, this time Canarian artists.
Over nearly two decades in the art world, José Arturo Martin and Javier Sicilia, "Martin and Sicilia", have defined a distinctive style whose key elements are the use of painting, photography and installation to create a visual narrative in which usually appear their "avatars" as key characters in these theatrical compositions.
The themes of their works ranging from the exhibition of pure daily issues of the characters, and a wry, acid vision of contemporary reality.
Within the difficult art scene in a time of crisis and cuts, Martin and Sicilia have managed to keep the creative tension, having successfully closed their last exhibition in Barcelona less than two months ago.
Through countless interviews, to which I refer and which can be seen and read by following the links attached below, artists have commented their origins, the keys to their work, influences and different topics related to their practice and art in general. But I will take the opportunity to ask them a couple of questions that may be of interest.
English translation of the interview at the end of this post.
________________________________________________________________________Martín y Sicilia
Entrevista / Interview
José Arturo Martín (2009) y Javier Sicilia (2008). Fotos / Photos Alexis W.
Alexis W en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CXLII)]
"El accidente / The Accident"
Acrílico sobre lienzo y madera recortada / acrylic on canvas & cut out wood, 170 x 260 cm., 2008.
El Hurgador: El trabajo en equipo es una negociación en la que ambos aportan y ambos ceden. ¿Cuánto sacrifican en la cesión?
Martín y Sicilia: Realmente no sacrificamos nada porque llegamos a consensos aceptables para ambos y hacemos lo que queremos, ya que las ideas las planteamos los dos y la decisión en cuanto al acabado de las piezas también es negociada de antemano.
EH: ¿Cuánto se pierde de individualidad creativa en el proceso?
MyS: Lo que hacemos es plantear ideas y las discutimos con lo que los dos nos hemos convertido en nuestro primer filtro crítico; es como si tuviéramos una conversación con nosotros mismos.
"Pescando / Fishing", instalación / installation
Acrilico sobre madera + plantas / acrylic on wood + plants, tamaño natural / life size, 2012.
"Bajo la mesa / Under the Table", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 163 cm., 2007
EH: ¿No se plantean un trabajo individual en paralelo con la obra en dúo, como los músicos?
MyS: Por ahora no nos hemos planteado hacer nada por separado, ya que todos los planteamientos que tenemos a nivel individual los llevamos a cabo desde Martin y Sicilia.
"El éxodo / The Exodus", instalación / installation
Acrílico sobre madera recortada / acrylic on cut out wood, 1.500 x 200 x 180 cm., 2008
"Riña de gallos / Cock Fight"
Acrílico sobre madera recortada / acrylic on cut out wood, 300 x 440 cm., 2011
En el TEA (Tenerife Espacio de las Artes), 11/2014. Foto / Photo: Esther Frías
EH: Parte de vuestra obra incluye elementos críticos con el sistema o con determinados aspectos de nuestra realidad, pero según dicen lo hacen desde un punto de vista "posmoderno y distante". ¿Es por un descreimiento en el poder del arte para cambiar las cosas, o por hacer algo más inclusivo y no incomodar demasiado?
MyS: La historia reciente nos ha demostrado que creerse demasiado las cosas lleva al ser humano a cometer barbaridades, y esto en si es un síntoma de la era posmoderna, con lo que cuando esgrimimos conclusiones acerca de problemáticas sociales, aunque sean criticas, lo hacemos desde la distancia irónica.
"La jovencita indiscreta / Indiscreet Girl", fotografía / photography, 50 x 97 cm., 2003
"La jovencita indiscreta / Indiscreet Girl", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 95 x 186 cm., 2003
EH: Han mencionado a Hopper y Velázquez como referentes; el primero en cuanto artista que retoma la pintura figurativa, y su relación con el cine y la fotografía, y Velázquez en cuanto a su maestría técnica. ¿Qué otros artistas contemporáneos les resultan interesantes y por qué?
MyS: Efectivamente no podemos obviar a aquellos artistas, contemporáneos o no, que utilicen las estructuras narrativas como lo hacemos nosotros. Consideramos que es fundamental ser conscientes de nuestros referentes para no incurrir en obviedades. Pero por supuesto que nos interesan otros muchos artistas que nos aportan no solo plásticamente sino discursivamente como por ejemplo Marcel Duchamp, Jeff Koons, Gregory Crewdson o Courbet entre otros. [ver al final del post]
"Viernes negro I / Black Friday I"
Acrílico sobre madera recortada / acrylic on cut out wood, 200 x 366 cm., 2011
"Paraíso / Paradise"
Acrílico sobre madera recortada / acrylic on cut out wood, 3,40 x 10 x 10 m., 2010
Click en la imagen para ampliar / click on the image to enlarge
"Paraíso / Paradise" (detalles / details)
EH: ¿Qué relación mantienen con las obras una vez finalizadas? ¿Les cuesta desprenderse de ellas?
MyS: Una obra vendida es siempre una satisfacción, tanto por el dinero como por saber que el trabajo sigue hablando fuera del estudio, con lo que le da sentido al hecho de haber sido pintada.
"Puertas abiertas / Open Doors", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 60 x 68 cm., 2010
"Epidemia / Epidemic", instalación / installation
Acrílico sobre madera recortada / acrylic on cut out wood, 180 x 700 x 800 cm., 2010
Click en la imagen para ampliar / click on the image to enlarge______________________________________________________________________
EH: ¿Creen que está correctamente valorada la producción artística actualmente? No me refiero a cómo ha golpeado la crisis al mercado del arte, sino a cómo afecta a la valoración de las obras la diversificación y difusión masiva de productos artísticos o presuntamente artísticos, el hecho de que muchos de los curadores y críticos no sean más que herramientas al servicio de "grandes" coleccionistas que los utilizan para inflar el valor de productos de calidad más que dudosa, etc...
MyS: Los curadores se han convertido en una pieza muy importante en el puzle del arte contemporáneo, son los “avalistas del criterio” y muchos galeristas y coleccionistas confían en ellos. Pero no son los responsables directos de las subidas de precios de los artistas y de alguna manera pretenden estar fuera de las estructuras meramente comerciales, de hecho alardean de lo contrario.
Y respecto al valor de las obras de arte, tiene que ver con estrategias galeristicas. Hay un valor objetivo que tiene que ver con la carrera y calidad del artista y otro subjetivo que tiene que ver con la especulación. En ambos casos hay ocasiones en las que los precios están ajustados y otras en las que todo lo contrario, pero afortunadamente hay una opinión generalizada entre los profesionales que nos dedicamos a esto en todos sus campos y sabemos cuando se trata de un caso u otro.
"Ocupando el 24 horas / Occupy the 24h.", acrylic on canvas / acrilico sobre lienzo, 100 x 190 cm., 2012
"La visita inesperada III / The Unexpected Visit III"
Javier Sicilia y José Arturo Martín
EH: Ustedes han comentado sus inicios, hace ya unos cuantos años, cuando no los recibían los galeristas que hoy los buscan, o llamaban sin éxito a la puerta de Jeff Koons en New York. A la vista de esta experiencia ¿Qué opinión les merecen las dificultades actuales de los artistas emergentes desde la perspectiva que ahora tienen como artistas establecidos? ¿Hay mucha diferencia?
MyS: El escenario es diferente al de hace 20 años. Por un lado hay más facilidad para acceder a la información, es decir, los galeristas pueden ver los trabajos de los artistas sin tener que visitar el estudio, esté donde esté, y el artista también puede ver qué productos ofrece un galerista y asi ofertarse de un modo más preciso. Pero desafortunadamente estas ventajas en un mundo en el que la crisis económica se ha sentido como en tantos ámbitos, es un hándicap para la promoción.
"El accidente / The Accident", grafito sobre papel / graphite on paper, 144 x 229 cm., 2010
"Movida en el cementerio / Happening in the Cemetery"
Acrílico sobre madera / acrylic on wood, medidas variables / variable size, 2009
"El penitente / The Penitent", acrílico sobre madera / acrylic on wood, 139 x 120 cm., 2013
"La entrevista / The Interview", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 270 cm., 2013
Click en la imagen para ampliar / click on the image to enlarge
"Plan B"
EH: Normalmente las crisis son caldo de cultivo para la creatividad, pero por otra parte son causa de todo tipo de restricciones a la actividad artística y el despegue de nuevos talentos por falta de recursos. ¿Qué consideran más interesante para el desarrollo artístico: una sociedad opulenta que hace más fácil la vida del artista y le permite dedicarse de lleno a crear, o el estímulo de la crisis que aguza el ingenio y obliga a buscar soluciones inteligentes?
MyS: Creemos que las dos situaciones tienen sus pros y sus contras. Cuando hay una situación política compleja los artistas reaccionamos posicionándonos frente a eso que ocurre, pero si no hay recursos se convierte en un problema para el desarrollo de la práctica artística, de modo que una sociedad opulenta seria el formato ideal para la creación, porque permite la diversificación del discurso hacia otras poeticas más alejadas de los territorios puramente sociales. En nuestro caso, en la medida que estamos más cómodos económicamente, más posibilidades tenemos de desarrollar nuestro proceso creativo y pivotar entre la micropolítica o investigar en gramáticas más cercanas a la modernidad.
"Nos vemos pronto / See you Soon", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 146 cm., 2013
Acrilico sobre lienzo / acrylic on canvas, 88 x 177 cm., 2012
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Martín y Sicilia en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (I)]
Más imágenes e información en / More images and information in: Website, facebook
Imágenes publicadas con autorización de los artistas (¡Gracias Javier y José!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Javier y Jose!)
"Dele color al difunto / Give Color to the Deceased"
"Dele color al difunto" es el nombre de esta obra, y de una muestra que Martín y Sicilia presentaron el la Galería Artizar, entre diciembre de 2013 y enero de 2014.
Instalacion / Installation, Medidas variables / Variable Size
Give Color to the Deceased is the name of this work and a show held in Artizar Gallery, La Laguna, Tenerife, between December 2013 and January 2014.
Entrevista en el programa DESVELADOS Tv Canaria /
Interview on the TV Show SLEEPLESS, Canary Islands Television (in Spanish), 2007
Dirigido por / Directed by Miguel G. Morales - Edición / Editing: Jorge Rojas - Guión / Script: Rebeca
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Entrevista en el programa +Canarias con motivo de su exposición "Dele color al difunto" en la Galería ARTIZAR, La Laguna, Tenerife, Islas Canarias, 2013 /
Interview (in Spanish) on the TV Show +Canarias on the occasion of the exhibition "Give Color to the Deceased", in ARTIZAR Gallery, La Laguna, Tenerife, Canary Islands, 2013
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Hay también una entrevista que puede leerse online en la revista "The Showroom Mag", Nº 14, p.81 /
There are also another interview you can read online (in Spanish) in the Magazine "The Showroom Mag", # 14, p.81 /
Algunas referencias / Some References
Gregory Crewdson
Serie "Casa de los sueños" / Dream House Series, 2002
Gregory Crewdson es un fotógrafo estadounidense nacido en 1962, conocido por sus elaboradas escenas de casas y barrios de su país.
Asistió a la John Dewey High School.
Cuando era adolescente, formó parte de un grupo de punk rock llamado Los Speedies que tuvo su momento en la escena neoyorkina. Su canción "Let Me TakeYour Photo / Déjame tomar tu foto" resultó ser profética para la futura carrera de Crewdson. En 2005 Hewlett Packard utilizó la canción en anuncios para promover sus cámaras digitales.
A mediados de 1980 Crewdson estudió fotografía en SUNY Purchase, cerca de Port Chester, Nueva York. Obtuvo su Master en Bellas Artes por la Universidad de Yale. Ha sido profesor en el Sarah Lawrence, Cooper Union, Vassar College y la Universidad de Yale, donde ha estado en la facultad desde 1993. En la actualidad es profesor en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale. En 2012, fue el tema de la película documental Gregory Crewdson: Brief Encounters.
Las fotografías de Crewdson suelen tener lugar en algún pequeño pueblo de Estados Unidos, pero son dramáticas y cinematográficas. Presentan eventos surrealistas, a menudo inquietantes. Sus fotografías tienen lugar con escenarios e iluminación muy elaborados, y cuenta con equipos familiarizados con la producción cinematográfica y de iluminación de grandes escenas utilizando equipamiento y técnicas de cine.
Serie "Bajo las rosas" / Beneath the Roses Series, 2005
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Serie "Bajo las rosas" / Beneath the Roses Series, 2005
Gregory Crewdson is an American photographer born in 1962, best known for elaborately staged scenes of American homes and neighborhoods.
He attended John Dewey High School.
As a teenager, he was part of a punk rock group called The Speedies that hit the New York scene. Their song, "Let Me Take Your Photo" proved to be prophetic to Crewdson's future career. In 2005, Hewlett Packard used the song in advertisements to promote its digital cameras.
In the mid 1980s, Crewdson studied photography at SUNY Purchase, near Port Chester, NY. He received his Master of Fine Arts from Yale University. He has taught at Sarah Lawrence, Cooper Union, Vassar College, and Yale University, where he has been on the faculty since 1993. He is now a professor at the Yale University School of Art. In 2012, he was the subject of the feature documentary film Gregory Crewdson: Brief Encounters.
Crewdson's photographs usually take place in small-town America, but are dramatic and cinematic. They feature often disturbing, surreal events. His photographs are elaborately staged and lighted using crews familiar with motion picture production and lighting large scenes using motion picture film equipment and techniques.
"Sin título / Untitled", 2005
Gregory Crewdson en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CXXVI)]
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Jeff Koons
"Perro globo / Balloon Dog", magenta, Serie Celebración / Celebration Series
Acero inoxidable cromado con revestimiento de color transparente /
Chromed stainless steel with transparent color coating, 307,3 x 363,2 x 114,3 cm.
Palazzo Grassi (Venecia / Venice), 2006
"Puppy", escultura topiaria en la terraza exterior del Museo Guggenheim, Bilbao, España /
topiary sculpture on the outdoor terrace at Guggenheim Museum Bilbao, Spain.
Foto / Photo: Esther Frías
"Puppy" Foto / Photo: Javier Fuentes
Jeff Koons en "El Hurgador" / in this blog: [Marc Dennis (Pintura)]
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Sobre los otros artistas mencionados / About the other mentioned artists:
Gustave Courbet: [Pintando perros (X)], [Arte perdido (IV)], [Marc Dennis (Pintura)], [Aniversarios (XX)]
Marcel Duchamp: [Arte & humor (II)]
Edward Hopper:
[Manos a la obra (XXVII)], [Arte perdido (V)], [Adam Lister (Las obras, Anexo / The Works, Annex)], [Aniversarios (XXVI)]
Diego Velázquez:
[Manos a la obra (I)], [Pintando perros (I)], [Aniversarios (XIX)], [Uruguayos (XXIII)], [Arte y humor (VI) - Anexo]
Textos en inglés / English translation
El Hurgador: Teamwork is a negotiation in which both contribute and both relinquish. How much sacrifice there are in that cession?
Martín & Sicilia: Actually we do not sacrifice anything, because we arrive into acceptable consensus to both, and we do what we want, because we both suggest the ideas, and the decision about how to finish the pieces is also negotiated beforehand.
EH: How much creative individuality is lost in the process?
M&S: What we do is suggest ideas and discuss them, so we have both become our first critical filter, it is as if we had a conversation with ourselves.
EH: Is not possible an individual work in parallel with the work in the duo, as musicians does sometimes?
M&S: So far we have not considered doing anything separately, since we develop all approaches that have individually from the unit "Martin and Sicilia".
EH: Part of your work includes elements critical with the system, or with certain aspects of our reality. You say you do it from a "postmodern and distant" view. Is a disbelief in the power of art to change things or maybe for create something more inclusive, and not to disturb too much?
M&S: Recent history has shown that believe things too much leads man to commit atrocities, and this in itself is a symptom of the postmodern era, so when we wield conclusions about social issues, even if critics, we do it from the ironic distance.
EH: You have mentioned Hopper and Velázquez as references; the first as an artist who resumes figurative painting, and his relationship with film and photography, and Velázquez for his technical mastery. What other contemporary artists are interesting for you, and why?
M&S: Indeed we can't ignore those artists, contemporary or not, using narrative structures same as we do. We believe it is essential to be aware of our references to avoid making obvious things. But of course we are interested in many other artists who bring us not only artistically but discursively such as Marcel Duchamp, Jeff Koons, Gregory Crewdson or Courbet among others.
EH: What kind of relationship have with the works after completion? Is it difficult to get rid of them?
M&S: A work sold is always a pleasure, for the money, but also because we know that the work is still talking outside the studio; that gives meaning to having been painted.
EH: Do you think it is correctly valued artistic production today? I am not referring to how the crisis has affected the art market, but how it affects the valuation of works diversification and mass dissemination of artistic or alleged artistic products, the fact that many of the curators and critics are no more than tools at the service of "large" collectors used to inflate the value of products with more than doubtful quality, etc ...
M&S: The curators have become a very important piece in the puzzle of contemporary art, are the "guarantors of judgment" and many gallery owners and collectors trust them. But they are not directly responsible for the price increases of artists, and somehow pretend to be outside the purely commercial structures. In fact they boast of the opposite.
And regarding the value of the artwork, has to do with galeristicas strategies. There is an objective value that has to do with the career and quality of the artist and a subjective one that has to do with speculation. In both cases there are times when prices are the right ones and others in which is the opposite, but fortunately there is a widespread view among professionals dedicated to this in all fields, and we know which one is the case.
EH: You have talked about your beginnings, a few years ago, when you were not received by the same galleries that today are looking for you, or called unsuccessfully at Jeff Koons' door in New York. Given this experience, what's your oppinion about the difficulties of emerging artists from the perspective you have now as established artists? Is there much difference?
M&S: The scene is different from 20 years ago. On one hand there's an easier access to information, ie, the gallery can see the work of artists without having to visit the studio wherever, and the artist can also see what products offers a gallerist and so be offered in a more precise manner. But unfortunately these advantages in a world where the economic crisis has been felt at many levels, is a handicap for promotion.
EH: Usually crises are breeding ground for creativity, but otherwise they are cause of all kinds of restrictions for artistic activity and takeoff of new talent for lack of resources. What do you consider most interesting for artistic development: an affluent society that makes life easier for the artist and allows him to devote himself to create full time, or the stimulus of a crisis that force to sharpen the wit and seek intelligent solutions?
M&S: We believe that the two situations have their pros and cons. In a complex political situation, we the artists react positioning ourselves against what happens, but if we have no resources, it becomes a problem for the development of artistic practice. An affluent society would be the ideal format because it allows the creative discourse to diversify towards other poetics, away from purely social territories. In our case, to the extent that we are more comfortable economically, more possibilities we have to develop our creative process and to pivot between the micropolicy or investigate in grammars closer to modernity.
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